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Das neue Martin Kohlstedt Album FLUR erschien im November 2020 auf Warner Classics. Im Sommer 2021 kommt er für ein besonderes Solo Piano Konzert in der beeindruckenden Kulisse des Panometers zurück nach Leipzig.

Martin Kohlstedt lebt und arbeitet in Weimar. Seine bisherigen Alben TAG, NACHT, STROM, STRÖME und deren Begleiter in Form von Reworks erhielten internationale Anerkennung und führten den Komponisten und Pianisten auf Konzertreisen in der ganzen Welt.

Kohlstedt bezeichnet seine Art des Arbeitens als modulares Komponieren, die Stücke sind ständig in Bewegung und folgen auch im Konzert keiner festgelegten Form. Improvisation ist zwingend Teil des Schaffens des 1988 geborenen Musikers, ebenso wie Augenhöhe mit dem Publikum, der Mut zu Scheitern und die Interaktion mit Raum, Menschen und Kontext.


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Das Konzert findet unter den zum Konzerttag aktuell geltenden Hygienemaßnahmen zur Vermeidung einer Corona-Infektion statt. Bitte informiert Euch im Vorfeld des Konzertes.
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Die Sommerbühne am Panometer ist ein Gemeinschaftsprojekt von UT Connewitz, Panometer Leipzig und WERK 2.
Mit Unterstützung von: Stadt Leipzig – Kulturamt, Stadt Leipzig - Amt für Wirtschaftsförderung, Neustart Kultur, Initiative für Musik und LiveKommbinat Leipzig e.V.

Am Anfang war das Gedicht: Janine Cathrein schrieb und schrieb, fasziniert von der Tatsache, Gefühle in Worte umzusetzen und so berühren zu können. Sie wäre wohl im Journalismus oder mit der Geige am Konservatorium gelandet, doch kam die Gitarre ins Spiel: Kaum angezupft, eröffnete sich ihr eine neue Welt. Fortan übte und komponierte die Zürcher Fahrradkurierin ununterbrochen, verband ihre Worte mit Klängen: der Ursprung von Black Sea Dahu.

Jener Name verbindet Cathreins Liebe zum Surfen mit dem Schweizer Fabelwesen Dahu, welches unterschiedlich lange Beine besitzt – ein sehnsüchtiges wie schräges Bild. Auf Reisen wurden die Songs vorgetragen und eine Band zusammengestellt, der auch ihre Geschwister angehören. In der Kombination ergibt das wunderbare, mehrstimmige Gesänge mit Cathreins dunkler, warmer Stimme als Markenzeichen, untermalt von Cello, Gitarre, Bass, Keys und Schlagwerk. Musik, die berührt, Kraft gibt und authentisch sowie spürbar ist, weil hier echte Menschen am Werk sind. Und unabhängig der Zukunftsaussichten wird klar: Am Ende bleibt die Musik.

White Creatures - das Debütalbum von Black Sea Dahu - ist genau die Art von Platte, die deine innere Architektur neu ordnet und die dich letztendlich die Welt und dich selbst in einem neuen Lichte betrachten lässt. Wenn du es zulässt. Drückt man auf Play, begibt man sich im Grunde auf die Suche nach einer Vision, betrachtet man eine Darstellung menschlicher Verfassung, gleich einem Röntgenbild, so wie Sängerin und Songwriterin Janine Cathrein sie erlebt.
Die gesamte Reise - denn danach fühlt es sich an - ist eine kiesige und staubige, aber reich orchestrierte und filmische Lesart urbaner Folk-Ästhetik. Die Arrangements, durchweg riesig, unterstützen und verstärken das sorgsam abgestimmte und emotional getränkte Songwriting - so wie man es eigentlich eher von Künstler_innen mit umfangreichem OEuvre erwarten würde. Black Sea Dahu dagegen startet gerade erst.

White Creatures sickert in die erwachende Wirklichkeit. Die festen, konzeptuellen Grenzen zwischen Stadt und Natur lösen sich völlig auf (sie waren nie wirklich da, um genau zu sein). Die Welt wird eins, wenn auch nur vorübergehend und als Versprechen. Zeit und Raum fallen in sich zusammen, Erinnerungen überlagern sich mit dem unerschöpflichen Strom des unersättlichen und mächtigen Jetzt. Die steinigen, bluesigen Elemente des Lebens - die Unzufriedenheit, die Einsamkeit, Kummer, die gelegentliche Taubheit des Geistes; was wir sonst als die hässliche Seite des Lebens betrachten - werden plötzlich sowohl kostbar als auch schön.

Zum Schluss noch einige Worte über Janine Cathrein selbst. Sie ist eine Dichterin in Klang und Wort, eine Visionärin, Homedelivery Disponentin und eine höllische Fahrradkurierin. Sie ist außerdem bekannt dafür, selbstgemachte Erdbeermarmelade und Chili-Öl gegen Gitarren-, Schlagzeug-, Tasten-, Bass- und Gesangsunterricht einzutauschen.

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Beide Bands verhandeln das Verhältnis von Individualität und Gemeinsamkeit innerhalb eines Moments, einer Komposition und eines Kollektivs auf verschiedene Weise. Geht es bei Die Unwucht eher darum, die Dissonanzen von Aushandlungsprozessen zu betonen, so versucht BREU einen gemeinschaftlichen Entfaltungsraum zu schaffen. Ein spannungsreicher Doppelkonzert-Abend in außergewöhnlicher Kulisse.

Die Unwucht feat. Achim Kaufmann: Eine Unwucht meint die unsymmetrische Massenverteilung eines rotierenden Körpers, in dem die Teile eines Ganzen ungleichmäßig gewichtet werden. Saxofonist Christopher Kunz und Schlagzeuger Florian Fischer sind in ihren musikalischen Gestaltungsprozessen auf der Suche nach genau diesen Zuständen des Aus-dem-Gleichgewicht-seins: In freien Improvisationen zwischen Klang und Nicht-Klang, zwischen Ganzen und Einzelnem, zwischen An-und Auseinandernehmen. Dabei spielen sie bewusst mit dem Ungleichgewicht, um letztlich in einen gleichberechtigten Dialog zu finden. Inspiriert von John Coltrane und Rashied Ali und deren Album »Interstellar Space« loten Die Unwucht auf ihrem Debütalbum »First Intake« (veröffentlicht im Mai 2021) mit Integrität und bedingungsloser Offenheit für den Moment ihre eigene Gestaltungskraft aus. Erstmals im Trio gemeinsam mit dem Pianisten Achim Kaufmann.

Christopher Kunz (sax), Achim Kaufmann (p), Florian Fischer (dr)

BREU: „Wenn aus unverwechselbaren Einzelstimmen etwas Gemeinsames entsteht, – nicht der kleinste gemeinsame Nenner, sondern der größtmögliche Entfaltungsraum für alle.“ So Schlagzeuger Maximilian Breu auf die Frage, wann eine Band eine Band sei. Das Aufeinandertreffen individueller und ausdrucksstarker Klangerzeugung und die Findung von neuen Ausdrucksweisen stehen im Mittelpunkt seiner Kompositionen. Mit seinem hochenergetischen und eigenwilligem Schlagzeugspiel begibt er sich zusammen mit seinen Bandkolleg*innen auch einmal auf Umwege hin zum Ziel gemeinsamer Musik, die sich stilistisch offen und unberechenbar zeigt: mal entwickelt sie sich organisch weiter, prescht indie-rockig voraus, hält inne oder brodelt untergründig. Bereits letztes Jahr überzeugte Breu mit seiner hochenergetisch spielenden jungen Formation Space Shuttle im Rahmen der Leipziger Jazztage 2020. Das Debütalbum von BREU wird in den nächsten Monaten veröffentlicht werden und am 4. August werden bereits einige der darauf erscheinenden Stücke zu hören sein.

Andreas Dombert (g), tba. (p), Andreas Lang (kb), Maximilian Breu (dr)


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Nach zahlreichen künstlerischen Zusammenarbeiten mit der italienischen Synthwave-Band Itaca, mit Holly Herndon sowie Kat Frankie hat Albertine Sarges eine neue Band zusammengestellt: Die Sticky Fingers. Das ebenso betitelte Album wurde im Januar bei Moshi Moshi Records in London veröffentlicht. Albertine wuchs im Post-Wende-Kreuzberg auf und spielte ihr Album in Neukölln ein - und von hier aus erstrecken sich ihre Themen über feministische Theorie, Bisexualität und Gender-Stereotypen bis hin zu mentaler Gesundheit. Diese Themen erkundet sie mit einem spielerischen und chamäleonartigen Antlitz: Von Viv-Albertine inspiriertem Post-Punk und kaleidoskopischem Dream-Pop zu rauen Gitarren und an Tune-Yards erinnernder Vokalakrobatik.

"Es gibt definitiv eine Bipolarität, sogar in den Liedern selbst", sagt sie. "Meine Musik kann unberechenbar sein, aber das ist einfach meine Natur! Sie hat ein Gefühl der Freiheit, das mein Publikum zu erreichen scheint. Es ist ein Ort ohne Angst. Ein Safe Space, dessen Gastgeberin zu sein ich unglaublich stolz bin."

Auch die Presse ist überzeugt: „Die Musik wirkt so schillernd und entrückt wie der exotische Tiefseefisch im Song »Fish«. Man denkt: B-52’s? Talking Heads? Funk-Bässe? Querflöte!? Die Themen der Berliner Künstlerin Albertine Sarges auf ihrem mit hinreißend verspulten Post-Punk-Tunes prall gefüllten Debüt sind aber gar nicht gestrig: Es geht um feministischen Aufbruch, vermittelt mit umwerfend fröhlicher Sesamstraßen-Chuzpe. Toll.“ Der Spiegel

Ilgen-Nur gilt als “die Nachwuchs-Songwriterin, auf die Indie-Deutschland lange gewartet hat“ (spiegel.de) und “eine der wichtigsten neuen Stimmen des Indie-Rock in Deutschland“ (Musikexpress) und reiht sich ein in eine Riege von Künstlerinnen, die sich gerade aufmacht, die Musik der nächsten Jahre zu prägen.
Die 25-Jährige, in Berlin lebende Ilgen-Nur Borali ist eine herausragende Songwriterin, Sängerin und Gitarristin. Schon auf ihrer ersten EP "No Emotions", die im Frühjahr 2017 auf Kassette (via Sunny Tapes) erschien, konnte man das hören: Songs wie „17“ und „Cool“ sind beiläufige, lässig daher gespielte Indiehits mit Unmengen an Ohrwurmpotential, die unaufgeregt Alltags- und Adoleszenzbeobachtungen aneinander reihen. Auf dem Debütalbum „Power Nap“ wurden die Gitarren noch ein bisschen fetter, die Arrangements ein bisschen ausgefeilter – aber alles in allem ist auch auf „Power Nap“ lässig zurückgelehnter Indierock mit 90er-Slacker Anleihen zu hören, der den internationalen Vergleich mit Künstlerinnen wie Snail Mail oder Courtney Barnett nicht scheuen muss.


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Nach der ausgefallenen Releasetour im Frühjahr 2020 bringt das Philipp Rumsch Ensemble die Musik von »µ: of anxiety x discernment« nun erstmals auf die Bühne. Begeisterte Besprechungen des Albums bei BBC, Electronic Sounds, NDR und Radioeins uvm., sowie internationale Aufmerksamkeit begleiteten den Release im April 2020.

Draußen, nachts im winternackten Wald – jeder Atemzug einer, der die Umgebung unerwartet laut aufwühlt. Lärmend peitscht gefrorener Matsch an die klappernde Fahrradkette, Reiher schrecken in den Wipfeln auf und auch ihr Flügelschlag nährt, was im Dunkel ausharrt und uns erwartet. Angst.

Diesem Gefühl unbestimmter innerer Enge widmet sich der 1994 geborene Pianist, Sound Designer und Komponist Philipp Rumsch auf seinem dritten Denovali-Release »µ: of anxiety x discernment«. Basierend auf Recherchen, Beobachtungen und selbstgeführten Interviews entwirft er mit seinem Ensemble ein multiperspektivisches Bild dieses Gefühlskomplexes. Rumsch möchte dabei fort vom individuellen Erleben der Angst hin zur kollektiven Wahrnehmung dieses Phänomens. Erscheint nicht gegenwärtig und angesichts einer wachsenden politischen-und kapitalistischen Ausschöpfung der Angst, jenes einsame Herzklopfen, ausgelöst vom Vielleicht-Verborgenen im finsteren Geäst, nahezu wie ein romantisches Relikt früherer Tage? Das Ensemble, gegründet ausgehend von der Idee, die Klangsprachen von Ambient, Minimal Music und Avant-pop in ein orchestrales Format zu übertragen, besteht aus Musiker*innen aus Leipzig, Berlin, Dresden und Weimar. Letztmals erlebten wir das Ensemble 2018 während der 43. Leipziger Jazztage anlässlich Rumschs Auszeichnung mit dem Leipziger Jazznachwuchspreis – ebenfalls im UT Connewitz. Atmosphärische Klangflächen, gemeinsame Klangimprovisationen jenseits klassischer Improvisationsstrukturen, gebettet in die fantastische Kulisse des UT’s, ließen uns berückt zurück. Herzklopfen? Natürlich! Aus Vorfreude auf neue Einsichten und neue Musik des Philipp Rumsch Ensembles.

Nach der ausgefallenen Releasetour im Frühjahr 2020 bringt das Philipp Rumsch Ensemble die Musik von »µ: of anxiety x discernment« nun erstmals auf die Bühne. Begeisterte Besprechungen des Albums bei BBC, Electronic Sounds, NDR und Radioeins uvm., sowie internationale Aufmerksamkeit begleiteten den Release im April 2020.


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Flying Moon in Space sind eine sechsköpfige Kombo, die aus dem Spirit der kaskadierenden Improvisation und des ausufernden Jams geboren wurde. Live mit vier Gitarren, Bass, Schlagzeug und Gesang vorgetragen resultiert dies in massiven Soundwänden, die von hypnotisch-motorischen Beats und einem ins Orchestrale gesteigerten Reverb überflutet werden. Dabei durchbrechen die Songs gerne mal die 60-Minuten-Marke. Nach u.a. allein 50 Shows in Leipzig und einigen Headliner-Touren durch Europa haben Flying Moon in Space nun mit dem Londoner "Fuzz Club" eines der momentan spannendsten und vielseitigsten Label gefunden, dessen Katalog sich auf alle Spielarten von Psychedelic Rock konzentriert. Im Dezember letzten Jahres veröffentlicht, ist die selbst betitelte LP eine sich ständig verändernde Verschmelzung aus treibendem Krautrock, klarem Psychedelic Pop und Techno-verpflichtenden Electronics.

Die musikalischen Referenzen, die Warm Graves aufrufen, reichen weit: Von der unterkühlten Stimmung der Cave Rock-Bands bis zum Bombast eines Arcade Fire-Songs oder der Weirdness der Flaming Lips. Warm Graves schaffen es, diese Komponenten stimmig zu kombinieren. Und das hat schon fast etwas Sekten/Chant-mäßiges – mit einem Beat, der bisweilen an die seligen NEU! erinnert. Die dreiköpfige Kombo versteht sich selbst als Sci-Fi-delic-Rockband, deren Mitglieder sich 2012 aus den U.S.A, Italien und Deutschland kommend in Leipzig zusammengefunden haben. Mit ihrem Debut “Ships Will Come” lieferten Warm Graves ein Konzeptalbum, das inhaltlich eng mit dystopischer Sciencefiction-Literatur verknüpft ist. Dabei vermag es die Band einen surrealen Kosmos zu erschaffen, dessen traumwandlerische Stimmung von treibend-repetitiver Rhythmik getragen wird, während ein aus der ferne schallender Chor die Rolle des Leadgesangs übernimmt.


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Kikagaku Moyo sind eine der wenigen Bands, die sich Psychedelia momentan auch vom Folk aus annähern. Seit ihren frühen Arbeiten - s.t. (2013)und Forest Of Lost Children (2014) - beleben sie sleepy Psych-Rock wieder - und zwar mit einer rudimentär-zarten Instrumentierung, u.a. durch zurückhaltende Percussion, durch Glocken und das Spiel von Kalkutta-trained Sitarspieler Ryu Kurosawa. Damit erzeugen sie softe, aber dennoch satte Drone-Strukturen. In jüngeren Releases treten neben die harmonischen Töne zusätzlich härte, eruptive Jam-Passagen. Nach eigenen Aussagen wirkt Musik hier tatsächlich noch auf die Psyche, im besten Falle als Befreiung von Körper und Geist. So bezeichnet der Bandname etwa geometrische Strukturen, die Schlagzeuger Go auf der Rückseite seiner Augenlider sah "after jamming all night long. I was totally in the “zone”, half awake and half asleep, but my hands were tapping the drums involuntarily."


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Wer DYSE noch nicht kennt, hat sich wohl in den vergangenen Jahren dann nicht mit den Genres Noise und Noise Rock beschäftigt. Die Beiden Wahlberliner Dietrich und van Gohl haben seit Beginn der Gründung 2003 die deutsche Szene mitgeprägt und sind still on Fire.  
Jetzt auch die langerwartete Ankündigung zum neuen Album, welches dann im September erscheint! Musikalisch wird es sicherlich wieder ein Kampf durch dicke Soundwände gepflastert mit der nötigen Stoner-Kante, dem Mörtel aus Progressiven Metal und die so typische ironische Verkleidung in Text und Live-Performance. Am 14. August nach langer Leipzig-Pause, dann zurück auf der Sommerbühne im Panometer. 


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