Die Band JAPANISCHE KAMPFHÖRSPIELE wurde gegründet, als ihr jetziger neuer Frontmann
Anselm Joel Brümmer-Aschenbeck gerade aufhörte, ins Bett zu machen. Das war vor 25
Jahren, Alter. Vor einem Vierteljahrhundert! Die spieltechnische Fitness der Band bewegt
sich dabei nicht bloß wieder auf Vorcoronaniveau, sondern hat dank Yoga, Pilates und dem
ganzen Scheiß ein vollkommen neues Level erreicht. Überzeugt euch am besten selbst davon!

Todschick gekleidet – was 2005 mit drei Menschen und rotzigem Punk in der brandenburgischen Provinz (Guben) begann, wuchs ab 2010 in Leipzig zu einer sechsköpfigen fast schon „Mehr-Generationen-Bigband“ heran, die ihre verschiedenen Einflüsse aus Punk, Hardcore, D-Beat, Thrash-Metal, Black-Metal und Progressive zu einer brachialen und treibenden Spielwut vereinen.
Doublebass-lastiges Schlagzeug, eingängige Gitarrensolis und ein Mixed-Couple-Geschrei, das mit stereotypen Stimmunterschieden bricht, prägen den Sound. Textlich geht es klar politisch gegen jede Form von Rassismus, Faschismus, Gewalt, Sexismus und Unterdrückung, aber auch um Kapitalismuskritik, den Klimawandel und die emotionale Auseinandersetzung mit den eigenen Dämonen.


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“I wanna hold her, wanna hold her tight, get teenage kicks right through the night” – die eindringliche Gitarre und die kratzige Stimme, mit der diese Worte durch den Lautsprecher dröhnen, stehen unverkennbar für die Band, die im Mai nächsten Jahres ihr 50-jähriges Bestehen feiern darf.

The Undertones haben nach fünf Dekaden Bandgeschichte zwar noch mehr Erfolgssongs und eine ansehnliche Diskografie vorzuweisen - der Klassiker „Teenange Kicks“ ist und bleibt aber der entscheidende Wegweiser in der Karriere der irischen Rockband. Direkt zu Beginn katapultierte der Song das Quintett auf die Überholspur. Der schon damals legendäre DJ und Radiomoderator John Peel spielte den Song gleich zweimal hintereinander in seiner populären Radioshow und verhalf The Undertones im Jahr 1978 zum großen Durchbruch – er soll den Song so bewegend gefunden haben, dass Teile davon seinen Grabstein zieren. Die große Aufmerksamkeit war somit schnell auf die Gruppe aus Derry gelenkt. Vier Alben und viele weitere bis heute relevante Hits sollten die nächsten Jahre prägen, bevor das Projekt mit dem Verlassen von Bandmitglied Feargal Sharke im Jahr 1983 vorerst auf Eis gelegt wurde. 16 Jahre später kamen die übrigen Mitglieder aber glücklicherweise wieder zusammen und läuteten mit dem neuen Sänger Paul McLoone das zweite Kapitel für The Undertones ein. Im Jahr 2003 folgte mit „Get What You Need“ das erste Album mit neuem Line-Up und seitdem wurden unter anderem diverse Reissues veröffentlicht, darunter auch vom selbstbetitelten Debütalbum „The Undertones“.

Mittlerweile blickt die Gruppe auf fast fünf durchaus turbulente Jahrzehnte zurück, in denen die Liebe zum Rock’n’Roll allerdings nie aus den Augen geraten ist. Im Mai nächsten Jahres legen The Untertones gleich neun Stopps in Deutschland ein, um ihr großes Jubiläum gemeinsam mit ihren Fans zu zelebrieren.

Präsentiert wird die Tour von Ox-Fanzine & livegigs.de, MINT und laut.de.


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Sangre de Muérdago ist seit 2007 aktiv und ist dabei stets einen ganz eigenen Weg gegangen, der für sich selbst spricht. Ihre Diskografie, die vollständig auf galizisch gesungen ist, umfasst inzwischen mehr als 15 Alben. Zuletzt erschien im Herbst 2025 „O xardín“.
Pablo Caamiña Ursusson leitet das Projekt seit dessen Gründung und kümmert sich um alles von der Komposition über das Management bis hin zur Veröffentlichung, wodurch eines der einzigartigsten Projekte und Werkreihen der internationalen Musikszene entstanden ist. Mit zahlreichen Tourneen in Europa, Nordamerika und Ostasien sowie ihrer umfangreichen Diskografie haben sich Sangre de Muérdago als Rara Avis in der internationalen Musikszene etabliert.

Das aktuelle Quartett besteht aus Pablo Caamiña, Georg Börner, Xoel López und Saúl Nogareda, mit einem Instrumentarium, das klassische Gitarre, Drehleier, Nyckelharpa, Cello, Klarinette, Spieluhr, traditionelle Percussion und Gesangsharmonien umfasst.
Für diese Band ist Folk keine Nostalgie, sondern eine lebendige Landschaft – wild, warm und unendlich nah am Herz.

“I am amazed, captivateed, enchanted. O Xardín is a landscape of the soul, it opens a secret part of ourselves.”- Manuel Rivas
“Unique in the world map.They’re intact.Give in to them.”-Rocking Magazine


PTOLEMEA wurde von Priscila Da Costa gegründet und startete 2018. Inzwischen bewegt sie sich sich weg vom Alternative-Rock der frühen Jahre und öffnet ihren Klangraum in Richtung introspektiver Dunkelheit und kontemplativer Schwere. Dicht geschichtete Gitarren, dezente elektronische Texturen und Da Costas markant-ruhige Stimme erzeugen eine fast tranceartige Spannung, die sich in Momenten eruptiver Intensität entlädt.


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Als Blackwater Holylight vor drei Jahren Portland verließen, war es ein bewusster Schritt weg vom grauen Norden und der trügerischen Sicherheit des Bekannten. In Los Angeles fanden sie einen Ort ohne Routinen, ohne eingespielte Netzwerke – aber mit Raum für Neues. In dieser Offenheit entstand ihr viertes Album Not Here Not Gone: ein Werk über Veränderung, Zwischenzustände und die Kraft, sich im Ungewissen neu zu verorten. Mit dichten Klanglandschaften und emotionaler Tiefe zeigt die Band sich entschlossener und zugleich verletzlicher denn je.

King Buffalo vereinen treibende Riffs und entspannten Groove. Psych, Blues und Stoner-Einflüsse kombiniert mit donnerndem Bass und Schlagzeug, die deutlich an den Heavy Rock der 70er erinnern.

Die Band gründete sich 2013, bestehend aus Sänger und Gitarrist Sean McVay, Bassist Dan Reynolds und Schlagzeuger Scott Donaldson und hat seitdem 4 EPs, 5 Studio-Alben, mehrere Live-Mitschnitte und Touren mit u.a. Clutch, All Them Witches und Elder in der Bandhistorie zu verbuchen. Für seinen Stil bietet das Trio gleich selbst eine Einordnung an: „Heavy Psychedelic“. Dabei sind die Vorbilder und Einflüsse gar nicht so eindeutig, laut Sean McVay unter anderem Rage Against the Machine, Radiohead, Pink Floyd, Sabbath, Hendrix.

Die stilistische Zusammenführung dieser Einflüsse verleiht dem Trio aus dem New Yorker Hinterland noch kein hervorzuhebendes Alleinstellungsmerkmal. Letzteres ergibt sich vor allem aus einer gewissen Eigenwilligkeit, mit welcher King Buffalo ihre ganz eigenen, sehr kompakten Soundgebilde kreieren. Perfekt die Balance zwischen Druck und Wärme austarierend. Ohne sich dabei allzu sehr in post-psychedelischen Klangwolken zu verlieren.

Fomies nehmen uns mit auf eine epische musikalische Reise durch seltsame Träume, sanfte Wiesen und wilde Bäche. Diese intensive Reise entfaltet sich auf einem Weg voller Fallstricke, getragen von einem kraftvollen und bezaubernden Fuzz, der Heavy Psych und Krautrock-Raserei miteinander verbindet. Ihre Musik, die sowohl immersiv als auch markerschütternd ist, lädt dazu ein, außergewöhnliche Klanglandschaften zu erkunden. Auf der Bühne zeichnet sich Fomies durch explosive und energiegeladene Auftritte aus. Ihre rohe Energie hat die renommiertesten Bühnen in Brand gesetzt, vom Bad Bonn Kilbi über das Relâche Festival bis hin zum legendären Montreux Jazz Festival.

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2026 feiern EF einen besonderen Meilenstein mit einer Tour: das 20-jährige Jubiläum von „Give Me Beauty… or Give Me Death!“
„Da es unser Erstlingswerk ist, wollten wir ihm die Liebe schenken, die es verdient. Wir wollten seinen 20. Geburtstag nicht nur mit einem Remastering feiern, und wir wollten die Songs auf keinen Fall zu modern und für die alten Fans unerkennbar machen. Wir wollten ihm einen strafferen, dramatischeren und bombastischeren Anstrich geben ... einen sanften Hauch des heutigen EF.“ (Niklas Åström)

Das ursprünglich 2006 veröffentlichte Album „Give Me Beauty… or Give Me Death!“ präsentierte EFs charakteristische Mischung aus cineastischen Gitarren, geduldiger Dynamik und schmerzender Melodie. Für diese Neuauflage kehrte die Band mit einer Cover-Illustration von Phillip Janta und dem brandneuen Bonustrack „Noll“ mit frischen Ohren und klaren Absichten zum Material zurück: mehr Raum in den Arrangements zu schaffen und die Melodielinien mit orchestralen Farben zu bereichern.

Diese Neuauflage ist eine überarbeitete und erweiterte Version, die sich bewusst mit dem Material auseinandersetzt, das den Stil von EF geprägt hat. Die Band kehrt mit dem Erfahrungsschatz von zwanzig Jahren zu diesen Songs zurück und präsentiert neue Arrangements, die die Zeit dehnen und die Erzählung vertiefen, während sie den Bogen von der Stille zur Katharsis beibehalten, der ihre Musik seit jeher auszeichnet.

Eine Band aus Schleswig-Holstein - mehr steht nicht auf der Instagram-Seite von Noor. Drei Leute, drei Instrumente und darunter der Turbostaat-Gitarrist Roland Santos. File under: melancholische Disharmonie - klingt also spannend. 


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Die in Pereira, Kolumbien, geborene Lucrecia Dalt hat sich mittlerweile einen festen Platz in der zeitgenössisch-experimentellen Musik erobert. Ihre berufliche Laufbahn - von der Bauingenieurin zur Klangkünstlerin - begann während ihrer Tätigkeit bei einem geotechnischen Unternehmen in Medellín, wo sie die computergestützte Musikproduktion entdeckte.

Auf RVNG Intl. veröffentlichte Dalt eine Trilogie – „Anticlines“ (2018), „No era sólida“ (2020) und „¡Ay!“ (2022) –, mit denen sie jeweils ihre Klangpalette und konzeptionelle Tiefe erweiterte. „¡Ay!“ fand besonders großen Anklang bei Kritikern und Hörern und wurde The Wire als Album des Jahres ausgezeichnet und in die Top Ten der Jahresend-Charts von Pitchfork, der New York Times und NPRs Jahresbestenliste gehievt. Während dieser Zeit wagte sich Dalt auch an die Filmmusik für das Fernsehen und komponierte die Originalmusik für die HBO-Serie „The Baby“ (2022) und kürzlich für den von Kritikern gefeierten Film „On Becoming a Guinea Fowl“ (2024) brachte damit ihr unverwechselbares Sounddesign in narrative Kontexte ein.

Jetzt kehrt Dalt mit „A Danger to Ourselves“ zurück, ihrem bisher persönlichsten und klanglich ambitioniertesten Werk. Während ihre früheren Alben charakterbasierte Erzählungen und Verstrickungen mit der Außenwelt thematisieren, wendet sich „A Danger to Ourselves“ entschieden nach innen. Das Album entstand aus fragmentarischen Notizen, die Dalt während Tourneen und in den Anfängen einer neuen Beziehung gekritzelt hatte – intime Gedanken, die in musikalische Kompositionen übersetzt wurden.

In enger Zusammenarbeit mit dem Perkussionisten Alex Lázaro schuf Dalt Stücke, die ihre Musikalität eher durch das Zusammenspiel von Basslinien, Beats und texturalen Details als durch konventionelle melodische Strukturen erzeugen. Songs wie „divina” bewegen sich fließend zwischen Spanisch und Englisch, durchzogen von elastischen Klanglandschaften und hypnotisierenden Soundcollagen, während „hasta el final” mit seinen direkteren Streicharrangements einen anderen Ansatz verfolgt. Auf dem gesamten Album geht Dalt über ihre früheren Lo-Fi-Ansätze hinaus
und strebt eine neue Klarheit an, in der sowohl Stimme als auch Instrument mit größerer Präsenz und Detailtreue zum Vorschein kommen.

Moritz Fasbender verschmilzt ihren klassischen Hintergrund am Flügel auf einzigartige Weise mit dem in der Klaviermusik noch unausgereizten Feld der Elektroakustik: Das Ergebnis ist eine radikale Collage besonderer Klänge, die eine verwobene musikalische Landschaft von außergewöhnlicher Schönheit schafft. Ihre Arbeit für unzählige Theater- und Rundfunkproduktionen sowie ihr Studium der elektroakustischen Komposition nahmen einen wesentlichen Einfluss auf die Klangsprache ihrer aktuellen Werke. Zwischen Klavier und Synthesizer, zwischen natürlichem und behauptetem Raum, zwischen Realität und imaginiertem Filmbild bewegt sich Fasbenders Musik jenseits des Konventionellen und bricht die Regeln der zeitgenössischen Klassik, der Neoklassik und des Jazz.

"Mit Fasbender hören wir einer Frau zu, die im Grenzstreifen zwischen Klassik und Elektronik neue Maßstäbe setzt, zwischen analogem Klang und virtuellem Raum schlafwandlerisch navigiert - zuletzt festgehalten auf ihrem Debut 13 RABBITS, erschienen als Split-Release bei Sonys XXIM Records und Edition Dur/Dusssmann. Sie arbeitet mit einer ganz spezifischen Aufmerksamkeit gegenüber Hallräumen und Störgeräuschen und setzt Elektronik ein wie ein Chefkoch seine Gewürze. Eine radikale und zugleich dunkle, nokturne Suite. Ein Filmscore für einsame Nächte.“ (Max Dax)


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Das Duo AFAR verbindet magnetische Präsenz, hypnotisierende Stimmen und außerirdisch anmutende Synthesizer zu einer Performance, die sowohl intim als auch gewaltig wirkt. Changing Rules ist Afars drittes Studioalbum – ein klangliches Manifest von Präsenz, Eruption und Widerstand. Psychedelischer Krautwave, umhüllt von analoger Wärme, rohen Gitarrenausbrüchen und maschinengetriebenen Pulsen. Eine romantische Revolte gegen den Lärm, für diejenigen, die sich noch immer nach dem Echten sehnen.

Rhythmische Beats, warme Synth-Texturen, Gitarrenlayers und eine Stimme aus Samt. elen in wavs bringt als Multiinstrumentalist*in und Produzent*in atmosphärische Eigenproduktionen live auf die Bühne und generiert damit einen organischen Flow zwischen sphärischen und pulsierenden Momenten. elen in wavs ist genrefluid und bewegt sich zwischen synthetischen und organischen Welten zwischen Ambient, Electronica und Contemporary RnB. Eigen bleiben ehrliche, introspektiven Texte und eine intime Atmosphäre, in der geschwebt, getanzt und geträumt werden darf.


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Heute verwandelt sich das UT Connewitz in einen pulsierenden Ballsaal: Die Reihe le dance präsentiert eine besondere Nacht zwischen südamerikanischen Clubsounds, basslastiger Elektronik und ekstatischen Tanzrythmen. Anlass für le dance ist das peruanische Duo Dengue Dengue Dengue. Die beiden Produzenten aus Lima stehen für einen einzigartigen Sound zwischen tropischem Bass, psychedelischer Cumbia und elektronischen Clubrhythmen. Mit ihren markanten Masken und hypnotischen Live-Sets verbinden sie Einflüsse aus Lateinamerika, Afrika und der Karibik zu einem intensiven, körperlichen Erlebnis auf dem Dancefloor.

Unterstützung kommt von Beaks, die mit ihrem energiegeladenen Mix aus UK-inspirierten Basslines, Breakbeats und cluborientierter Elektronik für maximale Bewegung sorgen. Ihr Sound bewegt sich zwischen düsteren Atmosphären und treibender Rhythmik – perfekt für die späten Stunden.

Das Beat ist der perfekte I-Punkt und beendet den Abend mit einem vielseitigen, tanzbaren Set zwischen House, Global Sounds und Club-Edits.

ENGIN sind zurück – das deutsch-türkische Indie-Phänomen geht 2026 mit seinem neuen Album Sag Mir Almanya auf Tour und bringt seinen unverwechselbaren Sound aus treibenden Rhythmen, anatolischen Psychedelic-Vibes und deutschem Indie auf die Bühnen Europas.
Nach zahlreichen ausverkauften Clubshows in Deutschland und der Türkei schlägt die Band nun ein neues Kapitel auf: Auf ihrer bislang größten internationalen Tour erobern ENGIN größere Clubbühnen in ganz Europa. Mit dabei sind mehrsprachige Songs, die Brücken schlagen, Menschen verbinden und jeden zum Tanzen bringen – egal ob in Berlin, Amsterdam, Istanbul, Wien oder Erfurt.

Live entfalten ENGIN ihre volle Wucht: eine mitreißende Performance, die an die rohe Spielfreude und Originalität großer Acts der 70er erinnert, dabei aber einen frischen, zeitgenössischen Vibe versprüht und eine klare Haltung transportiert. Ihr Sound schafft mühelos den Spagat zwischen Nostalgie und Jetztzeit und öffnet Räume für Begegnung, Energie und Gemeinschaft.


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Präsentiert von ORIS, UNTOLDENCY & DIFFUS

Für heute wurde der Fluxkompensator absolut fachgerecht bedient – der Motown-Sound aus Detroit und der Northern Soul aus England haben ihre Zeitreise unbeschadet überstanden und werden von der gegenwärtig wohl besten europäischen Soul-Band zeitgemäß auf unsere Bühne katapultiert. Principles of Joy aus der Nähe von Paris sind aktuell die heißeste Soul-Band Europas. Ihr innovativer Funk-Ansatz verschmilzt den unwiderstehlichen Groove verschiedener Soul-Spielarten mit gelegentlichen Abstechern ins Psychedelische. Unter der Leitung von Soul-Sister Rachel Yarabou sind die 6 Musiker:innen eine phänomenale Liveband, die manche:n an die legendäre Sharon Jones und ihre Dap Kings denken lässt.
Principles of Joy gibt es erst seit knapp 10 Jahren - bestehend aus Originalmitgliedern der Q-Sounds-Musikercrew und neu Dazugestoßenen. Geleitet werden sie von Keyboard- und Flötenspieler Ludovic Bors, gleichzeitig Mitbegründer des Labels.
Teile aus ihrer Diskografie - bestehend aus einer 7inch (2018) und 4 Alben - werden regelmäßig in wichtigen Radiosendungen wie der Craig Charles Funk & Soul Show auf BBC6, Radio Krimi, FIP (French National Network) und vielen anderen Soul-Sendungen auf der ganzen Welt gespielt.

Als Nomaden, deren Wurzeln sowohl im Tschechischen als auch in den Straßen Nashvilles liegen, verbinden Frankie & The Deadbeats Alt-Country mit düsterem Americana. Geschichten, die sich in ihre Seelen eingebrannt haben wie die Falten in ihren Gesichtern, werden mithilfe düsterer Songs an die Zuhörer weitergegeben, die sie in ihr Herz schließen und nie wieder loslassen werden.

Die Band trat erstmals 2021 mit ihrem Debütalbum „The Shining“ in Erscheinung. Genau zwei Jahre später veröffentlichten sie ihr zweites Album mit dem Titel „The Possibility That Love Is Not Enough“. Durch den Einsatz u.a. von Banjo, Trompete, Klavier und den unverkennbaren Sound der pedal-steel-guitar erweitern sie ihre Interpretation von Country-Musik stetig.
Nördlich des Erzgebirges dürfte diese Band völlig unbekannt sein, in Tschechien und im Country-Homeland nach zwei US-Touren sieht das völlig anders aus.


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