Maeckes hat ein neues Album gemacht. „POOL” ist sein Of-Age-Moment: Die elf Songs handeln von der Liebe, von der trügerischen Kraft der Gewissheit und vom Ankommen, das nie kommen wird. Anfang 2022 geht es mit dem neuen Album dann auch auf dazugehörige Tour.
Maeckes ist einer der prägenden Liedermacher und Musikneudenker unserer Zeit. Seit mehr als 15 Jahren schreibt er Songs wie niemand sonst in diesem Land. Maeckes Musik ist mal abgründig und mal albern, mal mega-meta und mal von ganz und gar entwaffnender Verletzlichkeit. Meistens ist sie all das zur selben Zeit.

Nach „KIDS“ von 2010 und „TILT“ von 2016 erscheint mit „POOL” nun Maeckes drittes Album. Jedes der drei Alben repräsentiert eine Phase im Leben des Markus Winter. „POOL” steht in dieser Reihe für das Ankommen, auch in musikalischer Hinsicht. Die Melodien sind ausformulierter, die Worte klarer, der Vibe zärtlicher, versöhnlicher als je zuvor bei Maeckes. Es ist, in radikaler Konsequenz, ein Pool an Liedern. Es gibt einen roten Faden, aber nur im Subtext. Von den alten Franzosen über Yacht Pop und Punkrock bis hin zu 808 und gebrochenen Herzen, Maeckes vereint all diese unterschiedlichen Ästhetiken auf einem Album. Im Frühjahr 2022 gibt’s das Werk dann gemeinsam mit den Katastrophen auch endlich live!


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Vier Jahre nach seinem gefeierten zweiten Album "Aforger" kehrt der Brite Douglas Dare zurück ins Rampenlicht mit seinem neues dritten Album "Milkteeth", das am 21. Februar 2020 auf Erased Tapes erscheint.

Marking his arrival in 2014 with the release of his acclaimed debut Whelm and establishing his musical dexterity on the much darker follow up Aforger in 2016, Dare’s star keeps growing. In 2017 he was asked to contribute a re-interpretation of Dance Me to the End of Love to the Leonard Cohen exhibition A Crack in Everything at the Contemporary Art Museum of Montréal, currently showing at The Jewish Museum in New York before opening at the Contemporary Jewish Museum in San Francisco in September 2020. He was invited by Robert Smith to perform at his Meltdown Festival at the Southbank Centre in 2018, followed by the David Lynch-curated Manchester International Festival alongside Anna Calvi in 2019.

Dare’s music speaks of his own experiences of universal themes like love, loss, and childhood. Perhaps most importantly, his music gives a voice and a sanctuary to anyone who’s ever felt unusual or out of place. Whether he’s singing of the pain of those in the Magdalene Laundries as on Whelm, describing coming out to his parents on Aforger, or processing his own childhood isolation on Milkteeth, Dare has a graceful honesty and an abiding clarity of vision in his simple and distinctive sound.


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Unglaubliche zehn Jahre sind seit der Veröffentlichung von Einar Strays viel gelobten Debütalbum "Chiaroscuro" vergangen! Dieses Jubiläum wird nun zum Anlass genommen, endlich wieder auf Tour zu gehen - auch die Geigerin Hanna Furuseth kehrt dafür ins Line-Up zurück.

"Ich kann immer noch nicht ganz begreifen, wie wir es geschafft haben, dieses Album zu machen. Nur 20 Jahre alt. Wir hatten keine Ahnung. Ich schätze, die Naivität hat das Ganze erst möglich gemacht." meint Frontmann Einar Stray. Seitdem hat die norwegische Band ihren Ausdruck geschärft. Nach zwei zwei weiteren, von der Kritik gefeierten Alben, zwei EPs, 300 Konzerten in Europa und Asien und Deutschland und Großbritannien ist das Kollektiv zu einem der erfahrensten und verspieltesten Acts Norwegens geworden.


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Die derzeit in London lebende Dana Gavanski ist eine serbisch-kanadische Musikerin. “Yesterday Is Gone" heißt das im März erscheinende Debütalbum von Dana, welchem die Singles "One By One" und das von BBC 6 Music top gelisteten „Catch" vorausgegangen sind. Das Album wurde von Dana, dem in Toronto lebenden Musiker Sam Gleason und Mike Lindsay (Tunng und LUMP mit Laura Marling) co-produziert.

Während Sam ihr dabei half die richtigen Melodien herauszuholen, markierte der Input von Mike den Beginn der Entwicklung von Danas eigenem Sound. Gemeinsam reduzierten sie die Songs auf das Wesentliche, beließen sie puristisch — sie sollten möglichst für sich selbst sprechen. Das Album veränderte sich fortan, während es durch die Hände von Dana, Sam und Mike ging; es wurde geformt von ihren unterschiedlichen Geschmäckern, Gefühlen und Visionen. Und als Dana begann, die Songs mit Band zu performen, fanden sie wieder eine neue Form. Denn ihre Faszination gilt Künstlern wie David Bowie und Aldous Harding, die auf der Bühne verschiedene Persönlichkeiten ausleben und sich auch körperlich von ihrer Musik leiten lassen. „Yesterday Is Gone“ ist gleichsam Trennungsalbum, Projekt der Neugier und, wie Dana es ausdrückt, "eine Abrechnung mit mir selbst“. Ein Album der Sehnsucht und Hingabe, das sich aus dem Lernen über sich selbst ergibt: Grenzen überschreiten, hart fallen und wieder aufstehen. Musikalisch heißt das: Momente der Verführung zersplittern vor einer Kulisse aus zart ausgewählten Gitarren-, Bass-, Synthesizer- und Pop-Elementen, die zusammen ihre eigene Klangwand erzeugen. Jede Komponente ist sorgfältig platziert und liefert eine zutiefst aufrichtige Antwort auf das Chaos menschlicher Emotionen.


T I C K E T S: gibt`s online bie tixforgigs! Folgt dem Link unter dem Bild.

With more than 600 shows all around the world, with appearances in the most prestigious festivals of extreme music (Hellfest, Roskilde, Copenhell, SummerBreeze, Brutal Assault, Roadburn, Psycho Las Vegas, ...), 1 EP and 5 albums, CELESTE has succeeded in creating its own musical atmosphere, and is today considered as one of the most important band of the "French Avant-Garde Black-Metal" scene
"This band has become one of the defining groups of their generation. Cult favorites for a notoriously picky group of fans, it's easy to see why CELESTE are viewed as some of the best out there right now" Metal Injection. For 15 years, the French metal band has produced an hybrid music, rich in influences, as difficult to define, as it is easy to recognize. Cleverly mixing black metal, post-metal, and hardcore sounds, CELESTE has created a music as singular as it is violent, oppressive, and dark.

After their EP, Pessimiste(s) released in 2006, the band’s first album was released in 2007 with Nihiliste(s). CELESTE continues to sink into an ever more intense darkness with Misanthrope(s) (2009), then Morte(s) Née(s) (2010) which comes to close the evolution of the creative process to the extreme limit.
"Pessimists, nihilists, misanthropes and deadborns: the history of CELESTE is just as it sounds: negative, gloomy and destructive. » Metal Hammer

In 2013, CELESTE returns with a double album Animale(s). 69 minutes of unhealthy music, pushing the musical universe of the French metal band to its peak. Listed as part of the best metal albums of 2013 by the international music press, such as Pitchfork, Metalhammer or Metal Sucks, Animale(s) consolidate the position of CELESTE among the pillars of the French extreme metal scene."Hopefully, their status as one of the most under-recognized hardcore/metal hybrids will soon come to an end." Pitchfork
In 2017, after several tours, the band returns to the composition and record Infidèle(s), the fifth album. This new opus reveals new shades of darkness to the band's fans and allows CELESTE to conquer an ever-growing audience.
"It’s almost certainly the best black metal record I’ve heard this year" MetalSucks
If the band is recognized for its musical work, it is also famous for the apocalyptic and suffocating experience of its shows, where the audience plunged into a complete darkness and a thick smoke, has only strobe flashes and red beams of the headlamps carried by the 4 musicians to keep their landmark.
"Once you experience the black hole that is CELESTE's insane live performance, there's no going back." Metal Injection

After joining the label NUCLEAR BLAST, CELESTE will release a new album in 2022, recorded and mixed by Chris Edrich (Gojira, The Ocean, Leprous, Tesseract) and will go on an international tour to spread the darkness of its music.


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Ersatztermin // ursprünglich geplant für 30.04.21 - dafür gekaufte Karten sind weiterhin gültig und müssen nicht umgetauscht werden.

(...) Was tun, wenn man als Band einen wirklich unverwechselbaren und unverkennbaren signature sound entwickelt hat, das einmal erreichte Niveau halten, sich aber nicht wiederholen will? Die Lösung heißt Haltung und meint Arbeit. Arbeit im Studio. Beharren. Verwerfen. Arbeiten an Feinheiten. Präzision. Sorgfältiges Arrangieren. Experimentelle Orchestrierung bei begrenztem Instrumentarium. Vielleicht mal Gesang? Vielleicht eine von Mike Patton gesungene Version eines Warlock-Songs? Ein radikaler Stilwechsel ist mit Bohren – soll man sagen: zum Glück? - nicht zu machen.

Was schließlich veröffentlicht wird, muss dem Trio im hochsensiblen Bereich zwingend erscheinen. Mit „Bohren goes Country“ oder „Bohren plays 20 Jazz-Funk-Greats“ ist folglich nicht zu rechnen. Gucken wir mal! Etwas mehr als fünf Jahre nach „Piano Nights“ und etwas mehr als 11 Jahre nach „Dolores“ veröffentlichen Bohren & Der Club of Gore ihr nunmehr achtes Studioalbum. Es trägt den ambivalent-verführerischen Titel „Patchouli Blue“ und enthält für die Band ungewöhnlich viele, nämlich 11 Tracks.

Die Spieldauer dieser 11 Tracks hält sich dagegen im üblichen Rahmen einer guten Stunde, was natürlich auch impliziert, dass der spezifische Bohren-Vibe einer Auskostung von erhabener Langsamkeit innerhalb kürzerer Zeit etabliert werden muss, um seine ganze Schönheit zu entfalten. Alles wie gehabt also? Eher die Fortschreibung des über Jahrzehnte erarbeitete Level an Verbindlichkeit, das Nuancen produktiv zu machen versteht. (...)
Je nach Temperament des Zuhörers braucht es vielleicht zweimal vier Töne oder vielleicht doch noch zweieinhalb Minuten, um zu signalisieren: Du befindest dich auf Bohren-Terrain, rechne ab jetzt mit allem! Aber schon der Einsatz der Orgel ist schlicht zum in die Knie gehen, und das Saxophon lenkt dann die behutsam entwickelte Spannung in eine Landschaft, in der man eine Begegnung mit Jan Garbarek nicht mehr ausschließen mag. Es folgen immer weitere Überraschungen. Nicht zu rechnen ist zum Beispiel mit einem echten Hit wie „Deine Kusine“, der geradezu strahlt vor Lichtheit. Oder, gleich darauf, „Vergessen und vorbei“, der mit Rhythmusmaschine und analogem Synthesizer wie der Soundtrack zu dem John Carpenter-Film klingt, den der zu drehen vergessen hat. Oder die ironisch-unironischen Jazz-Referenzen von „Sollen es doch alle wissen“. Oder diese präzise hindrapierte Melancholie von „Tief gesunken“.

Fragt man die Band, dann eignet „Patchouli Blue“ das Mischungsverhältnis: Vier Teile „Bohren klassisch“, drei Teile „Seltsam“ und vier Teile „Jazz-Schleicher“. (...) Toll auch, sich von den Titeln her das Album als eine Schlagerplatte vorzustellen. Die eine Hälfte „heile Welt“, die andere Hälfte „Abgrund“. Das eine nicht zu haben ohne das andere. Und dazwischen dann der Titeltrack „Patchouli Blue“. Noch nie hatte Bohren einen Titeltrack! Und dieser weist zurück in die Indienläden der 1970er Jahre mit ihren schweren Düften. Wozu dann die ganzen
Moog-Synthies ganz gut passen, die mal im Hintergrund, mal im Vordergrund wesen. Man sieht: die 11 Klangskulpturen, die Bohren in harter und disziplinierter Arbeit gewissenhaft von jeder überflüssigen Schlacke befreit haben, bieten reichlich Stoff für akustische Entdeckungsfahrten. Jetzt gilt es indes, die Stücke für anstehende Live-Performances zu proben, damit sie auch im Club diese Dichte, Intensität und das Zwingende haben, das ihnen im Studio abgerungen wurde. Denn eines ist mal klar, „Horror-Jazz“ hin oder her, Bohren ist die muckende Jazz-Attitüde des „heute so, morgen so“ wesensfremd. Hier gilt: SO MUSS DAS SEIN. So melancholisch Bohren auch klingen, die Haltung dahinter darf man durchaus als kämpferisch bezeichnen. (Ulrich Kriest, November 2019)

...nähere Infos folgen.

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