08
// Mi // 20 Uhr // Shorts Attack im Januar:
POWERFRAUEN - 12 Filme in 85 Minuten
6 EUR / 5 EUR ermäßigt
Frauen hauen auf den Tisch, sie reflektieren ihre Sexualität, haben Panik vor der Hochzeitsnacht, machen Karriere und jagen im Auto durch die Stadt: Shorts Attack im Januar karikiert das männliche Politikverhalten, feiert den weiblichen Tanz und zeigt, dass Geschlechterfestlegung offen für Befreiung ist. Die 12 Filme voller feministischer Wucht sind auch für Männer ein Genuss!
09
// Do // 19 Uhr // Queere Filmwoche:
CASSANDRO THE EXOTICO ! (Dok, F 2018, 73 min., engl. OV R: Marie Losier)
In der extravaganten Welt der Lucha Libre ist Cassandro der exzentrische Star. Er ist der König der Exóticos, der Geschlechtsgrenzen überschreitenden Cross-Dressing-Ringer, die in diesem von Machos dominierten Sport nicht nur ihre Gegner, sondern auch deren Vorurteile bekämpfen.
Trotz seines Mascaras und seiner perfekt gekräuselten Wimpern ist Cassandro eine Kampfmaschine, ein vielfacher Weltmeister, der seinen Körper an die Grenzen bringt. Nach sechsundzwanzig Jahren im Ring ist dieser am Ende und Cassandros Selbstvertrauen schwindet als er merkt, dass ihn die traumatischen Erlebnisse seiner Vergangenheit einholen. Aber er kann dem Scheinwerferlicht nicht lange fern bleiben…
Trotz seines Mascaras und seiner perfekt gekräuselten Wimpern ist Cassandro eine Kampfmaschine, ein vielfacher Weltmeister, der seinen Körper an die Grenzen bringt. Nach sechsundzwanzig Jahren im Ring ist dieser am Ende und Cassandros Selbstvertrauen schwindet als er merkt, dass ihn die traumatischen Erlebnisse seiner Vergangenheit einholen. Aber er kann dem Scheinwerferlicht nicht lange fern bleiben…
09
// Do // 21 Uhr // Queere Filmwoche:
BIXA TRAVESTY / TRANNY FAG (Dok, BRA 2018, 84 min., OmeU; R: C. Priscilla, K. Goifman)
Als schwarze Transfrau aus der Peripherie São Paulos erhebt die Pop-Figur Linn da Quebrada ihre Stimme für die Queers of Colour aus den Favelas. Mit ihrer Jugendfreund*in und Partner*in in Crime, der schwarzen Transfrau und Sängerin Jup de Bairro, spielt sie fulminante Konzerte. Mit exorbitanten Kostümen und viel Twerking unternimmt sie eine elektro-musikalische Attacke gegen die weiße heteronormative Geschlechterordnung Brasiliens und den Machismus der dortigen Funk-Musikszene. Ihre zärtliche Seite zeigt sich in privaten Szenen, in denen Linn über Liebe, Rassismus und Armut spricht. In Archivmaterial – selbstgedrehten Videos – sehen wir sie bei intimen Performances während einer Krebsbehandlung im Krankenhaus.
10
// Fr // 20 Uhr // +++ A U S V E R K A U F T +++ Das Grauen, das Grauen Tour
GRIM 104 (d/ Buback Rec.)
Er hätte doch alles haben können – Die Szeneblätter, der Feuilleton, die Fans, alle jubelten. Es hätte Geld geben können, soviel Geld und und all die Gratis-Schuhe und Freedrinks, endlich die Aufmerksamkeit, die er sich in den bitteren Stunden in der Kanalisation so herbeigesehnt hatte. Und als es dann da war? Hat er es ausgeschlagen, so höhnisch, so stolz. Hat sich von den Vorschüssen ein Schloss gekauft, weit weg von der großen Stadt. Als die Leute vom Label fragten, die Pressevertreter, die Fans, „Wo bleibt die nächste Platte, grim104?“ da hat er sie fortgeschickt, erst freundlich, dann bestimmt, dann tobend und zornig. Und dann kam niemand mehr und es wurde still auf dem Schloss und in den Gipfeln der Tannen. Sechs lange Jahre kein Geräusch, kein Ton, kein Lebenszeichen.
Bis es wieder ein Rumoren gab, ein Gewisper. Erst in den Tannen, dann auf Feld und Flur, am Schluss in den brodelnden Elendsquartieren und dampfenden Gossen: „grim104 hat eine neue Platte gemacht!“. Und jetzt ist er zurück, mit unbewegter Mine und seltsam toten Augen und erzählt über „Das Grauen, Das Grauen“.
Musikalisch tief in der Gegenwart, mit Blick in die Zukunft, unter der Federführung von Silkersoft und mit weiteren Beats von Kenji451 und BLVTH ist es technoid geworden, Fetzen von indonesischer Gamelan-Musik wehen durch Houston-808s, warme, weiche Wolken schweben durch rasiermesserscharfe, spiegelglatte Monolithen, durch menschenleere Megacities. Warmer, schwarzer Honig, all das Grauen und die Schönheit der Welt, gegossen in einen futuristischen und brachialen Sound.
T I C K E T S: das Konzert ist restlos ausverkauft! Es wird keine Abendkasse geben.
Bis es wieder ein Rumoren gab, ein Gewisper. Erst in den Tannen, dann auf Feld und Flur, am Schluss in den brodelnden Elendsquartieren und dampfenden Gossen: „grim104 hat eine neue Platte gemacht!“. Und jetzt ist er zurück, mit unbewegter Mine und seltsam toten Augen und erzählt über „Das Grauen, Das Grauen“.
Musikalisch tief in der Gegenwart, mit Blick in die Zukunft, unter der Federführung von Silkersoft und mit weiteren Beats von Kenji451 und BLVTH ist es technoid geworden, Fetzen von indonesischer Gamelan-Musik wehen durch Houston-808s, warme, weiche Wolken schweben durch rasiermesserscharfe, spiegelglatte Monolithen, durch menschenleere Megacities. Warmer, schwarzer Honig, all das Grauen und die Schönheit der Welt, gegossen in einen futuristischen und brachialen Sound.
T I C K E T S: das Konzert ist restlos ausverkauft! Es wird keine Abendkasse geben.
11
// Sa // 21 Uhr // Queere Filmwoche / Konzert:
BENDIK GISKE (no/ smalltown supersound) & tba
Kennengelernt hat der queere norwegische Saxofonist die Schönheit der Kapitulation in den Darkrooms der schwulen Berliner Clubkultur – ein Erlebnis, das in seinem aktuellen und ersten Album "Surrender" musikalische Form annimmt. Und es klingt, als hätte Giske tatsächlich musikalisches Neuland betreten. Giskes Körper ist üppig mikrofoniert, dessen Geräusche, seine Bewegungen, Stimme und Atmen, machen die Klanglandschaft organisch pulsierend. Das Saxofon dazu: ein wummernder Bass, ein fliehender Ton, Rhythmus und Drone.
Hier wird elektronische Musik mit einem akustischen Instrument nachgebaut, aber nicht so akademisch, wie es Techno-Legenden wie Carl Craig und Henrik Schwarz immer wieder scheiternd versuchen, sondern mit Lust am Menschlichen. Und mit Lust.
Hier wird elektronische Musik mit einem akustischen Instrument nachgebaut, aber nicht so akademisch, wie es Techno-Legenden wie Carl Craig und Henrik Schwarz immer wieder scheiternd versuchen, sondern mit Lust am Menschlichen. Und mit Lust.
12
// So // 14 Uhr // Queere Filmwoche / KinderKinoKlub:
SUPER JACK & BRUDER LANGOHR (NL 2015, 90 min., empfohlen ab 6 Jahren)
2 EUR
Der achtjährige Jack hat zwei Mütter. Geschwister hat er keine. Sein sehnlichster Wunsch zum achten Geburtstag ist es, einen kleinen Bruder zu bekommen. Als er stattdessen ein Kaninchen kriegt, startet Jack einen Protest. Er setzt sich eine Kappe mit Hasenohren auf und wird sie erst wieder ausziehen, wenn sein Wunsch nach einem Bruder endlich erfüllt wird. Der Junge spricht mit seinen Müttern darüber, warum das leider gar nicht so einfach zu machen ist. Sie erklären ihm, dass Frauen zusammen keine Kinder bekommen können, weil sie die „Willies“ von einem Mann brauchen. Also macht sich Jack heimlich daran, im Internet einen Spender zu suchen. Er bezeichnet sich fortan als Superheld „Superjack“ und geht auf eine abenteuerliche Reise mit witzigen und spannenden Begegnungen…
12
// So // 16 Uhr // Queere Filmwoche/ VORTRAG von Natascha Frankenberg:
THE MAKING OF MONSTERS - QUEERER AKTIVISMUS UND DAS UTOPISCHE POTENTIAL EINES MUSICALS
Wie können Musicals in Bezug auf gesellschaftspolitische Ereignisse gelesen werden? Lassen sich Ungleichheiten auch in Musik-Nummern beschreiben oder thematisieren? "The Making of Monsters" kombiniert die Idee eines experimentellen Musicals mit der Erzählung einer gewaltvollen Geschichte von dem homophoben Mord an einem Lehrer. Wie verhält sich die Erzählung von der Gewalt zu der Form des Musicals?
Der Filmwissenschaftler Richard Dyer hat sich frühe Musicals in Bezug auf Fragen nach utopischen Momenten angeschaut. Der Wunsch zur Veränderung gewaltvoller Strukturen ist hier eine Idee, die in diesen Filmen für ihn erahnbar wird. Nutzen queere Musicals ebensolche Strategien und intervenieren sie in gewaltvolle/ normative Strukturen? Im Vortrag werden, ausgehend von „The Making of Monsters“, einzelne Musicals eines Queer Cinema exemplarisch vorgestellt und in Bezug auf ihre Ästhetik und ihre Narrative in den Blick genommen.
1985 wurde der schwule Lehrer Kenneth Zellers im High Park in Toronto von fünf Teenager-Jungen ermordet. John Greyson, Enfant terrible des kanadischen Kinos, inszenierte ein experimentelles Musical, in welchem er eine umfassende aktivistische Analyse dieses Falls vornimmt. Mit Brechtschen Verfremdungsstrategien und einem ausgelassenen Sinn für Provokation rekonstruiert er Tathergang und Medienhype in einem fiktiven Making-of von Dreharbeiten, das er wiederum mit vielfältigen ästhetischen Formen sprengt: Reportage-Elementen, Theaterszenen, Archivmaterial und Musikvideosequenzen. So entsteht eine radikale, vielschichtige Studie zu Homophobie, die das Dickicht weißer Heteronormativität mit bitter-ironischen Zügen durchschlägt. Bertolt Brecht höchstpersönlich tritt als Regisseur in Gestalt eines Fisches auf, und Tänzer in Jockstraps mit Hockeyschlägern und Torhütermasken entzünden ein Feuerwerk queerer Lebenslust, voller Wut und selbstbestimmter Strahlkraft.
Der Filmwissenschaftler Richard Dyer hat sich frühe Musicals in Bezug auf Fragen nach utopischen Momenten angeschaut. Der Wunsch zur Veränderung gewaltvoller Strukturen ist hier eine Idee, die in diesen Filmen für ihn erahnbar wird. Nutzen queere Musicals ebensolche Strategien und intervenieren sie in gewaltvolle/ normative Strukturen? Im Vortrag werden, ausgehend von „The Making of Monsters“, einzelne Musicals eines Queer Cinema exemplarisch vorgestellt und in Bezug auf ihre Ästhetik und ihre Narrative in den Blick genommen.
1985 wurde der schwule Lehrer Kenneth Zellers im High Park in Toronto von fünf Teenager-Jungen ermordet. John Greyson, Enfant terrible des kanadischen Kinos, inszenierte ein experimentelles Musical, in welchem er eine umfassende aktivistische Analyse dieses Falls vornimmt. Mit Brechtschen Verfremdungsstrategien und einem ausgelassenen Sinn für Provokation rekonstruiert er Tathergang und Medienhype in einem fiktiven Making-of von Dreharbeiten, das er wiederum mit vielfältigen ästhetischen Formen sprengt: Reportage-Elementen, Theaterszenen, Archivmaterial und Musikvideosequenzen. So entsteht eine radikale, vielschichtige Studie zu Homophobie, die das Dickicht weißer Heteronormativität mit bitter-ironischen Zügen durchschlägt. Bertolt Brecht höchstpersönlich tritt als Regisseur in Gestalt eines Fisches auf, und Tänzer in Jockstraps mit Hockeyschlägern und Torhütermasken entzünden ein Feuerwerk queerer Lebenslust, voller Wut und selbstbestimmter Strahlkraft.
12
// So // 19 Uhr // Queere Filmwoche:
DAS MELANCHOLISCHE MÄDCHEN (D 2019, 80 min.,dt. OV mit engl. UT; R: S. Heinrich)
Das melancholische Mädchen driftet durchs Sein. Sucht ein Lager in der Nacht. Begegnet den Schwärmern und Gestalten. Lässt sich ein. Zieht sich aus. Und dann weiter. Als Alien, Kunstfigur, Every-Woman. Ein offenes Spiel. Mit dem internalisierten Bildgedächtnis und den Erwartungen daran, wie Mädchen und Frauen zu sein haben. Die Projektions- wird zur Verhandlungsfläche. Körper trifft These trifft durchkommerzialisierte Selbstoptimierung. Zwischen performten Antworten und gelangweilten Interaktionen blitzt es auf, bricht es unter Make-Up, Hairstyle und der Lollipop-Ästhetik hervor: Frausein, Menschsein, Verbündetsein - im Angesicht der Individualisierungsmaschine.
Susanne Heinrichs Debütfilm interessiert sich für die sozialen und politischen Dimensionen von Depression. In den Mantel eines feministischen Manifests kleidet sich ein existentielles Wagnis: Begehren und Begegnen jenseits von Rollenklischees und Marketingstrategien. Das Sich-aufs-Spiel-Setzen wird dabei solange verhandelt, bis es sich verwandelt, weg von idealisierter, romantisierter und banalisierter Aufforderung hin zu einer Möglichkeit.
(Amos Borchert/GEGENkino)
Susanne Heinrichs Debütfilm interessiert sich für die sozialen und politischen Dimensionen von Depression. In den Mantel eines feministischen Manifests kleidet sich ein existentielles Wagnis: Begehren und Begegnen jenseits von Rollenklischees und Marketingstrategien. Das Sich-aufs-Spiel-Setzen wird dabei solange verhandelt, bis es sich verwandelt, weg von idealisierter, romantisierter und banalisierter Aufforderung hin zu einer Möglichkeit.
(Amos Borchert/GEGENkino)
13
// Mo // 19 Uhr // Queere Filmwoche:
SEARCHING EVA (Dok, D 2019 von Pia Hellenthal, 84 min.,dt.,engl. & ital. OV mit engl. UT)
6 EUR / 5 EUR ermäßigt
Eva, 25, in Berlin lebende Italienerin, führt ein öffentliches Leben, mit allen Konsequenzen. Mit 14 Jahren gab sie sich einen neuen Namen und erklärte Privatsphäre zu einem überholten Konzept. Seither teilt sie ihr Leben bis ins intimste Detail mit aller Welt. Sie lebt vielfältige Identitäten: Katzenbesitzerin, Dichterin, Sexarbeiterin, Bisexuelle, Ex-Junkie, Feministin, Anarchistin, Model, Sternzeichen Jungfrau…
Erwachsen wurde sie im Internet, wo sie aus ihrer Selbstsuche ein öffentliches Spektakel machte. Das Leben für sie ist „so etwas wie ein Indie-Film“ - eine subjektive Konstruktion unter eigener Regie. Eva läuft bei Fashionshows in Paris, wird von Sugar Daddies in gutbürgerlichen Hotels massiert, nimmt Drogen, spielt mit ihrer Katze. Anstatt einem narrativen Faden zu folgen, kreist der Film um Themen, die Evas Leben von sich aus aufwerfen: Fragen nach Sexualität, Gender, Konzepten von Arbeit und fixer Identität.
Erwachsen wurde sie im Internet, wo sie aus ihrer Selbstsuche ein öffentliches Spektakel machte. Das Leben für sie ist „so etwas wie ein Indie-Film“ - eine subjektive Konstruktion unter eigener Regie. Eva läuft bei Fashionshows in Paris, wird von Sugar Daddies in gutbürgerlichen Hotels massiert, nimmt Drogen, spielt mit ihrer Katze. Anstatt einem narrativen Faden zu folgen, kreist der Film um Themen, die Evas Leben von sich aus aufwerfen: Fragen nach Sexualität, Gender, Konzepten von Arbeit und fixer Identität.
13
// Mo // 21 Uhr // Queere Filmtage:
THE WILD BOYS (F 2018, 110 min., OmdU R: Bertrand Mandico)
Zu Beginn des zwanzigsten Jahrhunderts begehen fünf Jungs aus gutem Hause, die dem Okkulten huldigen, ein scheußliches Verbrechen. Daraufhin werden sie einem alten Kapitän anvertraut, der ihnen auf seinem Kahn mit harter Hand wieder Zucht und Ordnung beibringen soll. Von der Schikane zermürbt und mit den Kräften am Ende proben sie den Aufstand – und stranden auf einer Insel voller bizarrer Gewächse, von der eine mysteriöse Kraft ausgeht. Nach einiger Zeit beginnt ihr Zauber, sie zu verändern…
Ein surrealer und erotischer Fantasyfilm, der die Einflüsse von Kenneth Anger, Rainer Werner Fassbinder nicht leugnen kann und frei nach dem Beat Generation-Roman „The Wild Boys: A Book of the Dead“ (1971) von William S. Burroughs erzählt ist, der u.a. David Bowie zu Ziggy Stardust inspirierte.
Ein surrealer und erotischer Fantasyfilm, der die Einflüsse von Kenneth Anger, Rainer Werner Fassbinder nicht leugnen kann und frei nach dem Beat Generation-Roman „The Wild Boys: A Book of the Dead“ (1971) von William S. Burroughs erzählt ist, der u.a. David Bowie zu Ziggy Stardust inspirierte.
14
// Di // 19 Uhr // Queere Filmwoche/ Kurzfilmprogramm
ANIMATED QUEER SHORTS (16 Filme, 90 min, ohne Dialog oder OmeU)
6 EUR / 5 EUR ermäßigt
Insgesamt 16 Arbeiten, die mit traditionellen oder digitalen Animationstechniken gefertigt sind, berichten von skurrilen queeren Lebenswelten, romantischen Begegnissen und Sehnsüchten. In "Toomas beneath the valley of the wild wolves" eröffnet Toomas, ein sexy Wolf, einen Gigolo-Service, nachdem er seinen Job verloren hat. Nach zögerlichem Anfang floriert das Geschäft – sogar eine Filmanfrage lässt nicht lange auf sich warten. Das alles behält er für sich. Und tut es damit seiner Frau Viivi gleich, die anstelle von Yoga-Klassen die Female-Empowerment-Workshops von Alexandra Horn-Eye aufsucht, in denen männliche Sklaven eine zentrale Rolle spielen. Allmählich kommt Bewegung in ihre Beziehung.
14
// Di // 21 Uhr // Queere Filmwoche / Kurzfilmprogramm:
BERLIN PORNFILMFEST 2019
6 EUR / 5 EUR ermäßigt
Kitzeln, Cola und Honig spielen eine wichtige Rolle in diesen Kurzfilmen, die verschiedene Fetische aufgreifen und hinterfragen.
Tickle Takedown!, 9’, USA von Shine Louise Houston
Cherry Cola, 6’, USA von Roxanne Drip
Honey and Glitter, 16’, D von Marit Östberg
Fisting Club, Ep.1, 11', D von Shu Lea Cheang
Foxy Strikes Back, 7’, USA von BEYONDEEP
RIOT NOT DIET, 17’, D von Julia Fuhr Mann
Tickle Takedown!, 9’, USA von Shine Louise Houston
Cherry Cola, 6’, USA von Roxanne Drip
Honey and Glitter, 16’, D von Marit Östberg
Fisting Club, Ep.1, 11', D von Shu Lea Cheang
Foxy Strikes Back, 7’, USA von BEYONDEEP
RIOT NOT DIET, 17’, D von Julia Fuhr Mann
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// Mi // 19 Uhr // Queere Filmwoche:
SEARCHING EVA (Dok, D 2019 von Pia Hellenthal, 84 min.,dt.,engl. & ital. OV mit engl. UT)
6 EUR / 5 EUR ermäßigt
Eva, 25, in Berlin lebende Italienerin, führt ein öffentliches Leben, mit allen Konsequenzen. Mit 14 Jahren gab sie sich einen neuen Namen und erklärte Privatsphäre zu einem überholten Konzept. Seither teilt sie ihr Leben bis ins intimste Detail mit aller Welt. Sie lebt vielfältige Identitäten: Katzenbesitzerin, Dichterin, Sexarbeiterin, Bisexuelle, Ex-Junkie, Feministin, Anarchistin, Model, Sternzeichen Jungfrau…
Erwachsen wurde sie im Internet, wo sie aus ihrer Selbstsuche ein öffentliches Spektakel machte. Das Leben für sie ist „so etwas wie ein Indie-Film“ - eine subjektive Konstruktion unter eigener Regie. Eva läuft bei Fashionshows in Paris, wird von Sugar Daddies in gutbürgerlichen Hotels massiert, nimmt Drogen, spielt mit ihrer Katze. Anstatt einem narrativen Faden zu folgen, kreist der Film um Themen, die Evas Leben von sich aus aufwerfen: Fragen nach Sexualität, Gender, Konzepten von Arbeit und fixer Identität.
Erwachsen wurde sie im Internet, wo sie aus ihrer Selbstsuche ein öffentliches Spektakel machte. Das Leben für sie ist „so etwas wie ein Indie-Film“ - eine subjektive Konstruktion unter eigener Regie. Eva läuft bei Fashionshows in Paris, wird von Sugar Daddies in gutbürgerlichen Hotels massiert, nimmt Drogen, spielt mit ihrer Katze. Anstatt einem narrativen Faden zu folgen, kreist der Film um Themen, die Evas Leben von sich aus aufwerfen: Fragen nach Sexualität, Gender, Konzepten von Arbeit und fixer Identität.
15
// Mi // 21 Uhr // Queere Filmwoche:
ALS WIR TANZTEN (SWE/ GEO/ F 2019 von Levan Akin, 110 min., OmdU)
6 EUR / 5 EUR ermäßigt
Merab ist Student an der Akademie des Georgischen Nationalballetts in Tiflis. Sein größter Traum ist es, professioneller Tänzer zu werden. Als Irakli neu in die Klasse kommt, sieht Merab in ihm zunächst einen ernstzunehmenden Rivalen auf den ersehnten Platz im Ensemble. Doch aus der Konkurrenz wird bald ein immer stärkeres Begehren. Im homophoben Umfeld der Schule, in der konservative Vorstellungen von Männlichkeit hochgehalten werden, wird von den beiden jedoch erwartet, dass sie ihre Liebe geheim halten.
Die eindringliche Inszenierung von Körperlichkeit avanciert zum dramaturgischen Brennpunkt. Dies passiert mittels großartiger Tanzsequenzen; Tänzen, in denen sich die innere Aufruhr des Protagonisten deutlich widerspiegelt und zu hoffnungsvollen und schlussendlich befreienden Ausdrucks- und Kommunikationsakten wird.
Die eindringliche Inszenierung von Körperlichkeit avanciert zum dramaturgischen Brennpunkt. Dies passiert mittels großartiger Tanzsequenzen; Tänzen, in denen sich die innere Aufruhr des Protagonisten deutlich widerspiegelt und zu hoffnungsvollen und schlussendlich befreienden Ausdrucks- und Kommunikationsakten wird.
16
// Do // 20 Uhr //
SOVIET SOVIET (it) & Dividing Lines (l.e.)
SOVIET SOVIET ist eine italienische Post-Punk Band, die sich bereits im Jahr 2008 gründete. Schon ein Jahr später begaben sie sich mit einer Handvoll selbst veröffentlichter Singles auf Tour, um ihre Visionen mit der Welt zu teilen. Insider wissen allerdings, es wäre fatal, sie schlicht als Post-Punk Band zu beschreiben. Durch verschiedene musikalische Einflüsse, z.B. aus Gothic Rock, Coldwave & Art-Punk kreieren Sie ihren eigenen frischen und raffinierten Sound.
DIVIDING LINES ist eine Formation von fünf Musikern aus Leipzig. Ihr Sound spiegelt die großen Momente von Post-Punk und Deathrock wider. Das Ergebnis eröffnet dem Hörer ein Refugium, in dem er seinen Gefühlen freien Lauf lassen und dem Alltag entfliehen kann.
DIVIDING LINES ist eine Formation von fünf Musikern aus Leipzig. Ihr Sound spiegelt die großen Momente von Post-Punk und Deathrock wider. Das Ergebnis eröffnet dem Hörer ein Refugium, in dem er seinen Gefühlen freien Lauf lassen und dem Alltag entfliehen kann.
17
// Fr // 20:30 Uhr
HELDENSTADT ANDERS - Der Festivalfilm (von Fred Kowasch & Paul Grünewald)
Heute zeigen wir den Film über das Heldenstadt Anders Festival im UT Connewitz. Vom 12.09 bis 14.09.2019 traten hier noch einmal 17 Undergroundbands der Achtzigerjahre aus Leipzig gemeinsam auf. 16 davon hatten seit Anfang der neunziger Jahre nicht mehr gespielt.
Das Festival war ein voller Erfolg. Alle drei Tage waren restlos ausverkauft. Es waren super Konzerte aus völlig unterschiedlichen Genres. Die Stimmung war ausgelassen, friedlich und irgendwie ganz besonders. Viele trafen sich seit Jahren zum ersten Mal wieder. Manche Freundschaft wurde wiederbelebt und auch so manches altes Kriegsbeil begraben.
Der Film zeigt neben Konzertausschnitten auch Interviews und Backstage-Impressionen. Aus vielen Stunden Videomaterial von insgesamt sechs Kameras, die im Einsatz waren, hat Fred Kowasch gemeinsam mit seinem Neffen diese Dokumentation geschnitten. Wir möchten gerne noch einmal die Festivaltage Revue passieren lassen. Und das geht ja bekanntlich am besten mit Bier und Popcorn. Alle die Lust haben, sind herzlich eingeladen.
T I C K E T S: sind noch bei Culton im Peterssteinweg erhältlich!
Das Festival war ein voller Erfolg. Alle drei Tage waren restlos ausverkauft. Es waren super Konzerte aus völlig unterschiedlichen Genres. Die Stimmung war ausgelassen, friedlich und irgendwie ganz besonders. Viele trafen sich seit Jahren zum ersten Mal wieder. Manche Freundschaft wurde wiederbelebt und auch so manches altes Kriegsbeil begraben.
Der Film zeigt neben Konzertausschnitten auch Interviews und Backstage-Impressionen. Aus vielen Stunden Videomaterial von insgesamt sechs Kameras, die im Einsatz waren, hat Fred Kowasch gemeinsam mit seinem Neffen diese Dokumentation geschnitten. Wir möchten gerne noch einmal die Festivaltage Revue passieren lassen. Und das geht ja bekanntlich am besten mit Bier und Popcorn. Alle die Lust haben, sind herzlich eingeladen.
T I C K E T S: sind noch bei Culton im Peterssteinweg erhältlich!
18
// Sa // 20 Uhr //
DELTAWELLE & ATLAS BIRD
Es ist 1979, du fährst im Auto deiner Eltern eine rissige Landstraße entlang und im Radio läuft Musik mit Texten von Zukunftsvisionen, Alltagsflucht und Hoffnung. Der neu aufgelegte Retrosound von DELTAWELLE versetzt dich in einen zeitlosen Raum, findet die richtigen Worte und Töne um die Spannung der ständigen Gegensätze, auch politischer, zu beschreiben. Ein Leipziger, ein Londoner und zwei Berliner bilden das in Berlin ansässige Indiequartett. Dass sich die Band nach einer graphischen Darstellung einer Hirnwelle benennt, hat etwas mit den Situationen zu tun, in denen viele Songs entstanden sind. „Viele Ideen kommen unerwartet aus dem Unterbewusstsein, auch kurz vor dem Schlaf,“ so der Frontsänger und Gründer der Band Franz Schneeweiß. Musikalisch bewegt sich die Band zwischen New Wave und Indie. Das Debutalbum "Kosmos kann" wurde im Herbst 2018 unter eigener Regie und unabhängig veröffentlicht.
Gerade arbeitet DELTAWELLE an einer neuen EP, die im Frühjahr 2020 erscheinen soll. Es wird nicht nur auf deutsch gesungen, soviel kann schon verraten werden. Das Konzert am 18.01.2020 im UT Connewitz wird einen kleinen Vorgeschmack der neuen Sphären geben.
Atlas Birds Songs entstehen aus fliegenden Gitarrenflächen, die so gar nicht nach Gitarrenband klingen wollen und einem kantigen, pulsierenden Post-Rock-Fundament - all das trägt den zentralen Gesang. Sie hauen so aus rohen Brocken großflächige Pop-Songs, die sie in gleichzeitig massiven und schwebenden Arrangements umsetzen.
T I C K E T S gibt es bei culton im Peterssteinweg 9 und online bei tixforgigs (bitly-Link unterm Bild).
Gerade arbeitet DELTAWELLE an einer neuen EP, die im Frühjahr 2020 erscheinen soll. Es wird nicht nur auf deutsch gesungen, soviel kann schon verraten werden. Das Konzert am 18.01.2020 im UT Connewitz wird einen kleinen Vorgeschmack der neuen Sphären geben.
Atlas Birds Songs entstehen aus fliegenden Gitarrenflächen, die so gar nicht nach Gitarrenband klingen wollen und einem kantigen, pulsierenden Post-Rock-Fundament - all das trägt den zentralen Gesang. Sie hauen so aus rohen Brocken großflächige Pop-Songs, die sie in gleichzeitig massiven und schwebenden Arrangements umsetzen.
T I C K E T S gibt es bei culton im Peterssteinweg 9 und online bei tixforgigs (bitly-Link unterm Bild).
20
// Mo // 20 Uhr //
SWANS - WHERE DOES A BODY END (Dok, CAN 2019, 124 Min., OmU von Marco Porsia)
Swans gilt als eine der radikalsten Bands der letzten 40 Jahre. Ihre Konzerte gleichen noch immer ekstatischen Ritualen. Gegründet 1982 als streitlustige Post-Punk-Band erregte Swans erste Aufmerksamkeit in der New Yorker No Wave-Szene, feierte während der Indie-Welle der 90er unerwarteten Mainstream-Erfolg, verursachte Chaos auf und jenseits der Bühne, erlebte Bandauflösung und Wiedervereinigung. Swans war immer eine Ansammlung von wechselnden Einzelperformern – mit einer einzigen Konstante: Sänger, Songwriter und Mastermind Michael Gira. Sein Lebensweg vom ‚Problemteenager‘ zum Enfant Terrible seiner Kunsthochschule, Alkoholiker und schließlich Familienmensch sind der rauen, progressiven Musik seiner Band eingeschrieben.
Filmemacher Marco Porsia hat Swans und Gira über fünf Jahre lang begleitet und beim Songschreiben, im Probenraum und auf Tour gefilmt. Er erhielt unbegrenzten Zugriff auf Giras Archiv mit hunderten Stunden von unveröffentlichten Videos und Tonaufnahmen. Neben Swans-Mitgliedern Jarboe und Thor Harris erklärten sich zahlreiche Wegbegleiter*innen und Fans wie Amanda Palmer, Blixa Bargeld und Thurston Moore für Interviews bereit. „SWANS – Where Does A Body End?“ ist eine musikalische Zeitreise, ein filmisches Tour-Tagebuch, ein epischer Konzertfilm. Vor allem aber ist es das Porträt eines besessenen Musikers, Michael Gira, der sein Leben radikal der Kunst gewidmet hat. „Michael ist kein furchtloser Mensch“, erklärt Bandkollege Harris, „aber er ist ein furchtloser Künstler.“
Filmemacher Marco Porsia hat Swans und Gira über fünf Jahre lang begleitet und beim Songschreiben, im Probenraum und auf Tour gefilmt. Er erhielt unbegrenzten Zugriff auf Giras Archiv mit hunderten Stunden von unveröffentlichten Videos und Tonaufnahmen. Neben Swans-Mitgliedern Jarboe und Thor Harris erklärten sich zahlreiche Wegbegleiter*innen und Fans wie Amanda Palmer, Blixa Bargeld und Thurston Moore für Interviews bereit. „SWANS – Where Does A Body End?“ ist eine musikalische Zeitreise, ein filmisches Tour-Tagebuch, ein epischer Konzertfilm. Vor allem aber ist es das Porträt eines besessenen Musikers, Michael Gira, der sein Leben radikal der Kunst gewidmet hat. „Michael ist kein furchtloser Mensch“, erklärt Bandkollege Harris, „aber er ist ein furchtloser Künstler.“
21
// Di // 20 Uhr //
SWANS - WHERE DOES A BODY END (Dok, CAN 2019, 124 Min., OmU von Marco Porsia)
Swans gilt als eine der radikalsten Bands der letzten 40 Jahre. Ihre Konzerte gleichen noch immer ekstatischen Ritualen. Gegründet 1982 als streitlustige Post-Punk-Band erregte Swans erste Aufmerksamkeit in der New Yorker No Wave-Szene, feierte während der Indie-Welle der 90er unerwarteten Mainstream-Erfolg, verursachte Chaos auf und jenseits der Bühne, erlebte Bandauflösung und Wiedervereinigung. Swans war immer eine Ansammlung von wechselnden Einzelperformern – mit einer einzigen Konstante: Sänger, Songwriter und Mastermind Michael Gira. Sein Lebensweg vom ‚Problemteenager‘ zum Enfant Terrible seiner Kunsthochschule, Alkoholiker und schließlich Familienmensch sind der rauen, progressiven Musik seiner Band eingeschrieben.
Filmemacher Marco Porsia hat Swans und Gira über fünf Jahre lang begleitet und beim Songschreiben, im Probenraum und auf Tour gefilmt. Er erhielt unbegrenzten Zugriff auf Giras Archiv mit hunderten Stunden von unveröffentlichten Videos und Tonaufnahmen. Neben Swans-Mitgliedern Jarboe und Thor Harris erklärten sich zahlreiche Wegbegleiter*innen und Fans wie Amanda Palmer, Blixa Bargeld und Thurston Moore für Interviews bereit. „SWANS – Where Does A Body End?“ ist eine musikalische Zeitreise, ein filmisches Tour-Tagebuch, ein epischer Konzertfilm. Vor allem aber ist es das Porträt eines besessenen Musikers, Michael Gira, der sein Leben radikal der Kunst gewidmet hat. „Michael ist kein furchtloser Mensch“, erklärt Bandkollege Harris, „aber er ist ein furchtloser Künstler.“
Filmemacher Marco Porsia hat Swans und Gira über fünf Jahre lang begleitet und beim Songschreiben, im Probenraum und auf Tour gefilmt. Er erhielt unbegrenzten Zugriff auf Giras Archiv mit hunderten Stunden von unveröffentlichten Videos und Tonaufnahmen. Neben Swans-Mitgliedern Jarboe und Thor Harris erklärten sich zahlreiche Wegbegleiter*innen und Fans wie Amanda Palmer, Blixa Bargeld und Thurston Moore für Interviews bereit. „SWANS – Where Does A Body End?“ ist eine musikalische Zeitreise, ein filmisches Tour-Tagebuch, ein epischer Konzertfilm. Vor allem aber ist es das Porträt eines besessenen Musikers, Michael Gira, der sein Leben radikal der Kunst gewidmet hat. „Michael ist kein furchtloser Mensch“, erklärt Bandkollege Harris, „aber er ist ein furchtloser Künstler.“
22
// Mi // 20 Uhr //
SWANS - WHERE DOES A BODY END (Dok, CAN 2019, 124 Min., OmU von Marco Porsia)
Swans gilt als eine der radikalsten Bands der letzten 40 Jahre. Ihre Konzerte gleichen noch immer ekstatischen Ritualen. Gegründet 1982 als streitlustige Post-Punk-Band erregte Swans erste Aufmerksamkeit in der New Yorker No Wave-Szene, feierte während der Indie-Welle der 90er unerwarteten Mainstream-Erfolg, verursachte Chaos auf und jenseits der Bühne, erlebte Bandauflösung und Wiedervereinigung. Swans war immer eine Ansammlung von wechselnden Einzelperformern – mit einer einzigen Konstante: Sänger, Songwriter und Mastermind Michael Gira. Sein Lebensweg vom ‚Problemteenager‘ zum Enfant Terrible seiner Kunsthochschule, Alkoholiker und schließlich Familienmensch sind der rauen, progressiven Musik seiner Band eingeschrieben.
Filmemacher Marco Porsia hat Swans und Gira über fünf Jahre lang begleitet und beim Songschreiben, im Probenraum und auf Tour gefilmt. Er erhielt unbegrenzten Zugriff auf Giras Archiv mit hunderten Stunden von unveröffentlichten Videos und Tonaufnahmen. Neben Swans-Mitgliedern Jarboe und Thor Harris erklärten sich zahlreiche Wegbegleiter*innen und Fans wie Amanda Palmer, Blixa Bargeld und Thurston Moore für Interviews bereit. „SWANS – Where Does A Body End?“ ist eine musikalische Zeitreise, ein filmisches Tour-Tagebuch, ein epischer Konzertfilm. Vor allem aber ist es das Porträt eines besessenen Musikers, Michael Gira, der sein Leben radikal der Kunst gewidmet hat. „Michael ist kein furchtloser Mensch“, erklärt Bandkollege Harris, „aber er ist ein furchtloser Künstler.“
Filmemacher Marco Porsia hat Swans und Gira über fünf Jahre lang begleitet und beim Songschreiben, im Probenraum und auf Tour gefilmt. Er erhielt unbegrenzten Zugriff auf Giras Archiv mit hunderten Stunden von unveröffentlichten Videos und Tonaufnahmen. Neben Swans-Mitgliedern Jarboe und Thor Harris erklärten sich zahlreiche Wegbegleiter*innen und Fans wie Amanda Palmer, Blixa Bargeld und Thurston Moore für Interviews bereit. „SWANS – Where Does A Body End?“ ist eine musikalische Zeitreise, ein filmisches Tour-Tagebuch, ein epischer Konzertfilm. Vor allem aber ist es das Porträt eines besessenen Musikers, Michael Gira, der sein Leben radikal der Kunst gewidmet hat. „Michael ist kein furchtloser Mensch“, erklärt Bandkollege Harris, „aber er ist ein furchtloser Künstler.“
23
// Do // 19:30 Uhr //
TABLAO FLAMENCO mit Laura la Risa, Manuel Reina, José Ramirez u.a.
Psst: Geheimtipp! Der Direktimport aus Sevilla! Flamenco puro mit Laura la Risa y Compañia!
Manuel Reina und Laura la Risa, beide seit vielen Jahren ein eingespieltes Tanzpaar, die virtuosen Gitarrenspieler Carlos el Canario und Zamna Urista, der unglaublich herzerwärmende Sänger José Ramirez, werden zusammen mit dem Percussionisten Tom Auffarth traditionelle und moderne Spielarten des Flamenco präsentieren und eine feurige Stimmung entfachen, die ansteckt....
zu den KünstlerInnen:
Laura la Risa ist Flamencotänzerin und Choreographin. Seit 1994 hat sie 15 Flamenco-Tanztheaterstücke konzipiert und inszeniert. 2002 gründet sie ihre eigene Tanzkompanie und den ersten gemeinnützigen Flamencoverein Deutschlands. Manuel Reina ist Flamencotänzer und tritt seit 1998 weltweit auf z.B. bei Paco Mora (Madrid), Curro Velez (Sevilla) und Yoko Komatsubara (Japan). José Ramírez arbeitet mit Künstlern wie Cristina Hoyos und Satu zusammen. Seine gefühlvolle und expressive Stimme, sein Compás und seine charismatische Präsenz machen ihn zu einem gefragten Sänger.
T I C K E T S: bekommt Ihr online bei tixforgigs.com (Linnk unter`m Bild) und bei CULTON im Peterssteinweg 9!
Manuel Reina und Laura la Risa, beide seit vielen Jahren ein eingespieltes Tanzpaar, die virtuosen Gitarrenspieler Carlos el Canario und Zamna Urista, der unglaublich herzerwärmende Sänger José Ramirez, werden zusammen mit dem Percussionisten Tom Auffarth traditionelle und moderne Spielarten des Flamenco präsentieren und eine feurige Stimmung entfachen, die ansteckt....
zu den KünstlerInnen:
Laura la Risa ist Flamencotänzerin und Choreographin. Seit 1994 hat sie 15 Flamenco-Tanztheaterstücke konzipiert und inszeniert. 2002 gründet sie ihre eigene Tanzkompanie und den ersten gemeinnützigen Flamencoverein Deutschlands. Manuel Reina ist Flamencotänzer und tritt seit 1998 weltweit auf z.B. bei Paco Mora (Madrid), Curro Velez (Sevilla) und Yoko Komatsubara (Japan). José Ramírez arbeitet mit Künstlern wie Cristina Hoyos und Satu zusammen. Seine gefühlvolle und expressive Stimme, sein Compás und seine charismatische Präsenz machen ihn zu einem gefragten Sänger.
T I C K E T S: bekommt Ihr online bei tixforgigs.com (Linnk unter`m Bild) und bei CULTON im Peterssteinweg 9!
24
// Fr // 20:30 Uhr // You Never Walk Alone:
OXO 86, MONA RELOADED + TOMY LOBO & THE TOURETTES
Die dritte Ausgabe von „You Never Walk Alone“ steht vor der Tür! Wie immer haben sich Tomy Lobo & The Tourettes Gäste eingeladen – und diesmal kommen mit Oxo 86 und Mona Reloaded zwei herausragende Vertreter der BernauerPunkRockLiga ins UT! Das verspricht ein fröhlicher Abend zu werden. Zuhause bleiben gilt nicht!
T I C K E T S: sind bei Culton im Peterssteinweg 9, online bei tixforgigs.com (bitly Link unter`m Bild) sowie im Buchladen neben dem UT Connewitz erhältlich!
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25
// Sa // 20 Uhr // 25 Jahre BigBand Night:
BLASWERK & BIG BAND NEUE MUSIK
9 EUR / 6 EUR ermäßigt
» https://www.blaswerk-leipzig.de
» https://www.neue-musik-leipzig.de
» https://bit.ly/35ahWya
25 Jahre - ein Vierteljahrhundert. Bereits so lange lädt das Blaswerk Leipzig zur alljährlichen "Big Band Night" und feiert so ein ganz besonderes, silbernes Jubiläum. Wie jedes Jahr wird ein vielseitiges Programm geboten, welches nicht nur in das Repertoire von Old-School Big Band und ikonischer Filmmusik entführt, sondern auch lateinamerikanische Rhythmen und All-Time Classics bereithält.
Gemeinsam mit der Big Band Neue Musik Leipzig - und natürlich euch - möchten wir die Bühne des altehrwürdigen UT Connewitz in musikalischen Glanz hüllen und diesen Abend mit fettem Big Band Sound und abschließenden Beats von Sergej Klang unvergesslich machen.
T I C K E T S: sind bei Culton im Peterssteinweg 9, online bei tixforgigs.com (bitly Link unter`m Bild) sowie im Buchladen neben dem Ut Connewitz erhältlich!
Gemeinsam mit der Big Band Neue Musik Leipzig - und natürlich euch - möchten wir die Bühne des altehrwürdigen UT Connewitz in musikalischen Glanz hüllen und diesen Abend mit fettem Big Band Sound und abschließenden Beats von Sergej Klang unvergesslich machen.
T I C K E T S: sind bei Culton im Peterssteinweg 9, online bei tixforgigs.com (bitly Link unter`m Bild) sowie im Buchladen neben dem Ut Connewitz erhältlich!
30
// Do // 20 Uhr //
KEVIN MORBY (us/ Dead Oceans) & Night Shop (us)
» www.kevinmorby.com
» https://youtu.be/ByAN7DdKaGw
» https://www.youtube.com/watch?v=tWBL_8MpMVo
» https://nightshop77.bandcamp.com
Mit seinen vier gefeierten Soloalben und unzähligen Platten versihiedener Zusammenarbeiten ist Kevin Morby zu einem wahren musikalisihen Autor geworden. Jetzt, mit der üppigen Doppel-LP „ h My God“,
liefert Kevin Morby einen grandiosen Direitor’s Cut seiner bisher größten Aussage ab, sowohl episih im Umfang als auih im Sound.
Im Jahr 2016 sihrieb er den Protest-Song „Beautful Strangers“ über die verheerenden Weltereignisse dieses Jahres, in den er mehrere „oh my god”s als Verzweifungssihreie einführte. Der Song wurde zu seinem bisher berühmtesten Werk, und der Satz zu einem Mantra für Morby und inspirierte ihn, den Ausruf konzeptonell in den Stoff eines ganzen Albums einzubinden. Er versuihte hervorzuheben, wie diese unsterbliihe Formulierung so viel von unserer Beziehung zum Heiligen und Profanen verkörpert – wie Religion überall um uns herum ist, immer, und dass wir durih einfaihes Äueern eines „ MG“ ihre
Allgegenwart und Fähigkeit etwas zu ertragen, anerkennen, während wir ihre Reichweite humanisieren.
Hat sich einer der besten Songwriter des Indie-Rock lange Zeit hinter den Drums versteckt? Angesichts der atemlosen und magnetischen Lead-Single "The One I Love" aus dem Debütalbum von Justin Sullivan, der den größten Teil eines Jahrzehnts damit verbracht hat, Kollegen wie Cassie Ramone und Kevin Morby zu unterstützen, liegt dieser Gedanke nahe. Erst vor zwei Jahren begann er eigene Songs zu schreiben, die er letztes Jahr als Night Shop veröffentlichte. Eine Entdeckung wert...
liefert Kevin Morby einen grandiosen Direitor’s Cut seiner bisher größten Aussage ab, sowohl episih im Umfang als auih im Sound.
Im Jahr 2016 sihrieb er den Protest-Song „Beautful Strangers“ über die verheerenden Weltereignisse dieses Jahres, in den er mehrere „oh my god”s als Verzweifungssihreie einführte. Der Song wurde zu seinem bisher berühmtesten Werk, und der Satz zu einem Mantra für Morby und inspirierte ihn, den Ausruf konzeptonell in den Stoff eines ganzen Albums einzubinden. Er versuihte hervorzuheben, wie diese unsterbliihe Formulierung so viel von unserer Beziehung zum Heiligen und Profanen verkörpert – wie Religion überall um uns herum ist, immer, und dass wir durih einfaihes Äueern eines „ MG“ ihre
Allgegenwart und Fähigkeit etwas zu ertragen, anerkennen, während wir ihre Reichweite humanisieren.
Hat sich einer der besten Songwriter des Indie-Rock lange Zeit hinter den Drums versteckt? Angesichts der atemlosen und magnetischen Lead-Single "The One I Love" aus dem Debütalbum von Justin Sullivan, der den größten Teil eines Jahrzehnts damit verbracht hat, Kollegen wie Cassie Ramone und Kevin Morby zu unterstützen, liegt dieser Gedanke nahe. Erst vor zwei Jahren begann er eigene Songs zu schreiben, die er letztes Jahr als Night Shop veröffentlichte. Eine Entdeckung wert...
31
// Fr // 20 Uhr // Annihilate Gathering:
Elephant Stone, Dollkraut & Flying Moon In Space
VVK: 18 (zzgl. Geb) EUR
» www.annihilate.eu
» https://dollkraut.bandcamp.com
» https://www.elephantstone.ca
» https://flyingmooninspace.bandcamp.com
» https://bit.ly/2YeGXFO
Genau wie im vorigen Jahr ist das UT Connewitz Austragungsort des Annihilate Gateherings - mit einem recht unkonventionellen Sound; einem Mix aus psychedelischer, waviger und teils technoider Musik. Trotz der Vielschichtigkeit des Programms lässt sich eine klare Linie erkennen. Sowohl musikalische Analogien zum letzten Gathering sind erkennbar, aber auch der Aufbau des Abends erzeugt einen stimmigen Spannungsbogen.
Die kanadische Band Elephant Stone um Rishi Dhir legt Wert auf ihren indischen Einfluss und inszeniert mit Hilfe von Sitar, Tabla und Dilruba modernen psychedelischen Rock.
Pascal Pinkert aka Dollkraut bringt zum dritten Mal sein Ensemble nach Leipzig. Der Niederländer steht für eine leidenschaftliche Symbiose aus Wave, Kraut und Post-Punk, ohne dabei einschlägige Überraschungsmomente zu vergessen.
Den Abend schließen die Leipzig-Locals von Flying Moon in Space - nicht wie gewohnt mit einen kraut- und psychedelic-getränkten Set der Spitzenklasse, sondern mit einem eher untypischen technoiden Auftritt, der stark an die frühen Föllakzoid erinnert.
T I C K E T S: bekommt Ihr onle bei tixforgigs.com! Folgt dem bitly-Link unter`m Bild
Die kanadische Band Elephant Stone um Rishi Dhir legt Wert auf ihren indischen Einfluss und inszeniert mit Hilfe von Sitar, Tabla und Dilruba modernen psychedelischen Rock.
Pascal Pinkert aka Dollkraut bringt zum dritten Mal sein Ensemble nach Leipzig. Der Niederländer steht für eine leidenschaftliche Symbiose aus Wave, Kraut und Post-Punk, ohne dabei einschlägige Überraschungsmomente zu vergessen.
Den Abend schließen die Leipzig-Locals von Flying Moon in Space - nicht wie gewohnt mit einen kraut- und psychedelic-getränkten Set der Spitzenklasse, sondern mit einem eher untypischen technoiden Auftritt, der stark an die frühen Föllakzoid erinnert.
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