Sie verweben Jazz, Soul, HipHop, African Styles, Latin, Dub und Elektro zu einem Fluss aus nachdenklicher und lebensbejahender Musik. Nubiyan Twist propagieren als mal zehn-, mal zwölfköpfiges Kollektiv die Gleichheit, leben genre-fluid und sind vor allem live ein echtes Erlebnis. Unüberhörbare Einflüsse kommen von Künstler*innen wie Fela Kuti, King Tubby, J Dilla und Herbie Hancock.

Ihre emotionalen Songs handeln dabei vom Bruch mit Vorbehalten, von inneren Tumulten und der Suche nach Wahrheit. Das aktuelle Album „Freedom Fables“ ist zudem stark von der aufregenden Musikszene in Leeds beeinflusst. Das Album beschreibt den stetigen Entwicklungsprozess der Sounds und Formen seit der Bandgründung am dortigen College Of Music im Jahr 2015. „Einer der größten Faktoren beim Sound war die aufregenden Musikszene in Leeds. Von der Reggea Night ‚Sub Dub‘ bis hin zu Venues, in denen der experimentellste Jazz überhaupt gespielt wurde,“ erklärt die Band.

T I C K E T S gibt es für 18 Euro zzgl. evtl. Gebühr bei culton im Peterssteinweg 9 und online bei tixforgigs (Link unterm Bild).

Den Hype verstehen? Warum eigentlich? Black Country, New Road sind eine dieser englischen Bands die seit nun schon über einem Jahr mit den selben zwei Liedern hausieren gehen, weltweit auf den renomiertesten Festival Line-Up‘s zu finden sind und die zukünftigen HörerInnen in eine unglaublich hohe Erwartungshaltung transferieren.

Die Vergleiche gehen von Fugazi über Shellac bis hin zu Arcade Fire, die Instrumentierung dabei eher ungewöhnlich: schrammelige, emotionale Gitarren, jazziges Saxofon, Geige, Synthesizer und Schlagzeug. Das Black Country, New Road die Kanadier von Arcade Fire nicht vom Indiepop Thron stoßen werden, wird eigentlich schon in den ersten Takten der Singles „Sunglasses“ und „Athens, France“ klar. Der eigensinnige Klang der Band verhilft ihnen eher zu einem eigenem, kleinen Grundstück zwischen Wire‘s Post-Punk, der industriellen Kühle der Einstürzenden Neubauten und Steve Albinis trockenem Humor. Ob man die Band jetzt versteht, oder nicht, ist eigentlich völlig egal, und sollte generell auch völlig egal sein denn Black Country, New Road vermitteln mit ihrer Musik große Gefühle, und die sind für uns alle zugänglich.

Das Debut Album der Band erscheint im Frühjahr 2021, und im Herbst spielen Black Country, New Road ein WarmUp zum TransCentury Update Festival.

T I C K E T S: bekommt Ihr online bei tixforgigs.com. Folgt dem Link unter dem Bild.

Nachholtermin vom 20.03. bzw. 17.09.2020 - bereits gekaufte Tickets behalten Ihre Gültigkeit!

Forget about everyday stuff and step into an adventurous fantasy world. That’s what Hällas want those who listen to their records or see their live shows to experience. Quite obviously a growing number of people are drawn to the quintet’s 70’s inspired and dynamic mix of progressive rock, metal and folk. The upcoming album Conundrum, the third and last part of a trilogy, may be their most varied and complex so far, but still essential Hällas in its sound and lyricism.

Hällas, founded in 2011, got something of an underground breakthrough with the previous album Excerpts From A Future Past (2017) and its hit single Star Rider. On Nov 22nd, the new single Tear of a Traitor was released, which is the first taste from the album Conundrum – released Jan 31st 2020.


T I C K E T S: sind an allen bekannten Vorverkaufsstellen, u.a. bei Culton im Peterssteinweg 9, erhältlich.

Ihr Leipzig-Debüt gibt die junge Saxofonistin Nubya Garcia (*1992), Shooting Star aus Londons Schmelztiegel, und der jungen, sich selbst organisierenden Londoner Bewegung, die mit ihren Veröffentlichungen unter dem Labelnamen "Jazz Re:freshed" in Erscheinung tritt. Ihr Debütalbum „Lost Kingdom“ aus 2017 wurde nicht nur von der Legende Gille Petterson als äußerst bemerkenswert gefeiert.
Mit handfestem Zugriff wechselt Garcia selbstbewusst und musikalisch sinnlich zwischen voller Kraft voraus und innig flüsternden, fliegenden Tönen. Mit ihrem Folgealbum "Source" aus dem Herbst 2020 beweist sie wieder eine musikalische Offenheit, Aufnahmebereitschaft und eine Vorwärtsgewandtheit, die die Britin mit karibischen Wurzeln zu einer der gefragtesten Protagonist:innen der aktuellen Jazz-Welt macht. Zusammen mit ihrer Band und mit energetischer Coolnes durchbricht die multitalentierte Komponistin immer wieder die Grenzen des Jazz und setzt diese neu.

T I C K E T S gibt es für 18 Euro (zzgl. Gebühr) bei culton Tickets im Peterssteinweg 9 oder online bei tixforgigs (cutt.ly-Link unterm Bild)

+ + + verlegt vom 06.11.2020 und 13.04.2021 + + +

Der britische Musiker James Holden ist schon seit den frühen 2000er Jahren eine feste Größe der elektronischen Musik. Er verbindet experimentelle Sounds mit dem Wissen um die britische Rave-Kultur vergangener Zeiten zu einer zeitgenössischen Psychedelik zwischen ekstatischer Clubnacht und privater Afterhour. Neben zahlreichen eigenen Singles und Alben, die Holden regelmäßig auf seinem eigenen Qualitätslabel "Border Community" veröffentlicht, hat er in über 200 Remixen Stücke von Künstler*innen wie Depeche Mode, New Order oder Madonna mit seiner musikalischen Handschrift veredelt.

Holdens neuestes Projekt ist gemeinsam mit dem polnischen Jazz-Minimalisten Wacław Zimpel entstanden, der bereits mit so unterschiedlichen Musikern wie Joe McPhee und Shackleton zusammengearbeitet hat. In mehreren Sessions mit Holden am modularen Synthesizer und Zimpel an der Klarinette entstand die EP "Long Weekend" – eine Art Neudefinition von Trance im Geiste improvisierter Musik, die die beide Musiker nun live präsentieren.

[Terry Riley's IN C] 11 oscillateurs et 53 formes
Modular Synth: Julien Sénélas, Jérôme Vassereau
Graphic Design: Soia

Julien Sénélas, Jérôme Vassereau und Soia präsentieren eine neue Version von "In C", Terry Rileys
bahnbrechender Komposition, und interpretieren diese instrumental mit zwei modularen Synthezisern (11 Oszillatoren) und grafisch mit live und analog produzierten Animationen (53 Formen).

1964 von Terry Riley komponiert gilt "In C" als Grundlagenwerk der Bewegung des musikalischen Minimalismus. Anders als auf einer der bekanntesten Aufnahmen von "In C" aus dem Jahr 1968 kommen heute Abend keine 11 akustischen Instrumente zum Einsatz, sondern 11 Oszillatoren, die in 2 modularen Synthezisern verbaut sind.

Illustratorin und visual Artist Soia schuf ein Formenalphabet, das jedes der 53 musikalischen Themen repräsentiert, die "In C" bilden.


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+++ Nachholtermin vom 09.12.2020 +++ Karten behalten ihre Gültigkeit

Ab den ersten Sekunden ihres neuen Albums „good luck“ tauchen die KYTES in die Großstadt ein und die verträumte Stimme von Sänger Michael Spieler lädt uns ein, mit auf diesen Kurztrip zu kommen.
Aufbruch heißt nicht immer Abschied und Freundschaft heißt nicht Stillstand. Echte Leichtigkeit entsteht in genau diesem Mix aus Freiheit und Vertrautheit. Daraus ziehen die vier Münchner von den KYTES ihren Feel-Good-Sound, den sie auf ihrem neuen Album „good luck“ in die Playlists für den Frühsommer 2020 schießen. Aus der Rolle der Indie-Pop-Hoffnung sind die KYTES schon lange herausgewachsen.

In Newham, East London aufgewachsen, startete Alfa Mist seine musikalische Karriere als Grime- und HipHop-Produzent. Inspiriert von der Virtuosität des visionären Jazz-Trompeters Miles Davis tauchte Alfa Mist im College tiefer in die Jazzwelt ein. Der autodidaktische Pianist und Teilzeit-Rapper fühlte sich angezogen von Jazz und Worldmusic, die er durch seine Samplings entdeckte. Seine Obsession für Hans Zimmers atmosphärische Filmsoundtracks ließ er schon im Alter von 23 Jahren in der „Nocturne” EP (2015) einfließen und mischte so melancholische Jazzharmonien mit alternativem Hip-Hop und Soul. Darauf sind illustre Gäste wie Tom Misch oder Jordan Rakei aus der Londoner Szene zu hören. Nach einigen Kollaborationen und kleineren Projekten demonstrierte der junge Künstler auf zwei Alben bereits sein gesamtes Können.

Heute stellt Alfa Mist mit seiner Band das neue Album "Bring Backs" (Anti) vor.


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This is the Kit feiert heute ihr Leipzig-Debüt im UT Connewitz ! Die Folkband aus UK um die Singer-Songwriterin Kate Stables ist schon seit einigen Jahren in der europäischen Folkszene angekommen. Glastonbury Festival, RBC Blues Fest, Calgary Folk Music Festival und Eden sind nur einige der großen Shows, die sie 2019 zu verbuchen hat.

Bei ihren Auftritten lädt sie mit vereinnahmenden Melodien und raffiniertem Folk zum Träumen ein. Was bleibt, ist eine ausdrucksvolle Musik verpackt in einem doch so schüchternen Ausdruck. Aufgrund der notgedrungenen Pause 2020 geht sie im kommenden Frühling mit ihrem Album „Off Off On“ auf Tournee.

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Sam Amidon ist ein Sänger, Geiger, Banjoist und Gitarrist, der ursprünglich aus Vermont, USA, stammt. Er hat sechs Soloalben über die Labels Nonesuch und Bedroom Community veröffentlicht.Amidons Material für seine Alben besteht oft aus abenteuerlichen Überarbeitungen traditioneller amerikanischer Balladen, Hymnen und Arbeitslieder. Die New York Times schreibt, dass Amidon "alle Songs transformiert, ihre Farben ändert und sie mit Falltüren belädt". Die Alben waren von Natur aus sehr kooperativ, er lud Musiker wie den Komponisten Nico Muhly, den Gitarristen Bill Frisell und den Trompeter Kenny Wheeler ein.

Sam Amidon hat auch als Gastkünstler mit Musikern wie Bon Iver, Emmylou Harris, Tune-Yards, Pekka Kuusisto und Amidons Frau Beth Orton aufgenommen oder gespielt. Er trat als Solist aber auch mit Ensembles wie dem Kronos Quartet, dem Australian Chamber Orchestra und dem Aurora Orchestra auf.


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Vier Jahre nach seinem gefeierten zweiten Album "Aforger" kehrt der Brite Douglas Dare zurück ins Rampenlicht mit seinem neues dritten Album "Milkteeth", das am 21. Februar 2020 auf Erased Tapes erscheint.

Marking his arrival in 2014 with the release of his acclaimed debut Whelm and establishing his musical dexterity on the much darker follow up Aforger in 2016, Dare’s star keeps growing. In 2017 he was asked to contribute a re-interpretation of Dance Me to the End of Love to the Leonard Cohen exhibition A Crack in Everything at the Contemporary Art Museum of Montréal, currently showing at The Jewish Museum in New York before opening at the Contemporary Jewish Museum in San Francisco in September 2020. He was invited by Robert Smith to perform at his Meltdown Festival at the Southbank Centre in 2018, followed by the David Lynch-curated Manchester International Festival alongside Anna Calvi in 2019.

Dare’s music speaks of his own experiences of universal themes like love, loss, and childhood. Perhaps most importantly, his music gives a voice and a sanctuary to anyone who’s ever felt unusual or out of place. Whether he’s singing of the pain of those in the Magdalene Laundries as on Whelm, describing coming out to his parents on Aforger, or processing his own childhood isolation on Milkteeth, Dare has a graceful honesty and an abiding clarity of vision in his simple and distinctive sound.


T I C K E T S: sind bei tixforgigs.com (bitly-Link) sowie bei CULTON im Peterssteinweg 9 erhältlich! Bereits erworbene Tickets zu den beiden "alten" Terminen behalten Ihre Gültigkeit, werden aber bei Bedarf auch erstattet.

Die derzeit in London lebende Dana Gavanski ist eine serbisch-kanadische Musikerin. “Yesterday Is Gone" heißt das im März erscheinende Debütalbum von Dana, welchem die Singles "One By One" und das von BBC 6 Music top gelisteten „Catch" vorausgegangen sind. Das Album wurde von Dana, dem in Toronto lebenden Musiker Sam Gleason und Mike Lindsay (Tunng und LUMP mit Laura Marling) co-produziert.

Während Sam ihr dabei half die richtigen Melodien herauszuholen, markierte der Input von Mike den Beginn der Entwicklung von Danas eigenem Sound. Gemeinsam reduzierten sie die Songs auf das Wesentliche, beließen sie puristisch — sie sollten möglichst für sich selbst sprechen. Das Album veränderte sich fortan, während es durch die Hände von Dana, Sam und Mike ging; es wurde geformt von ihren unterschiedlichen Geschmäckern, Gefühlen und Visionen. Und als Dana begann, die Songs mit Band zu performen, fanden sie wieder eine neue Form. Denn ihre Faszination gilt Künstlern wie David Bowie und Aldous Harding, die auf der Bühne verschiedene Persönlichkeiten ausleben und sich auch körperlich von ihrer Musik leiten lassen. „Yesterday Is Gone“ ist gleichsam Trennungsalbum, Projekt der Neugier und, wie Dana es ausdrückt, "eine Abrechnung mit mir selbst“. Ein Album der Sehnsucht und Hingabe, das sich aus dem Lernen über sich selbst ergibt: Grenzen überschreiten, hart fallen und wieder aufstehen. Musikalisch heißt das: Momente der Verführung zersplittern vor einer Kulisse aus zart ausgewählten Gitarren-, Bass-, Synthesizer- und Pop-Elementen, die zusammen ihre eigene Klangwand erzeugen. Jede Komponente ist sorgfältig platziert und liefert eine zutiefst aufrichtige Antwort auf das Chaos menschlicher Emotionen.


T I C K E T S: gibt`s online bie tixforgigs! Folgt dem Link unter dem Bild.

Ersatztermin // ursprünglich geplant für 30.04.21 - dafür gekaufte Karten sind weiterhin gültig und müssen nicht umgetauscht werden.

(...) Was tun, wenn man als Band einen wirklich unverwechselbaren und unverkennbaren signature sound entwickelt hat, das einmal erreichte Niveau halten, sich aber nicht wiederholen will? Die Lösung heißt Haltung und meint Arbeit. Arbeit im Studio. Beharren. Verwerfen. Arbeiten an Feinheiten. Präzision. Sorgfältiges Arrangieren. Experimentelle Orchestrierung bei begrenztem Instrumentarium. Vielleicht mal Gesang? Vielleicht eine von Mike Patton gesungene Version eines Warlock-Songs? Ein radikaler Stilwechsel ist mit Bohren – soll man sagen: zum Glück? - nicht zu machen.

Was schließlich veröffentlicht wird, muss dem Trio im hochsensiblen Bereich zwingend erscheinen. Mit „Bohren goes Country“ oder „Bohren plays 20 Jazz-Funk-Greats“ ist folglich nicht zu rechnen. Gucken wir mal! Etwas mehr als fünf Jahre nach „Piano Nights“ und etwas mehr als 11 Jahre nach „Dolores“ veröffentlichen Bohren & Der Club of Gore ihr nunmehr achtes Studioalbum. Es trägt den ambivalent-verführerischen Titel „Patchouli Blue“ und enthält für die Band ungewöhnlich viele, nämlich 11 Tracks.

Die Spieldauer dieser 11 Tracks hält sich dagegen im üblichen Rahmen einer guten Stunde, was natürlich auch impliziert, dass der spezifische Bohren-Vibe einer Auskostung von erhabener Langsamkeit innerhalb kürzerer Zeit etabliert werden muss, um seine ganze Schönheit zu entfalten. Alles wie gehabt also? Eher die Fortschreibung des über Jahrzehnte erarbeitete Level an Verbindlichkeit, das Nuancen produktiv zu machen versteht. (...)
Je nach Temperament des Zuhörers braucht es vielleicht zweimal vier Töne oder vielleicht doch noch zweieinhalb Minuten, um zu signalisieren: Du befindest dich auf Bohren-Terrain, rechne ab jetzt mit allem! Aber schon der Einsatz der Orgel ist schlicht zum in die Knie gehen, und das Saxophon lenkt dann die behutsam entwickelte Spannung in eine Landschaft, in der man eine Begegnung mit Jan Garbarek nicht mehr ausschließen mag. Es folgen immer weitere Überraschungen. Nicht zu rechnen ist zum Beispiel mit einem echten Hit wie „Deine Kusine“, der geradezu strahlt vor Lichtheit. Oder, gleich darauf, „Vergessen und vorbei“, der mit Rhythmusmaschine und analogem Synthesizer wie der Soundtrack zu dem John Carpenter-Film klingt, den der zu drehen vergessen hat. Oder die ironisch-unironischen Jazz-Referenzen von „Sollen es doch alle wissen“. Oder diese präzise hindrapierte Melancholie von „Tief gesunken“.

Fragt man die Band, dann eignet „Patchouli Blue“ das Mischungsverhältnis: Vier Teile „Bohren klassisch“, drei Teile „Seltsam“ und vier Teile „Jazz-Schleicher“. (...) Toll auch, sich von den Titeln her das Album als eine Schlagerplatte vorzustellen. Die eine Hälfte „heile Welt“, die andere Hälfte „Abgrund“. Das eine nicht zu haben ohne das andere. Und dazwischen dann der Titeltrack „Patchouli Blue“. Noch nie hatte Bohren einen Titeltrack! Und dieser weist zurück in die Indienläden der 1970er Jahre mit ihren schweren Düften. Wozu dann die ganzen
Moog-Synthies ganz gut passen, die mal im Hintergrund, mal im Vordergrund wesen. Man sieht: die 11 Klangskulpturen, die Bohren in harter und disziplinierter Arbeit gewissenhaft von jeder überflüssigen Schlacke befreit haben, bieten reichlich Stoff für akustische Entdeckungsfahrten. Jetzt gilt es indes, die Stücke für anstehende Live-Performances zu proben, damit sie auch im Club diese Dichte, Intensität und das Zwingende haben, das ihnen im Studio abgerungen wurde. Denn eines ist mal klar, „Horror-Jazz“ hin oder her, Bohren ist die muckende Jazz-Attitüde des „heute so, morgen so“ wesensfremd. Hier gilt: SO MUSS DAS SEIN. So melancholisch Bohren auch klingen, die Haltung dahinter darf man durchaus als kämpferisch bezeichnen. (Ulrich Kriest, November 2019)

+++Tickets, die für das Konzert am 02.11.21 gekauft worden sind, sind auch für den neuen Termin gültig.+++

Seit Anfang der 1990er-Jahre ist der Seattle Singer-Songwriter Damien Jurado, Jahrgang 1972, als Musiker aktiv. In diesen Jahren veröffentlichte er auf diversen Labels (u.a. SubPop und Secretly Canadian) neben den Studioalben zahlreiche EPs, Singles und Kollaborationen mit befreundeten Musikern. Mit dem neuesten Kapitel "The Monster Who Hated Pennsylvania" fügt Jurado seinem Œuvre die erste Veröffentlichung auf seinem eigenen, neu gegründeten Label Maraqopa Records hinzu. Das Album erscheint am 14. Mai 2021 und ist sein 17. Studioalbum.

Düstere Szenerien und Geschichten des Zwielichts sind seit langem fester Bestandteil von Jurados Songs über Geister, Mörder, grausame Liebhaber oder den falschen Messias. Auf "The Monster Who Hated Pennsylvania" wirken die Inhalte mehr geerdet, fast schon aus dem Lebensalltag zitiert und von gewöhnlichen, aber nicht weniger gewaltigen Katastrophen gezeichnet: ein sich auf eine Stadt zubewegender Wirbelsturm, Amnesie, Krankheit oder belastete wie belastende Beziehungen.

Das Album besteht aus zehn intensiven Songs, die Geschichten von Menschen erzählen, die schlimmen Umständen trotzen. Das vom Künstler selbst produzierte Album gehört klanglich zu seinen exponiertesten Arbeiten. Einflüsse war der einzigartige Sound von Alben wie Lou Reeds "The Bells" oder Paul McCartneys "Ram".

T I C K E T S für 18 Euro zzgl. evtl. Gebühr gibt es ab Donnerstag, 04. März um 10 Uhr online bei tixforgigs und bei culton im Peterssteinweg 9. (cutly-Link unterm Bild)

Die US-amerikanisch-britische Band Still Corners ist im Wesentlichen ein Duo. Der Legende nach sollen sich die Engländerin Tessa Murray und der in Texas und Arizona aufgewachsene Greg Hughes an einem Bahnhof kennengelernt haben. Vermutlich hat es an dem Tag geregnet oder es war neblig. Danach klingen Still Corners zumindest seit ihrer Gründung vor gut zehn Jahren.

Dabei ist es vollkommen gleichgültig, ob diese gängigen Klischees nun tatsächlich auf das britische Klima zutreffen. Denn das symbolische Wetter, das zu Still Corners am besten passt, ist eben Nieselregen an einem lau-kühlen Tag. Diese Eigenschaft teilen sie mit traurig-eleganten Bands wie Saint Etienne und Everything But The Girl. Auch die können singen, worüber sie wollen – doch selbst beim fröhlichsten Popsong schimmert bei ihnen im Knopfloch eine Träne. In Still Corners‘ neuem Song „Crying“ oszilliert ein 80s-Synth leicht verstimmt und holt damit die hoffnungsvollen Gitarrenharmonien auf den unsicheren Boden der melancholischen Wirklichkeit zurück.

Das Album „The Last Exit“ von Still Corners erschien im Januar 2021 beim Label Wrecking Light Records. (ByteFM)


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Inmitten der Sahara, unter dem klarsten und atemberaubendsten Sternenhimmel, den man sich vorstellen kann, entsteht der aufregendste Wüstenrock dieser Zeit. Gitarrist und Songwriter Mdou Moctar lebt hier in einer Stadt in der Abgeschiedenheit der gigantischen Wüste. Dort entstanden auch Teile seines neuen Albums „Afrique Victime“. Moctar, der schon häufig als der afrikanische Jimi Hendrix bezeichnet wurde, ließ sich für sein neues Album aber von einem anderen Vorbild inspirieren: Eddie Van Halen. Er erlernte Van Halens typische Gitarrentechniken und kombinierte diese mit den traditionellen Melodien der Tuareg, der Musik seiner Heimat.

Mdou Moctar lebt in Agadez im Niger, einer eher ländlichen Gegend, die wie eine kleine Oase mitten in der Sahara wirkt. Seine Musik hat ihn schnell in West-Afrika zu einer echten Berühmtheit werden lassen. Verbreitet haben sich seine Sounds dort jedoch nicht durch das Internet oder Social Media, sondern über die Speicherkarten aus Mobiltelefonen, die wie Tapes weitergegeben und getauscht werden und so wie analog-digitales Lauffeuer durch das Land gehen. Als Produzent, Songwriter und Gitarrist wurde Mdou Moctar zusammen mit seinem Bandmitglied Ahmoudou Madassane so schnell zu einem Vorbild einer neuen Generation von afrikanischen Musikern, die Rockmusik mit traditionellen Klängen verschmelzen lassen. Sie verhalfen u.a. der Tuareg-Band Les Filles De Illighadad zu ihrem Debüt-Album, was eine kleine gesellschaftliche Sensation war, schließlich wurde die Band von einer Frau angeführt.

Den internationalen Durchbruch schaffte Mdou Moctar 2019 mit dem Album „Ilana: The Creator“, das auf dem kleinen Label Sahel Sounds erschienen ist. Mit seiner vierköpfigen Band reiste Moctar anschließend durch die Welt und wurde schnell zum inoffiziellen Botschafter seines Landes. Ein Highlight waren dabei die Support-Shows für Tame Imapala.

Ein Großteil des neuen Albums „Afrique Victime“ entstand auf drei Kontinenten in Studios, Hotelzimmern, billigen Appartements sowie Backstage-Räumen, während der Feinschliff in seiner Heimat erfolgte. Neben Moctar gehört Gitarrist Ahmoudou Madassane zur Band, der ihn schon seit 2008 auf seiner abenteuerlichen Reise begleitet. Das jüngste Mitglied ist Drummer Souleymane Ibrahim, der im Niger kein Unbekannter ist, schließlich ist er ein fester Bestandteil der bekanntesten Hochzeitskapelle des Landes. Mikey Coltun ist der Bassist und Produzent der Band. Er lebt in Brooklyn und muss sich für Aufnahmen und Proben stets auf eine wahre Odyssee begeben. Zuerst fliegt er über 20 Stunden von New York in den Niger, um anschließend 28 Stunden im Bus über Buckelpisten nach Agadez zu gelangen. Mikey spielte über 500 Shows auf drei Kontinenten mit Mdou Moctar und war dabei nicht nur Bassist, sondern auch Tourmanager, Produzent, Soundtechniker und vor allem ein guter Freund.

Waren die Songs auf dem Vorgänger Album „Illana“ eher an 70s-Rock von ZZ-Top und Black Sabbath angelehnt, so klingt „Afrique Victime“ nach Van Halen meets Black Flag meets Black Uhuru. Hypnotische Gitarren treffen auf den betörenden Klang der Tuareg-Musik, arrangiert von musikalischen Brückenbauern der Kulturen und Punks der Weltmusik-Szene. Für Bassist Coltun ist der Sound der Platte eine logische Folge, schließlich erinnern ihn die Hochzeitsfeiern in Niger an klassische Punk-Shows: „In Agadez the music and feeling at Tuareg weddings is exactly like the best of Western DIY/Punk shows. It's loud, energetic and powerful. There is a sense of everyone helping out. Tuaregs are a tight community. If you're Tuareg you're considered family.”


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Konzerte? Man erinnert sich dunkel. Mehr als 2 Personen aus 2 Haushalten? Klingt irgendwie verrückt. Doch die jüngsten Entwicklungen rund um die Impfung geben Grund zur Hoffnung, dass diese tristen Zeiten wohl bald vorbei sind. Und mit den neu fixierten Tourterminen ist auch die Euphorie der österreichischen Newcomerin AVEC groß, die nichts lieber tut, als auf der Bühne zu stehen.

Die Oberösterreichische Sängerin Miriam Hufnagl alias Avec hat letztes Jahr ihr wundervolles Album „Homesick“ veröffentlicht. Darauf thematisiert sie auch immer wieder ihre psychischen Belastungen und verarbeitet diese in tiefgründigen und auch hoffnungsvollen Songs. Im Mittelpunkt steht noch immer diese spezielle, aber schöne Stimme, die gelegentlich an Elena Tonra (Daughter) und Nanna Bryndis Hilmarsdóttir (Of Monsters And Men) erinnert.

2019 nahm Avec nach mehreren Nominierungen endlich auch ihren ersten Amadeus-Award in der Kategorie Alternative, den Music Moves Europe Talent Award (Singer/Songwriter) und den Hubert von Goisern Kulturpreis mit nachhause.


T I C K E T S: sind ab sofort an allen bekannten Vorverkaufsstellen erhältlich.

Das hatten wir doch schon, das war doch schon mal da…Getarnt wurde die Veranstaltung als Geburtstagsfeier: Es wurden Postkarten als Einladungen in alle Himmelsrichtungen verschickt. Mit den schillerndsten Lebensmittelfarben aus dem Westen wurde das Essen eingefärbt. Aus den Fässern floss grünes Bier. Die Musik wummerte sich durch die selbstgebaute Verstärkeranlage.

Vor genau 36 Jahren fand das erste Punkkonzert im Mockauer Keller statt. Im Frühjahr 1985 waren die Punks um die Band L’Attentat auf der Suche nach eigenen Räumen und einer Möglichkeit, sich zu treffen. In der Kieler Straße 51 bei der Offenen Arbeit der dortigen Kirche wurden sie schließlich fündig. Die Kellerräume bildeten von da an den festen Punk- und Oppositionstreff in Leipzig. Bis 1989 gab es regelmäßig Konzerte, Theater, Infoabende und Kaffeetreffs. Nach Auseinandersetzungen mit dem dortigen Diakon war der Keller ab 1986 die einzige freie Offene Arbeit der DDR ohne kirchlichen Vormund. Sozusagen eine „Autonome Arbeit“.

Den musikalischen Rahmen dieses ersten Konzertes bildeten L’Attentat aus Leipzig, Paranoia aus Dresden und Namenlos aus Berlin. Für die Musiker hatte es eine besondere Bedeutung: Für L’Attentats Sänger Stracke war es der letzte Auftritt mit der Band. Kurz danach wurde er verhaftet und nach einem Jahr Knast in den Westen abgeschoben. Namenlos erschienen nur zu zweit. Jana und A-Micha kamen gerade aus der einjährigen Haft, zu der sie aufgrund ihrer Songtexte verurteilt worden waren. Trotzig spielten sie ihre Songs gemeinsam mit Imad und Ratte von L’Attentat. Für Paranoia war der Auftritt einer der Letzten vor ihrer Auflösung und der Verhaftung zweier Bandmitglieder.

Heute wird zum 35-jährigen Jubiläum an dieses erste Konzert im Mockauer Keller erinnert. Mit bunt gefärbtem Essen, guter Musik und jeder Menge Fotos. L’Attentat und Paranoia spielen zum Tanz auf. Wer diesmal von Namenlos den Weg nach Leipzig findet, bleibt abzuwarten. Musikalische Überraschungen mit geladenen Gästen und befreundeten Musikern sind gewiss. Lasst euch überraschen!

Die Aftershowparty findet im Anschluss im Zoro statt. Das Konzert ist ebenfalls die Record Release Party zur Neuerscheinung des legendären L’Attentat-Konzerts von 2014 auf LP. Fett gemischt und gemastert! Die Scheibe erscheint mit DVD, dickem Beiheft, Downloadcode und Sprühschablone.


T I C K E T S: Die Veranstaltung ist leider komplett ausverkauft - es wird keine Abendkasse geben!

RUSSIAN CIRCLES (USA)
Russian Circles named their 2016 album Guidance in reference to the uncertainty of the future. It was a fitting title for the times, with the album coming out a few months before America’s tumultuous presidential election, but it was intended more as a reference to the band’s own absence of a blueprint as they navigated their second decade as a band than as a social commentary. If there were questions as to how to move forward as a musical unit or individual doubts as to how to continue toiling as artists in the underground, the three years of relentless touring on the album only served to reinforce the Sisyphean struggle of artists. With their latest album Blood Year, Russian Circles forsake the sonic crossroads of divergent musical paths found on albums like Guidance and Memorial to offer up the most direct and forceful collection of songs in their discography.

TICKETS: bekommt Ihr vorerst nur online bei Tixforgigs - folgt dem Link unter dem Bild!

Vorschoben vom 15.06.2021

Im OMschen Universum vergeht die Zeit nicht. Sie zergeht. Ob zwei, zwölf oder zwanzig Minuten dahinsiechen – die Grenzen verwischen. OM sind wie ein Pendel mit Hypnosegarantie. Die Rhythmen sind verschleppt, als drücke eine gewaltige Umwälzpumpe bleiernes Blut durch die Arterien von Drummer Emil Amos. Hinzukommen die sturen, gern fuzz-belegten Zeitlupenfiguren, die schmiegsamen Akkorde und das kehlige und gebetshafte Raunen und Seufzen von Bassist und Sänger Al Cisnero. Mittlerweile scheint Tyler Trotter (Watter) mit elektronischen Effekten und gelegentlicher Gitarrenarbeit OM als Vollzeitmitglied zu ergänzen. Das ergibt letztlich keine heiteren Dreiminüter, aber kürzere Monolithen als „Dopesmoker“ von Sleep, aus denen OM hervorging.
Die Naturgewalt von OM entfaltet sich natürlich am besten beim Konzert, wenn Brummen und Dröhnen so machtvoll auf den Körper einstürzen, bis er gänzlich davon vollgesogen ist.

T I C K E T S gibt es bei Culton Ticket im Peterssteinweg 9 und online bei TixforGigs (cutly-Link unterm Bild). Bereits gekaufte Tickets behalten ihre Gültigkeit.

+++ Nachholtermin. Tickets für die für im Dezember 2020 und Juli 2021 geplanten Shows bleiben gültig +++ Tickets already been purchased for the shows in December 2020 and July 2021 stay valid +++


Atlanta originals Black Lips join forces with Fire Records for a new album ‘Sing In A World That’s Falling Apart’ out 24th January via Fire Records/Vice

Boasting an unapologetic southern-fried twang, the twelve track collection marks the quintet’s most pronounced dalliance with country music yet, with a clang and harmony that is unmistakably the inimitable sound and feel of the Black Lips. While the songcraft and playing is more sophisticated, Black Lips were determined to return to the raw sound roots that marked their early efforts. Recorded and co-produced with Nic Jodoin at Laurel Canyon’s legendary, newly reopened Valentine Recording Studios (which played host to Beach Boys and Bing Crosby before shuttering in 1979) without Pro-Tools and other contemporary technology, the band banged the album out directly to tape quickly and cheaply, resulting in their grimiest, most dangerous, and best collection of songs since the aughts.

The band’s stylistic evolution and matured approach to musicianship and writing is, in part, due to the seismic line-up shifts they have undergone over the last half decade. Worn down after a decade of prolific touring and recording, longtime guitarist Ian St Pé left the group in 2014, followed shortly thereafter by original drummer Joe Bradley. Jeweller/actress (and now Gucci muse) Zumi Rosow, whose sax skronk, flamboyant style, and wild stage presence had augmented the team before the duo’s departure, assumed a bigger writing and performance role in their absence.

Soon drummer Oakley Munson from The Witnesses brought a new backbeat and unique backing vocal harmony into the fold. Last year the quintet was rounded out by guitarist Jeff Clarke of Demon’s Claws. The newly forged partnership, all of whom collaborate as songwriters, vocalists, and instrumentalists, has breathed new life into their sound. The result is akin to the radiance of the impulsive, wild nights where you find yourself two-stepping into the unknown.


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Neuer Termin - Tickets, die für den 03.05.2021 gekauft worden sind behalten Ihre Gültigkeit!

Schwarzmetallische Extreme und Psychedelischer Wahnsinn - Oranssi Pazuzu spendieren ihrer Hörerschaft eine kosmische Reise, die Perspektive und Bewusstsein erweitert und vollständig mitreißt; das einzige Ziel - die Unendlichkeit. Elemente aus Soundtrack, Post Rock, Kraut Rock und Black Metal kombiniert das Norwegische Quintet zu obscuren Klangcollagen, welche die Grenzen des Menschlichen Verstandes immer wieder neu ausloten. Mit neuem Album im Gepäck beehren uns Oranssi Pazuzu auf der imposanten Bühne des UT Connewitz um uns an dieser musikalischen Grenzerfahrung teilhaben zu lassen.


T I C K E T S: gibt es online bei tixforgigs (bitly Link unter`m Bild) sowie an den üblichen Vorverkaufsstellen!

𝐏𝐚𝐥𝐥𝐛𝐞𝐚𝐫𝐞𝐫 sind mit ihrem neuen Album Forgotten Days zurück. Der vierte Longplayer des Quartetts, der sorgfältig über das Jahr 2019 verteilt wurde, verzichtet auf den kompositorischen Maximalismus, der den Vorgänger Heartless in die Höhe hob, und bietet stattdessen den härtesten Groove und die eindringlichsten Hooks, die die Band aus Arkansas bisher hervorgebracht hat. Auf "Forgotten Days", das sich über acht gewaltige Tracks erstreckt, besinnen sich Pallbearer wieder auf ihre Wurzeln, aber diesmal mit einem doomigen, metallischen Funken, der ansteckend und transzendent ist. In der Tat ist dieses Album alles, was ein Pallbearer-Fan lieben könnte. Es ist eine rohe und fesselnde Entwicklung, voller Emotionen und der einzigartigen, niedergeschlagenen Ausgelassenheit, die die Karriere der Band geprägt hat.

𝐄𝐥𝐝𝐞𝐫 ist eine genreübergreifende Rockband, die schwere psychedelische Klänge mit progressiven Elementen und suggestiven Klanglandschaften verbindet. Gegründet in einer kleinen Küstenstadt in Massachusetts Mitte der achtziger Jahre, hat die Band ihren Sound im Laufe von fünf Alben neu erfunden und sich von einer festen Größe in der Stoner/Doom-Szene zu einer der einzigartigsten Stimmen im Rock-Underground entwickelt. Ihre groß angelegten Kompositionen entfalten sich wie Reisen, bei denen sie innerhalb eines einzigen Songs die ganze Bandbreite der Stile von den 70ern bis zur Gegenwart abdecken, mit einer Vorliebe für "schiere Gatefold-Ära-Grandezza" (Rolling Stone).

𝐈𝐫𝐢𝐬𝐭. Ein Wort, das kein Wort ist. Es enthält jedoch Wörter - Rist, Iris und Stir -, die nicht nur eine schwere Bedeutung haben, sondern auch mächtige Beschreibungen sind, die das grenzenlose Potenzial der neuesten und hellsten Hoffnung des extremen Metal definieren. Rist bedeutet, eine Rune (oder ein Symbol) in Stein zu meißeln. Das Konzept von Dauerhaftigkeit und Langlebigkeit ist auf dem Debütalbum Order of the Mind von Irist allgegenwärtig. Das kürzlich gegründete Quintett hat in der Tat ein Debüt geschaffen, das die Zeit überdauern wird. Eine Iris kann sich auf einen Mechanismus beziehen, der den Lichteinfall kontrolliert, oder auf eine Blume, die seit jeher für Mut und Weisheit steht. Drei der fünf Mitglieder von Irist, die aus ihrer südamerikanischen Heimat nach Atlanta gereist sind, um dort zu leben und eine Band zu gründen, haben tatsächlich nichts als Mut bewiesen. To stir ist rein musikalisch. Die Singles "Burning Sage", "Creation" und "Severed" sind von schweren Emotionen durchdrungen, die über die fünf Jahre hinausgehen, die die Band bereits zusammen ist. Als Repräsentant zeitgenössischer Angst und altmodischer Aggression ist "Order of the Mind" aus genau denselben Dingen geschnitzt, die Sepulturas "Chaos A.D.", Machine Heads "Burn My Eyes", Mastodons "Crack the Skye" und Gojiras "The Way of All Flesh" so zeitlos und unbändig großartig machten. Kurzum, Irists Debüt Order of the Mind ist ein Muss.


T I C K E T S. bekommt Ihr online sowie bei CULTON im Peterssteinweg 9.

--> Verlegt vom 05.03.21 & 15.10.21.<--
+ Tickets bleiben gültig.+

Mit seinem mittlerweile 8. Album als Singer/Songwriter bricht JULES AHOI erneut mit
vorrangegangen Konventionen und liefert ein Album, welches situationsbedingt in kompletter Eigenregie im eigens dafür eingerichteten Tonstudio in dem Wohnzimmer seiner Wohnung in Köln entstand. Auf dem 10 Song starken, selbstbetitelten Werk lässt der 32-jährige Künstler tief blicken – in ein Leben, das seit nun mehr als 20 Jahren von Musik bestimmt ist; in Brüche mit Freunden und Familie; Depressionen und das Zurückfinden in eine Gesellschaft, von der man kein Teil mehr zu sein scheint. Wieder einmal schafft es JULES AHOI, schwierige, höchstpersönliche Themen lyrisch und poetisch zu verarbeiten, seinen Stil weiterzuentwickeln, diesem neues Leben einzuhauchen und dabei doch nie ganz den Pfad zu verlassen, für den JULES AHOIs Musik bekannt ist – avantgardistischer Indiefolk, der seine Hörer*innen dazu verleitet, die Koffer zu packen und weit weg zu fahren.

Dass JULES AHOI weder dem Album noch der Tour einen eigenständigen Namen gibt, hat einfache Gründe: „Ich möchte weder Inhalt, noch Rahmen und keinerlei Assoziationen vorweg nehmen, sondern den Hörer*innen die Möglichkeit geben, sich einzig auf den Inhalt zu konzentrieren. In einer Welt in der es oft scheint, als würde nur noch das Augenscheinliche zählen, halte ich es für wichtig, sich zurück zu besinnen auf das, was sich hinter der Oberfläche befindet – das Unbekannte, Neue, Selbstentdeckte ist es, was mich interessiert, was mich dazu verleitet, Musik zu machen. Denn auch ich selbst finde erst beim Schreiben heraus, wohin die Musik mich trägt.


T I C K E T S: bekommt Ihr online bei den üblichen Versendern!

+++ Bereits gekaufte Tickets aus 2020 und 2021 sind auch für diesen Termin gültig +++

Mudhoney: Das ewige Schattenkind der Seattle-Szene? Vorreiter in Sachen Flanell-Hemden und beinahe väterliche Inspiration für spätere Superstars der Marke Nirvana. Und wie üblich teilen sie auch das Schicksal einer richtungsweisenden Band, die nie den Sprung aus dem Underground-Wasser geschafft hat und selbst in größten Hype-Zeiten nur bedingt von ihrer Vorreiter-Rolle profitierte.

Ob Mudhoney den großen Ruhm überhaupt wollten, ist zweifelhaft. Dazu sind die Urgesteine doch viel zu sehr in ihrem Punkrock-Lifestyle verwurzelt und wie Sänger Mark Arm selbst zugibt, viel zu unmotiviert. Zusammen mit den Melvins aus Washington gelten als Pioniere einer Sound-Mixtur, die die Punk-Attitüde und das schlechte Beherrschen der Instrumente mit dunklen Heavy Metal-Sounds vereint, und welche später unter dem Namen Grunge in die Musikgeschichte eingehen wird.

Es geht also mal wieder zurück in die Vergangenheit, direkt rein in die Abteilung: alte Helden revisited, alte Helden machen immer weiter, alte Helden sind immer noch gut. Übrig geblieben sind aus der Zeit sonst nur noch Pearl Jam, ein Mutant namens Alice in Chains und die eben einfach nicht kaputtbaren Mudhoney als ewige Semi-Underdogs einer Musikrichtung, die nach Rock’n’Roll und Legende riecht. Mark Arm und Steve Turner auch dreißig Jahre nach Bandgründung immer noch ein Live-Erlebnis. Mittlerweile nicht nur um sich zu Fuzzgitarren und kreischenden Vocals zu betrinken, sondern auch als Geschichtsstunde in Sachen Rock – und wie man ihn überlebt.

All Them Witches bieten eine schöne Atempause von all dem Chaos, das in der Welt vor sich geht. Die Rocker aus Nashville haben am 04.09.2020 ihr neues Album mit dem Titel NOTHING AS THE IDEAL veröffentlicht. Das Werk wurde in den legendären Abbey Road Studios in London aufgenommen, wo unter anderem The Beatles den Großteil ihres Katalogs eingespielt haben.

„Auf ihrem sechsten Album übertrifft sich die schwerlich in nur eine Schublade steckbare Band aus Nashville, die sich sowohl im Blues, Psychedelic und Stoner Rock als auch im amerikanischen Roots-Seg­ment gleichermaßen wohlfühlt, selbst. NOTHING AS THE IDEAL ist nichts weniger als das bis dato stimmigste, rundeste und ausformulierteste All Them Witches-Werk.

Und das, obwohl die inzwischen zum Trio geschrumpfte Band fortan auf einen festen Keyboarder verzichtet. Hat einen bereits das höchst eingängige Motiv des eröffnenden ‘Saturnine & Iron Jaw’ am Haken, flirtet ‘Enemy Of My Enemy’ mit Placebo, Queens Of The Stone Age und Mastodon und wirkt das mittelalterlich anmutende, aristokratisch perlende Instrumental ‘Everest’ wie eine Verbeugung vor ­Aftermaths ‘Lady Jane’.“ (Frank Thießies, METAL HAMMER)


T I C K E T S: sind allen bekannten Vorverkaufsstellen erhältlich.

In Post Black Metal -Kreisen sind Gilles Demolder (Gitarre), Wim Coppers (Drums) und Levy Seynaeve (Gitarre, Gesang) keine Unbekannten. Alle drei spielen bei Oathbreaker, Seynaeves außerdem auch noch bei Amenra. Abseits dieser Aushängeschilder belgischer Untergrund-Finesse bereichern sie die ländliche Szene aber noch mit einer weiteren Combo: Wiegedood. Die Ursprungs-Geschichte der Band ist tragisch. Entstand sie 2014 doch als direkte Reaktion auf den Tod eines Freundes Coppers’: Florent Pevée. Diesem widmen sie die Albumtrilogie “De Doden Hebben Het Goed” (zu Deutsch: “Die Toten Haben Es Gut“). “Das ist unsere Weise, ihn zu ehren“, erklären die Musiker. “Er war ein großartiger Musiker und starb im Alter von nur 21 Jahren. Es liegt in unserer Natur, verzweifelt an Menschen und Dingen festzuhalten, die wir lieben.

Nun haben sie mit “There’s Always Blood At The End Of The Road” ihr viertes Studioalbum via Century Media veröffentlicht, welches sich auf die schmutzigsten und ekelhaftesten Seiten der menschlichen Natur und der Gesellschaft konzentriert. Es entfernt sich von den typischen Black-Metal-Themen und -Konzepten und konzentriert sich stattdessen auf den Kampf, den wir in unserem Inneren führen, indem wir versuchen, die Tatsache zu überwinden, dass wir alle aus demselben Dreck gemacht sind. Sowohl textlich als auch musikalisch werden Orte erforscht, an denen die vorherige Trilogie nicht einmal an der Oberfläche kratzte. Ein Blick aus erster Hand in den puren Ekel, ein psychotischer Ritt mit Synthesizern, Taperecorder, Gypsy Jazz und verstörenden Samples. Eine eindeutige Abkehr von ihren früheren Arbeiten, eine dunkle Wendung zu etwas Unerwartetem und Unerwünschtem.


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