Es ist der Tanz auf mehreren Hochzeiten, den Jonathan Bree aus Neuseeland perfekt beherrscht. Ganz gleich ob Komponist, Multiinstrumentalist, Produzent oder Label-Chef von Lil‘ Chief Records. Nicht zu vergessen seine unübersehbaren Fähigkeiten als Verwandlungskünstler. Alles beginnt mit neun Jahren als er nur noch Augen für „Rebecca“ hat und zu ihren Ehren seinen ersten gleichlautenden Song schreibt. Mit 12 spielt er unter 20jährigen Bandkollegen Schlagzeug in der Band „The Plaster Saints“. Nach einer ersten erzwungenen Auszeit in Australien kehrt er nach Auckland zurück und gründet seine erste eigene Band „The Brunettes“. Vier Alben, vier E.P.s und einen Vertrag beim Nirvana-Label „Sub Pop“ später, nehmen „The Brunettes“ ein unbestimmtes Ende, was vielen Fans, insbesondere in Neuseeland, Tränen in die Augen treibt und doch noch ein Fünkchen Hoffnung lässt.

Auf „Sleepwalking“, dem gerade erschienen, dritten Solo-Album verwebt Bree seinen unverwechselbaren Bariton, üppige Streicher, Hörner, Chöre mit einem Kammerpop, der an gute alte Zeiten erinnert. Ein gezupftes Cello, eine minimale Bass-Line und ein repetitives Schlagzeugmuster bilden Brees Markenzeichen, auch und insbesondere bei der Vorab-Single „You’re So Cool“, die vom New Yorker Time Out Magazin zum Musikvideo des Jahres 2017 gekürt wurde. Mit „Sleepwalking“ blickt Bree in Richtung 60er Jahre Lounge, Exotica und französischen Pop. Als bekennender Workaholic und sozialer Einsiedler verbringt Bree seine Tage (und Nächte) im schäbigen Heimbüro und versucht sein Plattenlabel zu leiten, während er gleichzeitig Alben für Künstler wie Princess Chelsea produziert, in viralen Musikvideos für Duette über das Rauchen („Cigarette Duet") auftritt und dann noch die Zeit findet, sein eigenes Material aufzunehmen. Und manchmal schläft er sogar. Aber nur manchmal.

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Anlässlich der Veröffentlichung der Dreifach-LP-Box „Heldenstadt Anders“ mit 39 der wichtigsten Underground- Bands der Leipziger DDR- Szene findet im UT Connewitz vom das 3-tägige Record-Release-Festival statt.
Siebzehn eigentlich längst aufgelöste Bands, welche alle miteinander zur „Creme de la Creme“ der Undergroundszene Leipzigs in den Achtzigerjahren gehörten, werden auftreten. Ein einmaliges Event, welches es in dieser Form nicht noch einmal geben wird. Musikalisch wird für alle etwas dabei sein. Von bestem Leipziger Punk, krachendem Noise, EBM, Metal bis hin zu poppigen Tönen.

Bereits am Donnerstag knallen die Korken. Beginnen wird „HerT.Z.“ um den Maler und Künstler Toni Zekl. 1984 gegründet sorgten sie mit ihren elektronischen Sounds und hämmernden Schlagzeugrhythmen für ein völlig neues Klangbild und holten damit viele junge und nachwachsende Jugendliche auf ihrer Suche nach neuer Musik ab.
Es folgt „Kulturwille“. Die Band um den Künstler Roger Troks wurde 1986 ins Leben gerufen. Kombiniert wurden lyrische, tiefgehende Texte mit Punk-Musik.
„Mad Affaire“ sind die dritte Band des Abends. In der Leipziger „All Star Band“ um Andre Friedrich (ex „Die Art“ & „Die Zucht“) gaben sich heutige Musikgrößen wie Michael „Hatz“ Hohloch (heute „Corvus Corax“) oder Uwe „Rotz“ Plociennik (ex „Wutanfall“, heute „Buddy in Concert“) die Klinke in die Hand.
„Die Zucht“ werden den Abend abschließen. Die legendäre Vorgängerband von „Die Art“ tritt erstmalig seit 34 Jahren auf. Und das natürlich in Originalbesetzung! Ein absolutes Highlight des Festivals.



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Anlässlich der Veröffentlichung der Dreifach-LP-Box „Heldenstadt Anders“ mit 39 der wichtigsten Underground- Bands der Leipziger DDR- Szene findet im UT Connewitz vom das 3-tägige Record-Release-Festival statt. Der Freitag steht im Zeichen des absoluten Undergrounds.
„The Huck“ werden den Abend eröffnen. Ursprünglich 1983 im Leipziger Stadtteil Meusdorf als Schülerband gegründet waren deren Musiker später in Musikprojekte wie „Confused Trial“ oder den „Schwarzen Kanal“ involviert.

Es folgen „0815“. Zwar spielte die Band von 1982 – 1986 nur wenige Auftritte, ihre eigenwilligen Songkompositionen finden sich aber bis heute auf diversen Samplern wieder und erfreuen sich großer Beliebtheit.

„Gelee Royal“ sind der dritte Act des Abends. Sie gehörten zu den wenigen Leipziger Bands, die spielend den Spagat zwischen totalem Underground, dem legendären „Mockauer Keller“ und öffentlichen Konzerten der „IG Rock“ schafften. Legendär sind bis heute die Auftritte der „Dilettanten“. Ob in einer Gartenkneipe oder nach der Wende als Vorband der „Straßenjungs“ brachte die Band nicht nur gute Musik, sondern auch stets Party in den Saal. Da Andre Kobe auch der Gitarrist der spektakulären Zwei-Mann-Combo „Karl-Heinz“ war, werden die „Dilettanten“ in ihrem Programm ebenfalls Songs von diesem Projekt spielen.

Natürlich darf bei keiner Veranstaltung dieser Art „Der Schwarze Kanal“ fehlen. Hervorgegangen 1989 aus der Asche von „L’Attentat“ sind sie die einzige Gruppe des Festivals, welche bis heute gelegentlich auftritt. Bei den Montagsdemonstrationen und den Hausbesetzungen in Connewitz 1989/90 waren die Songs des „Kanals“ der Soundtrack des Straßenkampfs. Somit gehören sie bis heute zu den einflussreichsten Undergroundbands der Leipziger Szene.

Den Abschluss des Abends bilden „Pffft...! Projekt KNRPL“. Nachdem Chaos 1983 „Wutanfall“, die erste Punkband Leipzigs, verlassen hatte, gründete er 1984 das Noise Projekt „Pffft…!“ Gemeinsam mit dem ehemaligen „Wutanfall“-Bassisten Zappa und dem Leipziger Maler und Künstler Hans Joachim Schulze (Container Schulze) waren „Pffft…!“ Teilnehmer am legendären Intermediafestival in Coswig 1985. Fester Kern ist nach wie vor Chaos, der gemeinsam mit wechselnden Musikern auf der Bühne mit Schrott, Trennschleifern, Bohrmaschinen und Metall experimentiert.


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Den Samstag eröffnen „Schmerzgrenze/La Belle Epoque“. Die Musiker der beiden befreundeten Bands haben sich zusammengeschlossen, um gemeinsam die Bühne zu entern. Existiert haben die Gruppen ursprünglich 1986/87. Geboten wird knalliger Punk, wie er im Buche steht.

Mit poppigen Independentsongs haben sich von 1987 – 1989 „The Real Deal“ einen Fankreis in der gesamten DDR erspielt. Das UT Connewitz ist für sie kein Neuland. Immerhin spielten sie bereits 1988 und 89 hier.

Dritte Band des Abends ist „Trübkraft Umsonst“. Die Texte der Gruppe sowie deren wenige Auftritte Ende der Achtzigerjahre sind bis heute unvergessen. Musikalisch orientierte sich „Trübkraft Umsonst“ beispielsweise an „Rosengarten“, mit denen sie auch private Freundschaft verband.

Die vermutlich lauteste Combo des Festivals sind „Unklar“. 1986 gegründet, entwickelte die Punkband sehr schnell starke Metalanleihen, die sich durch kreischende Gitarren und abwechselnde Soli der beiden Gitarristen vom „normalen“ Punk abhob.

„Zorn“ gehörte zu den aktivsten Bands der Stadt. Wer kennt ihren Hit „Touristen“ nicht? Veröffentlicht auf den 1989 erschienenen „Parocktikum“ Sampler durfte der Song auf keinem der vielzähligen Auftritte der Band fehlen.. Eine einmalige Chance diese legendäre Band noch einmal live erleben zu können!

Ein absolutes Highlight wird auch der Auftritt von „Neu Rot“ bilden. Als eine der vielfältigsten Undergroundbands Leipzigs prägte sie die Szene von 1983 (damals noch unter dem Namen „Egacell“) bis 1989 maßgeblich mit. In der Zeit entwickelten „Neu Rot“ ihren Stil stets weiter und erfanden sich neu. Das Repertoire reicht von Punk mit lyrischen Texten bis hin zu Darkwave. Wir sind begeistert, die Band noch einmal präsentieren zu dürfen.

Last but not least bilden „Confused Trial“ den Festivalabschluss. 1987 als Dreimannprojekt von Maik Hartung, Jens Beyer und Jörg Schwope gegründet, waren deren elektronische Klangexperimente der Ausgangspunkt für spätere, sehr erfolgreiche Musikgrößen wie „Love is colder than death“.


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Mit ihrem bereits dritten Album „GRACE“ startete die Dresdner Band WOODS OF BIRNAM gleich zu Beginn des Jahres eine erfolgreichen Clubtour mit ausverkauften Konzerten.
Woods Of Birnam, benannt nach einem wichtigen Handlungselement aus William Shakespeares «Macbeth», sind konsequenterweise eine theatralische Band. Dazu gehört die enge Verbindung zum Staatsschauspiel Dresden, aber auch die tragende Rolle von Schauspieler Christian Friedel, der hier als Sänger und Pianist auftritt.

Passend dazu die Musik auf «Grace»: ein farbenfroher, experimentierfreudiger, tänzelnder, ja durchaus theatralischer Indiepop, produziert von O.L.A.F. OPAL zusammen mit der Band.
Diesmal geht es erstmals nach Frankfurt und nach Kaiserslautern. Neben sogenannten Lieblingsstädten wie Leipzig und Köln, spielen sie erstmals auch bei der Ruhrtriennale in Duisburg.


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Francesco Tristano ist ein klassisch ausgebildeter und experimenteller Pianist, Keyboarder und Komponist, dessen Wandlungsfähigkeit beachtlich ist. Der gebürtige Luxemburger hat sich nicht nur in der Klassikszene, sondern auch im Jazz und der Elektronischen Musik einen Namen gemacht. Für die Deutsche Grammophon hat er Platten aufgenommen, auf denen er so unterschiedliche Komponisten wie John Cage und Johann Sebastian Bach oder Maurice Ravel und Igor Stravinsky in Verbindung brachte. Gleichzeitig veröffentlichte er seine rhythmisch aufregenden und sehr experimentellen eigenen Werke bei Infiné. Für Tristano ist das kein Widerspruch. Für ihn gibt es ein Band, dass den großen Barockmusiker direkt mit Techno verbindet. Es mag dünn sein, aber eine Traditionslinie ist eindeutig vorhanden: Rhythmische und harmonische Elemente von Bach findet man auch im Pop.

Wer so offen an Musik herangeht, schreckt vor Experimenten niemals zurück. Beispielhaft waren hier jüngst seine Doppelkonzerte, bei denen er gleichzeitig auf einem Flügel und einem elektronischen Klangerzeuger spielt und dieser Kombination unerhört reiche und neue klangliche Vielfalt entlockt. Sie bringt die volle Kreativität eines Musikers zum Ausdruck, der als klassischer Pianist zwischen Barock und 21. Jahrhundert pendelt, dem beatbetonte Clubmusik nicht fremd ist und der sowieso aus allen Klängen neue Nahrung saugt. Über die Jahre wurde Tristano dann aber auch ruhiger und widmete sich kontemplativeren Tönen. Nach seinen experimentellen Jahren waren es seine Kinder, die Francesco Tristano zur Erkundung einfacher Melodien inspiriert haben. Seine Programme sind stets wahre Wundertüten. So darf man sich getrost überraschen lassen, wenn Francesco Tristano im September mit neuem Material auf Tour geht: Aufregend wird es auf alle Fälle!


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Föllakzoid entstammen Santiago de Chiles kleiner, feinen Psychedelic-Szene. Auf ihren ersten drei Alben (s.t., "II" und "III") mäanderten sich Orgel, Synthie und Gitarrenspuren durch Zeit- und Raumlosigkeiten. Dazu bohrten sich ein stoisch warmer Basslauf und repetitives Schlagwerk in unterbewusste Nirwanen. Das neue Album "I"ist nun nicht nur mehr nur für NeoKraut-Afficinados interessant, sondern auch für den Freund elektronischer Tanzmusik.

TAU bestehen aus dem Iren Shaun Mulrooney (Dead Skeletons) und dem venezuelanischen Drummer und Perkussionisten Gerald Pasqualin, die beide in Berlin gestrandet sind. Deren erstes volles Album „TAU TAU TAU“ ist in einer 9-Tage-Session, beginnend mit dem Tag, an dem Bowie starb, aufgenommen worden. Mitwirkende waren Knox Chandler von Siouxsie and the Banshees und Earl Harvin von den Tindersticks.
Das Ergebnis sind neun Tracks voller Psychedelik, Ab- und Ausschweifung. Flöten treffen auf Gitarren, Chorgesang, Sufi-Folk, mystische Gesänge und Desert Songs.

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Seit 1999 sind The Album Leaf ein überaus modernes Kollektiv, dass mit seiner atmosphärischen Musik das Geschehen auf vielfältige Weise beeinflusst.

Entstanden ist die Gruppe ursprünglich als Solo- und Studioprojekt des Multiinstrumentalisten Jimmy LaValle, der zeitgleich auch Songwriter und Gitarrist bei der einflussreichen Instrumentalband Tristesza war. Im Lauf der Zeit aber wandelte sich The Album Leaf zu einer veritablen Live-Band, deren musikalische Mannigfaltigkeit nur vergleichbar ist mit der Vielfalt der Einflüsse, die LaValle zeit seines Lebens inspiriert hat. Sie reicht von deutschen Krautrock-Legenden wie Can, Cluster oder Harmonia über traditionelle Mariachi-Kapellen, The Notwist, Sigur Rós und Portishead bis hin zu Brian Eno – um nur einen winzigen Bruchteil zu nennen –, die ihn alle ermutigten, über den Tellerrand hinauszuschauen.

In den Stücken von The Album Leaf kommen Drum’n’Bass-Elemente ebenso vor wie Field Recordings oder klassische Anleihen, es gibt instrumentale Stücke und welche mit Gesangsparts, reduzierte Instrumentierungen und Aufnahmen mit Sinfonie- oder Blasorchestern. Inzwischen ist die Band aus San Diego nicht für ihre gefeierten Studioalben bekannt. Ihre Zusammenarbeit mit Bright Eyes und Mark Kozelek, ihre Soundcollagen, ihre Soundtracks für etliche Filme, ihre Beiträge für Fernsehserien, ihre Live-Orchestrierungen zum Stummfilm „Sonnenaufgang“ von Friedrich Murnau machten sie weiter bekannt. Irgendwo zwischen Post-Rock und Jazz, Ambient, Experiment und Pop, Akustik und Elektronik angesiedelt, macht sie diese Vielfalt so einzigartig. The Album Leaf ist vor allem Zeit und Klang.


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Bereits seit über einem Jahrzehnt begeistert die US-Amerikanerin Marissa Nadler mit ihrer bezaubernd-geisterhaften Stimme und ihrem geheimnisvollen düsteren Folk, der auf den beiden neuen Alben "For My Crimes" (2018) und "Droneflower" (2019, zusammen mit Stephen Brodsky) eine weitere Entwicklungsstufe genommen hat. Textlich begibt sich Nadler auf eine Reise ins Surreale, in apokalyptische Traumlandschaften und zeigt einmal mehr die Stärken ihrer feinen Stimme auf. Wie schon bei den letzten Alben unterstützte Randall Dunn (Sunn O))), Earth, Black Mountain) sie bei den Aufnahmen zum neuen Werk.
“Drone Flower” ist das neunte Album der in Boston beheimateten Musikerin und der perfekte Soundtrack, um sich mit seinen eigenen Dämonen auseinanderzusetzen!


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Das Monster rasselt mit den Ketten und erhebt sein mächtiges Haupt: Stereo Total gehen auf Tour. Mit ihrer neuen Platte «Ah! Quel Cinéma!» haben die Antidiva Françoise Cactus und Antimultiinstrumentalist Brezel Göring nicht nur musikalisch mindestens 2 Ausrufezeichen gesetzt, sondern auch für jede Lichtschattierung zwischen hell und unterbelichtet den passenden Ohrwurm im Karton. Musikfreunde aufgepasst: Diese Band rollt nicht über Beethoven, sondern sie knallt von der Decke auf ihn runter. Die neue Platte wird am 12. Juli 2019 bei Tapete Records erscheinen. Begleitet werden Stereo Total von dem jung-dynamischen Quartett Pisse, die wie gewohnt ihr Programm aus Schunkelhits wie "Scheiss DDR" und "Work-Life-Balance" darbieten werden.

WOODEN PEAK ist ein Duo aus Leipzig, das ständig die eigenen Grenzen auslotet. Mit ihrem Gerüst aus Schlagzeug, Gitarre, Elektronik und Gesang bewegen sich Sebastian Bode und Jonas Wolter irgendwo zwischen der stimmlichen Unaufgeregtheit von Lambchop, The Notwist und der elektronischen Klangsprache von Acid Pauli.

ALEX STOLZE hat als Kind die strenge Geigenausbildung der DDR durchlaufen.
Heute spielt er auf einer selbstgebauten fünfsaitigen Violine und mit allerlei digitalen Gerätschaften eine eigenwillige Mischung aus Elektronica, Indie-Pop und Neo-Klassik. Aufdringlich sind seine Songs nie. Eher hingehaucht, vorsichtig tastend und voller farbiger Details.

Die Berliner Band AG FORM gründete sich im Frühjahr 2015 und meldete sich im Dezember des selben Jahres mit der EP „Lichtenberg“ erstmals zu Wort. 2017 erschien mit „Commons“ das erste Album der Band. Stilistisch irgendwo zwischen Jazz, Pop und Post-Allerlei erweist sich ihre Musik
vielleicht gerade darin als zeitgemäß, dass sie die Grenzen traditioneller Genres als musikalische Grenzen verweigert.


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THE OBSESSED - eine der größten Doom-Metal-Bands ever. Zusammen mit Black Sabbath und Pentagram sind The Obsessed die Überväter des Doom-Metal. Ein Genre, das Obsessed Sänger Wino zudem aber auch erheblich mit seiner anderen großen Band, Saint Vitus, prägte. Auch der Stoner Rock war in seinen Ursprüngen erheblich von The Obsessed beeinflusst, der Melvins-Schlagzeuger Dale Crover gastierte bei einer Aufnahme von The Obsessed und die Foo Fighters coverten Obsessed Iron & Stone 2000 auf ihrer Single Learn to fly.

In 2017 erschien „Sacred“, das erste Studio-Album von The Obsessed seit mehr als 20 Jahren. Mit erneuerter Energie und Zielstrebigkeit klingt die Band auf „Sacred“ heavier und relevanter denn je zuvor. Mit enorm heftigen Riffing, einem schweren Sound aus den tiefsten Tiefen der ewigen Verdammnis und Winos kehligen Vocals voll entwaffnender textlicher Ehrlichkeit, pusht sich die Band noch uauslöschbarer in die Annalen der Metal-Historie. Ein Album das es Wert war, mehr als zwanzig Jahre darauf zu warten.


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Der diesjährige Preisträger resp. die diesjährige (natürlich noch streng geheime!) Preisträgerin des Leipziger Jazznachwuchspreises wird das Festival eröffnen.

Im Anschluss führt Nils Klein Tubes And Wires organische und elektronische Sounds in außergewöhnlicher Bewusstheit zusammen und erzeugen dennoch ein klar voneinander trennbares Klangbild.

Besetzung:
Niels Klein (cl, effects)
Lars Duppler (synth)
Hanno Busch (g, b)
Jonas Burgwinkel (dr)

Wenn von einer Band die Rede ist, deren maximal schwer, ultratief gestimmten, aber auch psychedelisch wabernden Gitarren von einem donnernd bedrohlichen und schleppenden Drumming getragen werden, und bei der nahezu jedes klangliche Moment intensivsten Druck mit sich bringt, sollte eigentlich schon alles klar sein. Wenn man dann noch erwähnt, dass die 4-köpfige Combo auf Vocals verzichtet, dann kann es sich nur um die Chicagoer Doom-Giganten Bongripper handeln. Die Band, die 2010 mit "Satan Worshipping Doom" in jeder Hinsicht einen zeitlosen Genreklassiker an den Start brachte, konnte ihren Sound seitdem mit den Langspielern "Miserable" und "Terminal" schärfen. Live brennen sich Bongripper als unglaublich energetisch ein und setzen ihr Publikum einer Megatonnen-schweren Soundwand aus, die sich durch unendliche Wiederholungen zu einem unüberwindbaren Strudel entwickelt.

Agil und unberechenbar erzeugen Big Business eine ergreifende Wall-of-Sound und bauen mit ihr unerbittlichen Schwung auf, anstatt sich auf abgenutzte Grooves zu beschränken. Das Duo kombiniert kantige und bleierne Riffs mit einer bombastischen und heftigen low end attack, durchzogen von Bassist und Sänger Jared Warrens markanten Vocals. Wie Motor und Getriebe, fein abgestimmt als Einheit fungierend, fügt er mit Drummer Coady Willis die unterschiedlichsten Einflüsse aus vorigen und parallelen Projekten (Karp, Murder City Devils, The Melvins) zu massivem Stoner Rock zusammen.

Oh No Noh aka Markus Rom – Gitarre, Effekte, Synthesizer

Zwischen Ambient, Minimal Music, Kraut-Rock, und Electronica. Samples, Loops, Fieldrecordings, Kassettendecks und Beatroboter. Über allem liegen die atemberaubenden Sounds der E-Gitarre.

danach

Dark Star Safari: Akustisch und digital verändert, sanft und zurückhaltend, emotional und abstrakt, eindringlich und atmosphärisch.
Die neu gegründete, hochkarätig bestzte Gruppe präsentiert ihr gleichnamiges Debüt - ein eindrucksvolles, songgetriebenes Album. Ein Werk von vier verwandten Geistern, deren offener Modus Operandi und ein bemerkenswert verbundenes, kreatives Nervensystem. Der Schlüssel ihrer Zusammenarbeit ist eine organische Freiheit, die es der Musik ermöglicht, sich selbst zu „füllen“, sich über die Musiker als Medium zu verwirklichen.

Jan Bang – Gesang, live sampling, Klavier
Eivind Aarset – Gitarre, Electronica, Bass
Erik Honoré – Synthesizer, Samples
Samuel Rohrer – Schlagzeug


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A band operating on the borderlines of post-punk, new-wave and darker ends of synth-pop, hailing from Belarus, playing music that is dark and danceable at the same time. It is a perfect emulation of the genre yet instantly recognizable as theirs, with lyrics sung in Russian. On top of that – it sounds like a mix of everything a contemporary goth can wish for, and it also sounds an awful lot like the Belarusian band Molchat Doma (which translates as “Houses are silent”).

Currently a trio with Egor Shkutko on vocal duties, Roman Komogortsev on guitar, synths, and drum machine. Including Pavel Kozlov on bass and synths, the band released their second album on the Berlin label Detriti Records


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Coma Alliance ist das gemeinsame Projekt der Wave/Elektro-Künstler Adrian Hates (Diary of Dreams) und Torben Wendt (diorama). Nachdem sich ihre Wege über Jahrzehnte hinweg bei Tourneen und Musikproduktionen gekreuzt hatten, fiel der Entschluss, die gemeinsame musikalische Wellenlänge in einem Projekt zu manifestieren und auf diese Weise etwas Neuem Raum zu geben. Die stilistische Verankerung beider Musiker in der Dark-Alternative-Szene ergänzt Coma Alliance mit Elementen aus Trip Hop und Minimal Electro. Das Zusammenspiel der markanten Stimmen und der unterschiedlichen Herangehensweisen an die Produktion erschließt dabei ein eigenständiges klangliches Spannungsfeld - groovig, düster, modern. 2016 gab es die erste Tour unter dem Namen Coma Alliance. Damals als unabhängige Auftritte von Diary of Dreams und diorama mit wechselseitigen Gastauftritten konzipiert.

Ende 2018 erschien das erste gemeinsame Album "Weapon of Choice", das im Januar 2019 in 7 Städten Deutschlands live präsentiert wurde. Neben Songs des Albums werden bei Coma Alliance Live Shows auch Hits von Diary of Dreams und Diorama neu interpretiert.

Coma Alliance live on stage featuring Adrian Hates, Torben Wendt und Zura Nakamura.


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Die gefeierten „Brooklyn Lords of Doom“ mit Mitgliedern der legendären Type O Negative sind erneut live in Deutschland zu sehen.
Nicht selten erwächst Schönheit gerade aus der Finsternis. So schöpfen A Pale Horse Named Death seltsam lebensfrohe Melodien aus einem von brachialen Gothic-Klängen und grungigem Songwriting überfluteten, apokalyptischen Heavy Metal. Das Quintett aus New York, bestehend aus Sal Abruscato [Gesang, Gitarre], Eddie Heedles [Gitarre], Joe Taylor [Gitarre], Eric Morgan [Bass] und Johnny Kelly [Schlagzeug], legt auf seinem dritten Album When The World Becomes Undone – der ersten Veröffentlichung auf SPV/Long Branch Records – einmal mehr die Verletzlichkeit frei, die sich hinter Wut und Aggression verbirgt.

„Der Halbsatz When The World Becomes Undone kam mir 2014 in den Sinn“, erklärt Songwriter Sal. „Da zeichnete sich schon ab, in welche Richtung die Welt steuerte. Man musste nur die Nachrichten einschalten oder sich umschauen. Gleichzeitig passierten in meinem Privatleben heftige Sachen. All diese Konflikte brachten letztlich diese Musik hervor. Ich hatte damals quasi eine angefangene Skizze, die wir dieses Jahr endlich vervollständigt haben." Was daraus entstanden ist, kann man jetzt live hören.


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""Oh my God" hört man am besten, wenn man nicht weiß, ob man lachen oder weinen soll, wenn das Sein an sich mal wieder ratlos macht, ungefähr wohl so, wie der nackige Sänger da auf dem Artwork im Bett hockt. Ob in solchen Situationen der liebe Gott hilft? Dieses Album tut es jedenfalls.” (Plattentests.de)

Mit seinen vier gefeierten Soloalben und unzähligen Platten verschiedener Zusammenarbeiten ist KEVIN MORBY zu einem wahren musikalischen Autor geworden. Jetzt, mit der üppigen Doppel-LP „Oh My God“, liefert MORBY einen grandiosen Director’s Cut seiner bisher größten Aussage, sowohl episch im Umfang als auch im Sound, ab. Ein Werk, das mit Fug und Recht als bisheriger Höhepunkt seines Schaffens bezeichnet werden darf.

In seiner bisherigen Arbeit hat MORBY die Allgegenwart eines offensichtlichen religiösen Themas bemerkt. Obwohl MORBY sich nicht im Geringsten als „religiös“ identifiziert, erkennt er in sich selbst ein spirituelles Wesen mit einer weltlichen Einstellung zum Seelenvollen. Und so setzte er sich in dem Bestreben, diesen Gedanken frontal und ein für alle Mal anzugehen, in seinen persönlichen Kirchen – Flugzeuge und Betten – hin und schrieb, was sein erstes wahres Konzeptalbum werden sollte. Wenn „Singing Saw“ KEVINs L.A.-Platte war und „City Music“ seine Ode an New York, dann lebt „Oh My God“ im Himmel, über dem Wetter, nirgendwo und überall gleichzeitig.
Im Jahr 2016 schrieb er den Protest-Song „Beautiful Strangers“ über die verheerenden Weltereignisse dieses Jahres, in den er mehrere „oh my god”s als Verzweiflungsschrei einführte. Der Song wurde zu seinem bisher berühmtesten Werk, und der Satz zu einem Mantra für MORBY und inspirierte ihn, den Ausruf konzeptionell in den Stoff eines ganzen Albums einzubinden. Er versuchte hervorzuheben, wie diese unsterbliche Formulierung so viel von unserer Beziehung zum Heiligen und Profanen verkörpert – wie Religion überall um uns herum ist, immer, und dass wir durch einfaches Äußern eines „OMG“ ihre Allgegenwart und Fähigkeit etwas zu ertragen, anerkennen, während wir ihre Reichweite humanisieren.

Niemals hat sich KEVIN auf eine solche Gesamtästhetik eingelassen, die er nun bei „OMG“ hat, vom Album Artwork bis hin zu jedem visuellen Element. So arbeitete er auch mit dem Filmemacher Chris Good (der jedes Musikvideo inszenierte) an einem Kurzfilm. Der Film zeigt MORBY während er durch eine traumhafte Serie von Begegnungen wandert – im Flugzeug, im Auto, im Diner, zu Hause im Garten – und präsentiert eine Michel-Gondry-ähnliche Vision des Albums und seiner „heiligen“ Stimmung.

Nach ausverkauften Shows im Juni mit seiner fantastischen Oh My God Band kommt Kevin Morby für 5 intime Solo-Shows nach Deutschland - und endlich auch ins UT!


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Brandt Brauer Frick verbinden Techno mit moderner Klassik und Jazz, sampeln Klänge aus dem Instrumentarium der klassischen Musik und bringen das Erbe von Größen der Minimal Music wie Steve Reich zeitgemäß auf die Bühne. Ihre Kompositionen spielten sie Mitte der 2010er Jahre mit einem Ensemble. Wieder zum Trio geschrumpft haben sie mit dem Song "Masse" gerade einen Ausblick auf ihr neues Album "Echo" geliefert, das am 07. Juni erscheint.

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Seit Veröffentlichung ihrer ersten EP 2008 gehören die Villagers aus Dublin zu den hoffnungsvollsten Vertretern der irischen Musikszene. Sie verweben breit angelegte Klangwelten mit poetischen Texten und einem sensiblen Gespür für emotionale Schwingungen. Doch bereits vor Gründung der Villagers galt ihr Frontmann Conor J. O’Brien als Song-Genie mit großer Zukunft. Obwohl seine Band The Immediate 2006 ein Album veröffentlichte, das in Irland große Wellen schlug und sogar für einen Choice Music Prize nominiert war, kam es zur Trennung. Nur wenige Wochen später reüssierte O’Brien mit den Villagers. Gestartet als Soloprojekt, rekrutierte er nach Erscheinen der ersten EP „Hollow Kind“ mit den Gitarristen Tommy MyLaughlin und James Byrne, Bassist Danny Snow sowie Keyboarder Cormac Curran die geeigneten Mitstreiter, um Villagers zur echten Band zu formen.
Ihr Debüt „Becoming A Jackal“ war ein wunderbares Kleinod behutsam arrangierter Indie- und Neofolk-Musik. Die internationale Presse zeigte sich überwältigt, man verglich sie mit Künstlern wie The Frames, Bright Eyes, Sparklehorse oder Leonard Cohen. In Irland stieg das Album auf Platz 1 in die Charts ein und wurde für einen Mercury- sowie einen Choice Music Prize nominiert. Für die gleichnamige Singleauskopplung verlieh man O’Brien den renommierten Ivor Novello Award, die Irish Times wählte die Band unter die „fünf wichtigsten irischen Künstler der Gegenwart“. Im Anschluss gingen die Villagers mehr als ein Jahr auf Tournee.

Diese Erfahrung schweißte das Quintett enorm zusammen und ebnete den Weg für eine bedeutende Veränderung. Anders als beim Debüt, das O’Brien noch gänzlich alleine komponierte und arrangierte, war das zweite Album „{Awayland}“ eine echte Kollektivarbeit. So fanden sich in den neuen Tracks Versatzstücke von Funk, elektronischen Elementen, Krautrock und orchestraler Filmmusik, die weit über die Grenzen eines gewöhnlichen Indie-Sounds hinausgehen.

Mit dem folgenden Album „Darling Arithmetic“ brach wieder eine neue künstlerische Phase für Villagers an. Nach der experimentellen, bezugsoffenen Band-Arbeit des Vorgängers wurde das dritte Werk nun wieder von Conor J. O'Brien alleine aufgenommen. In einem umgebauten Bauernhof in dem Küstenstädtchen Malahide schrieb er reduzierte Lieder, die alle einem Oberthema folgen: den unzähligen Facetten von Liebe und Entzweiung. Begleitet von Gitarre, Piano, Mellotron und allerlei Eigenwilligem wie etwa geblasenen Kämmen entschlackte er die Musik der Villagers auf die Basis, um seine höchst poetischen, noch nie derart persönlich gehaltenen Texte umso strahlender wirken zu lassen.

Die Villagers wären nicht sie selbst, wenn sie danach nicht ein weiteres Mal überrascht hätten: Mit „Where Have You Been All My Life?“ erschien 2016 ein viertes Album – diesmal wieder als gesamte Band, doch dafür nicht im Studio: Die Platte bietet gründlich umarrangierte Live-Versionen von einigen Band-Favoriten, die bereits als Studioversionen erschienen waren. Letztlich war diese Platte O'Briens Rückkehr zur Band-Arbeit, die sich auf dem aktuellen Album „The Art of Pretending to Swim“ entladen hat.

Mittlerweile gehören zu den Villagers sieben Musiker; es dürfte den ohnehin raumgreifenden, kaum zu kategorisierenden Klang dieser herausragenden Band noch weiter auffächern.



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Today we are announcing the first four names for the upcoming 4th Edition of TransCentury Update, which takes place 15-17 November 2019, in Leipzig, Germany.

Together with audience, performing musicians and a progressive group of local multimedia artists TransCentury Update is expanding the boundaries of certain genres, breaking up the conservative look, sound and Idea of a music festival....more tba!

Be the early fox - tickets are on sale now!

Meret Becker (ist Berlinerin, stammt aus einer Künstlerfamilie, mit deutschen, dänischen & polnisch-jiddischen Wurzeln und) schreibt Konzeptalben. Sie begibt sich in eigene Welten, die sich um Realitätsverschiebungen, Vergänglichkeit, die Liebe zu menschlichen Fehlern und unstillbare Sehnsüchte drehen. Dabei kreierte sie im Laufe der Jahre ihren eigenen Klangkosmos, dem man deutlich anmerkt, dass ihre musikalische Karriere einst im Varieté und den Cabarets Berlins begann.

" Le Grand Ordinaire" ist eine Collage aus musikalischen Bildern und surrealen Liedern, die von Reisenden erzählen. Die Sehnsucht nach dem miteinander Weglaufen, Aufbruch, Flucht - innen wie außen, das niemals Ankommen, die Angst vor dem Fremden & Angst vor dem Fremdsein... Wiederkehrendes Thema ist ein Zirkus, eben "Le Grand Ordinaire", der sich wie eine vage Erinnerung, seinen Weg bahnt.
"Der Zauberer macht Tricks, zaubern tut das Publikum.", sagt Meret. Was zunächst wie eine kitschige Behauptung klingt, ist eine Tatsache. Der Zauberer manipuliert Gegenstände und nutzt die menschlichen Wahrnehmungsschwächen aus. Für das Publikum aber können Dinge im Raum schweben, verschwinden, wiederkommen und vieles mehr. Der Zuschauer ist der eigentliche Zauberkünstler. Diese Fähigkeit will Meret nutzen und bringt, gemeinsam mit ihrer Band "The Tiny Teeth", musikalische Bilder auf die Bühne, vergleichbar mit einem Soundtrack zu einem inneren Film. Der besteht zum einen aus Miniaturen, die wie aus einer Spieldose oder in einer Schneekugel musiziert klingen. Hier wird vor allem das romantisch bizarre Instrumentarium von Musikclowns verwand: Spieluhr, Kinderklavier, Glasharfe und Singende Säge. Im Gegensatz dazu stehen scheppernde Songs, die mit Bläsersatz, Banjo, Akkordeon, Archtop-Gitarre & Schlagwerk instrumentiert sind. Sie erzählen von den Seemännern unter den Bühnenmenschen, die alle Sprachen sprechen, gern auch gleichzeitig und die mit voller Kraft auf die Klippen zu halten, aufrecht stehend, mit wirrem Haar. Und das Zelt knarzt und ächzt wie ein sinkendes Schiff, aber nicht eine einzige Ratte geht von Bord, denn es riecht -nein- stinkt nach Abenteuer.

BESETZUNG:
Meret Becker: Gesang, Säge, Homophone
Ben Jeger: Glasharfe, Piano, Akkordeon
Buddy Sacher: Gitarre, Banjo, Mandoline
Peter Wilmanns: Saxophone, Klarinette, Bassklarinette
Uwe Langer: Trompete, Tuba, Posaune, Euphonium
Dirk Peter Kölsch - Schlagzeug


T I C K E T S: sind erhältlich via tixforgigs.com (Link unter`m Bild), bei CULTON im Peterssteinweg 9 sowie in der Buchhandlung W. Otto & Nachf. direkt neben dem UT Connewitz.

Popkulturelle Einordnung und Gossip: Earths Mastermind Dylan Carlson startete die Band 1990 zusammen mit Slim Moon, dem späteren Gründer der wichtigen Labels "Kill Rock Stars" und "5Rue Christine." Stil-geographisch waren diese Projekte mitten Seattle und rund um Sub Pop angesiedelt! Der Legende nach fällt Carlson die tragische Rolle zu, seinem engen Freund Curt Cobain eine Schrotflinte geliehen zu haben. Drogenprobleme brachten die Band Ende der 90er dann an den Rand der Auflösung. 2005, nach einem Labelwechsel, meldeten sich Earth mit "Hex; Or Printing in the Infernal Method" eindrucksvoll zurück. Danach: enormer Output bei hohem MusikerInnen-Verschleiß und wechselnden Besetzungen.
Musikalisch ist Earth nichts weniger als eine Doom‐Drone- Ikone, Pioniere, Vorreiter, die Referenz schlechthin! Sie waren es nämlich, die als Wegbereiter des Genres erstmals auf die Idee kamen, eine Note gefühlte 200 Takte lang zu halten und Beats als weitgehend überflüssiges Beiwerk zu betrachten. Die extreme Heaviness und Langsamkeit der Musik sowie ihr repetitiver Charakter inspirierte später Grabsteine wie Sunn O))) und Boris über Postrocker wie Mogwai bis hin zu Avantgarde‐Elektronikern wie Autechre oder The Bug, mit dem Earth seit 2016 kollaborieren.
Im Mai 2019 erschien das neue Album "Full Upon Her Burning Lips."

T I C K E T S: gibt es bei culton im Peterssteinweg 9 und online bei tixforigs (bitly-Link unterm Bild).

Hier fließen im besten Sinne persönliche und kulturelle Einflüsse zusammen. Mackampa, geboren in Kinshasa, wächst in London auf und findet seine künstlerische Sprache in Coventry. Die dem traditionellen Folk entlehnten Gitarrenläufe besinnen sich auf Gospel und Blues und evozieren so gleichsam Fesselndes, die den Zuhörer – und das sei versichert – staunend und voller Andacht lauschend einnehmen werden.


T I C K E T S: gibt es an allen bekannten Vorverkaufsstellen und auch bei CULTON im Peterssteinweg 9!

Die Geschichte von Michael Spieler, Timothy Lush, Kerim Öke und Thomas Sedlacek dreht und windet sich bereits seit 2012. Seit der Schülerband machen sie in verschiedenen Konstellationen zusammen Musik, in dieser Zeit haben die Münchner viel an ihrem Sound und Songwriting gearbeitet und 2015 die ON THE RUN EP unter dem Milky Chance Label Lichtidicht Records released. Es folgte die erste Tour durch die Republik und eine große Festival Runde mit Stationen beim SXSW 2016 in Austin / Texas, Melt! Festival und MS Dockville. Das Debüt Album HEADS AND TALES, im September 2016 veröffentlicht, landete in den Alternative Charts, die Songs wurden bis dato mehr als 7 Millionen mal auf Spotify gestreamt.

Kytes begannen im Sommer 2017 die Arbeiten am Nachfolgealbum zusammen mit dem Wiener Produzenten Filous, parallel dazu spielten sie auf weiteren europäischen Festivals. Im April diesen Jahres eröffneten sie quer durch Europa den Abend für die Indie-Heroen Shout Out Louds und Everything Everything. Jetzt gehen Kytes, die mittlerweile mehr als 250 Shows auf dem Buckel haben, mit viel neuer unveröffentlichter Musik im Gepäck für ihre exklusive Clubtour.


T I C K E T S: gibt es an allen bekannten Vorverkaufsstellen, u.a. bei CULTON im Peterssteinweg 9!

Arvo Pärt:
Fratres

Philip Glass:
String Quartet No. 5

Aleksey Igudesman:
Quartett

Daniel Schnyder:
Streichquartett Nr. 4 "Great Places"

Neue „Hits“ der Streichquartett-Literatur haben vier Mitglieder des MDR-Sinfonieorchesters für dieses Kammerkonzert zusammengestellt: Mit ihren Quartetten setzten Arvo Pärt und Philip Glass im 20. Jahrhundert Maßstäbe, an denen sich nachfolgende Komponisten wie Daniel Schnyder und Aleksey Igudesman orientieren. Igudesman kennt man auch aus verschiedenen Musikcomedy-Programmen, doch neben seinem Talent fürs Komische ist der 1973 geborene Geiger auch ein sehr erfolgreicher Komponist – unter anderem war er für Filmmusik mit seinem Kollegen Hans Zimmer 2010 für einen Oscar nominiert. Sein Streichquartett schrieb er für das türkische Borusan Quartet, das es 2015 zur gefeierten Uraufführung brachte.

BESETZUNG:
Yukiko Suzuki | Violine
Tsung-Chih Lee | Violine
Liv Bartels | Viola
Jérémie Baduel | Cello


T I C K E T S: sind über den MDR erhältlich - folgt dem Link unter`m Bild!