Die Sounds, Songs und Passagen auf Power Sucker sind der Grund dafür, dass Young Widows nach einer 11-jährigen Schaffenspause immer noch eine Band sind - sie sind nach wie vor Meister darin, Musik zu machen, die sowohl klanglich als auch emotional gewichtig ist.
Young Widows haben mit ihrer einzigartigen Collage aus Noise-Rock, Hardcore und Post-Punk eine Vielzahl von Underground-Künstlern auf der ganzen Welt inspiriert. Der Young Widows-Sound - oder besser gesagt, das Young Widows-Gefühl - ist auf ihrem fünften Studioalbum in voller Fahrt. Die Härte von Power Sucker ist nicht mysteriös. Das Power-Trio aus Louisville, Kentucky, spielt seine einzelnen Parts mit einer solchen Präzision und einem solchen Stil, dass jedes einzelne Teil, sobald es zusammengefügt ist, zu einem integralen Bestandteil des Puzzles wird. Die brutzelnden Gitarren, der knurrende Bass und das knallharte Schlagzeug zerreißen das Pflaster, das Young Widows zuvor gelegt haben, um die vorwärtsdrängendsten Gesangsarrangements ihrer nunmehr zwei Jahrzehnte währenden Karriere zu ermöglichen. Abgesehen von den historischen Errungenschaften hat Power Sucker den Schock und das Wunder des Debütalbums einer neuen Band. Schließlich haben sich hier drei leidenschaftliche Lebenskünstler zusammengefunden, die ihre unsterbliche Liebe für die Kunst des Klangs erneut teilen. Niemand und nichts kann ihnen diese Kraft nehmen.

Seit zwei Jahrzehnten beschäftigt sich Liam Andrews intensiv mit verstärkter Musik – sowohl mit der experimentellen Post-Punk-Gruppe MY DISCO als auch als Teil des Duos EROS, zusammen mit Karl O’Connor (Regis, Sandwell District) und Boris Wilsdorf (Einstürzende Neubauten).
Seine jüngsten Arbeiten als AICHER konzentrieren sich auf die Umdeutung von Nebengeräuschen in Raumaufnahmen. Im Rahmen der atonalen und monochromatischen Ästhetik, zu der er sich hingezogen fühlt, und unter Rückgriff auf einen umfangreichen Katalog an aufgezeichnetem

„Tektonische Klangplatten werden in einem strukturellen Stresstest, der sich anfühlt wie eine Ölplattform in Aktion, die im Hafen verschrottet wurde, an einen extrem kritischen Punkt getrieben.“ (Boomkat, Nov. 2025).



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Fink melden sich zurück mit "The City Is Coming to Erase It All" – dem neunten Studioalbum, aufgenommen in Cornwall nach einem streng epoche-spezifischen 70s-Ansatz. Dark, warm, neugierig: ein Album für alle, die Musik wie ein Abenteuer erleben wollen - von der ersten bis zur letzten Note. Nach unzähligen Touren durch Europa spielen Fink ihre neuen Songs live mit der gleichen Leidenschaft wie damals, als sie noch 18 waren.


T I C K E T S bekommt Ihr direkt über die Webseite des Artists und an allen bekannten Vorverkaufsstellen!

Fink melden sich zurück mit "The City Is Coming to Erase It All" – dem neunten Studioalbum, aufgenommen in Cornwall nach einem streng epoche-spezifischen 70s-Ansatz. Dark, warm, neugierig: ein Album für alle, die Musik wie ein Abenteuer erleben wollen - von der ersten bis zur letzten Note. Nach unzähligen Touren durch Europa spielen Fink ihre neuen Songs live mit der gleichen Leidenschaft wie damals, als sie noch 18 waren.


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Auch 30 Jahre nach ihrer Gründung ist diese legendäre Band aus Istanbul nach wie vor der experimentellste Vertreter der vielbeachteten zeitgenössischen türkischen Psych-Rock-Szene, zu der Künstler *innen wie Altın Gün, Gaye Su Akyol, Lalalar and Derya Yıldırım & Grup Şimşek gehören.

BaBa ZuLa wurde von Levent Akman (spoons, percussions, machines, toys) und Murat Ertel (elektrische Saz und andere Saiteninstrumente, Gesang, Theremin) gegründet, die als wegweisende Klangpioniere gelten und eine weltweite Kult-Anhängerschaft aufgebaut haben und zu deren Fans Bands wie Einstürzende Neubauten, Can und Nick Cave & The Bad Seeds zählen. Das renommierte MOJO-Magazin beschrieb sie einst als „türkische Veteranen, die eine Verbindung zwischen Erkin Koray, Can und Mad Professor herstellen”.
BaBa ZuLa’s Songs sind pulsierende, hypnotische Tracks, die von türkischen Percussions, frickliger Elektronik, tiefen Bässen, einer elektrischer Saz getragen werden. Sie sind oft ein lebhaftes klangliches und politisches Statement einer Band, die uns weiterhin die Zukunft zeigt.

Apropos Zukunft. 2026 feiern BaBa ZuLa 30-jähriges Bandbestehen. Neben eines Best-Of-Albums wird es auch neue Songs geben. Und das Wichtigste: Eine große Europatour, um all das, was in den letzten 30 Jahren im Bandkontext passiert ist, mit euch gebührend zu feiern.


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Olicía ist die Band der beiden Sängerinnen und Multiinstrumentalistinnen Fama M’Boup und Anna-Lucia Rupp. Im Zentrum von Olicía stehen ihre beiden Stimmen. Sie teilen sich in die lead vocals hinein, schichten, harmonisieren, bilden Rhythmen über vocal percussion oder erweitern sich zu großen Chören. Die Instrumentierung reicht von Synths und geloopten Stimmfetzen bis zu Gitarre und Klarinette. Genregrenzen sind für Olicía immer schon fluide - fragile Folkmomente, pulsierender Pop, avantgardistischer Soul, Spoken Word, Jazz... Wobei die Musik von Olicía durch ihre ganz eigene Form der Entstehung über zwei synchronisierte Loopstations immer sanft futuristisch anmutet. Die Zwänge (und Längen) loopbasierter Musik scheinen die beiden dabei praktisch außer Kraft zu setzen und entwerfen mit Effizienz und Eleganz ganz direkte Songs, die ohne Backing Tracks auskommen und Raum für Improvisation und Zufall offenlassen.

2021 haben Olicía ihr Debütalbum „Liquid Lines“ veröffentlicht - ein Doppelalbum, das jeden darauf enthaltenen Song in zwei ganz unterschiedlichen Varianten gegenüberstellte. Seither erschienen auf ihrem eigenen Label o-cetera Soloalben (in June) und Bandprojekte (NOUK, cocotá). Sie waren Teil der Live-Besetzung von Sophie Hunger, haben Musik mit Dota Kehr und Kat Frankie veröffentlicht und einen Song zum Soundtrack des Regiedebüts von Robert Gwisdek (Käptn Peng), „Der Junge, dem die Welt gehört“, beigesteuert. In den Jahren 2023 und 2024 haben sie die Musik für zwei Multimedia-Performances von Jasmine Ellis Projects entwickelt und aufgeführt. Derzeit touren die beiden neben Olicía auch als Teil von Kat Frankies B O D I E S Kollektiv. Im November 2024 ist ihr zweites Album „Out of the Blue“ erscheinen. Während „Liquid Lines“ die Grenzen des einzelnen Songs ausgelotete, ist „Out of the Blue“ nun der Versuch, die eigene Kunstform ganz neu zu betrachten, die eigene Musik durch Dialog und Austausch mit anderen Kunstgattungen zu verbinden.

Fama M'Boup: Stimme, DrumPad, Asalato, Klavier, Synthesizer, Klarinette, Percussion
Anna-Lucia Rupp: Stimme, Pocketpiano, Synthbass, Gitarre, Klavier, Percussion

Mit ihrem Debütalbum „Hands / Trees“ konnte die Leipziger Indie-Folk-Band Almost Twins bereits große Wellen schlagen: mehrere Tourneen in ganz Deutschland, zahlreiche Platzierungen auf DSP-Playlists, internationale Radio-Plays und die Nominierung eines Musikvideos für den deutschen Preis für Popkultur. Zusammen mit dem Produzenten und Bassisten Alex Binder (Anna Erhard, Dota, Crucchi Gang, Anna Hauss), der bereits das erste Album der Band produzierte, haben sie nun ihre Follow-Up-Produktion „Visions“ aufgenommen (veröffentlicht im Januar 2026).

Auf der Suche nach klanglicher Erweiterung fand Sänger und Gitarrist Max Grüner, der Almost Twins ursprünglich als Soloprojekt konzipiert hatte, in seinen vier Bandkollegen eine fast zwillingshafte Verbundenheit. Laurenz Welten (Saxofon, Klarinette), Valentin Mühlberger (Wurlitzer, Synth), Raphael Schuster (Schlagzeug) und Arne Imig (E-Bass) interpretieren die Songs von Max auf eine Art, die seinen Emotionen den nötigen Ausdruck verleiht, ohne pathetisch zu sein. Warme Synth-Teppiche und kreisende Wurlitzer-Patterns vereinen sich mit verträumten Saxophon- und Klarinettenlinien und erschaffen einen Sound, der sich leicht anfühlt, ohne an Tiefgang zu verlieren, Ruhe ausstrahlt und es sich doch erlaubt, aus dieser auszubrechen. Ein Singer-Songwriter Traum, der an Erlend Øye (Kings of Convenience), José González oder This Is The Kit erinnert.


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Aus dem Hardcore-Underground von Duisburg direkt auf die großen Bühnen Europas: Slope liefern Heavy Grooves, rohe Aggression und 90s-Crossover-Vibes und landen damit irgendwo zwischen Funk, Hip-Hop, Grunge und kompromisslosem Hardcore.
Was in kleinen, chaotischen Clubs begann, ist längst zu einer explosiven Live-Macht gewachsen. 2026 drehen Slope mit dem kommenden Album "The Same Kids Just Louder" endgültig alles auf Anschlag


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Songs von Mar Malade sind wie Urlaub in Musik. Ursprünglich aus einer kleinen Alltagsflucht zweier Freunde entstanden, haben Mar Malade, bestehend aus Alexander Hauer und Michèl M. Almeida mittlerweile drei Alben „voller Sommer“ veröffentlicht und ihre Songs (u.a. »Mexico«, »Cabriolet«, »Jungle«) auf Konzertreisen durch Deutschland, Österreich und die Schweiz getragen.

Dabei präsentieren Mar Malade und ihre multi-instrumentale Liveband nicht nur ihre mal energetische, mal tänzelnde, mal nostalgische Musik in einer unbändigen Spielfreude (wie sie einem als Kind nur die Oma erlaubt hätte, aber die ist’s ja auch, die die klebrigsüße Marmelade kocht) - sondern auch den ein oder anderen unterhaltsam-kuriosen Moment zwischen den Liedern. Der Schlagzeuger liest aus der Lokalpresse und allen Steinböcken im Saal das Horoskop, Alexander singt mit dem Publikum den Wanderliedklassiker »Hejo, spann den Wagen an« oder Michèl irrt als »Sportsman« Helge-Schneider-artig pantomimend über die Bühne. So entsteht an jedem Abend einer Mar Malade-Tour ein eigener, gutgewärmter Raum voller Musik, Freude und gemeinsamen Momenten für und mit ihrem Publikum.


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Seit ihrer Gründung im Jahr 2002 stehen Wolves in the Throne Room für einen eigenständigen Zugang zum Black Metal, der Naturmystik, Spiritualität und klangliche Weite miteinander verbindet. Spätestens seit „Two Hunters“ hat sich die Band weltweit einen Ruf als Wegbereiter des sogenannten „Cascadian Black Metal“ erarbeitet – geprägt von epischen Songstrukturen, Ambient-Elementen und einer tiefen Verwurzelung in der Ästhetik nordamerikanischer Landschaften.

Begleitet werden sie von WORM, die mit ihrer einzigartigen Mischung aus Death Metal, Doom und finsterer Atmosphäre eine düstere, fast schon okkulte Klangwelt erschaffen. Schleppende Härte gepaart mit unheimlicher Tiefe und viel Epos, ihr letztes Album Necropalace hat Fans und Kritiker gleichermaßen begeistert und die Band vom Geheimtipp zur weltweiten Genregröße katapultiert.

Komplettiert wird das Line-up durch Final Dose aus Großbritannien, deren roher, punk-inspirierter Black Metal eine aggressive und zugleich nihilistische Energie entfaltet. Mit kompromisslosen Sounds und intensiven Live-Auftritten haben sie sich in kurzer Zeit einen Namen im Underground gemacht und liefern auf dieser Tour eine weitere Facette.


T I C K E T S: gibt es ab 04. Mai online via CTS.

Jozef Van Wissem ist Avantgarde-Komponist und Lautenspieler. Sein Instrument ist gleichzeitig altertümlich wie ungewöhnlich: die 24-saitige Laute. Sein minimalistisches Spiel des barocken Geräts gründet auf repetitiven Kompositionstechniken und zyklischen Melodien, Überlagerungen und Verfremdungen. Das Resultat wirkt merkwürdig aus der Zeit gefallen, zwischen den Genres pendelnd: nicht Barock und nicht Industrial, weder Neue Musik noch Improvisation. Und doch alles zusammen. Seine zeitlose Musik ist als hypnotisch, minimalistisch und eindringlich atmosphärisch beschrieben und verbindet Schönheit mit einer dunklen, meditativen Note. Seine Texte haben einen mythisch-christlichen Charakter und greifen Themen wie Liebe, Glaube und das Leben nach dem Tod auf, oft mit einem mantraartigen Charakter. Er schlägt eine Brücke zwischen klassischen Traditionen und modernen Klängen wie Drones, Elektronik, Feldaufnahmen und Gesang.

Er arbeitet regelmäßig mit dem Filmemacher und Musiker Jim Jarmusch zusammen, unter anderem am preisgekrönten Soundtrack zu „Only Lovers Left Alive“, für den Van Wissem 2013 den Soundtrack-Preis in Cannes gewann. Außerdem komponierte er die Musik für das Videospiel „Die Sims: Mittelalter“ (2011) und zahlreiche Filme.

Das neue Album „This Is My Blood“ (veröffentlicht im Mai 2026) wird von zwei filmisch-hypnotischen Stücken für Slide-Laute eingerahmt, die Erinnerungen an zeitgenössische, verlassene Landschaften aufrufen. Sie wurden improvisiert und für „Maquina“ komponiert, einen Film, den der Filmemacher Joaquim Pujol während eines psychedelischen Trips in der Wüste von Colorado gedreht hat. Sie erforschen die Dunkelheit der Gegenwart und setzen sich mit persönlichem Verlust auseinander.

The Quietus: "probably the most famous lutenist in the world”.

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Seit über drei Jahrzehnten gelten BORIS als eine der kompromisslosesten und zugleich wandlungsfähigsten Bands der experimentellen Heavy-Musik. Zwischen Drone, Noise, Doom, Psychedelic Rock, Punk und Shoegaze hat das japanische Trio einen einzigartigen Sound geschaffen, der weltweit Kultstatus genießt.
Mit „PINK“ veröffentlichten BORIS 2005 eines ihrer bis heute einflussreichsten und beliebtesten Alben – ein eruptives Meisterwerk zwischen Melodie und Chaos, Härte und Schönheit. Zum 20-jährigen Jubiläum bringen BORIS das komplette Album nun endlich wieder auf die Bühne und feiern „PINK“ mit einer exklusiven Anniversary-Tour.
Fans dürfen sich auf eine intensive audiovisuelle Live-Erfahrung freuen, für die BORIS seit Jahren international gefeiert werden. Kaum eine andere Band verbindet brachiale Lautstärke, hypnotische Atmosphäre und emotionale Tiefe derart eindrucksvoll.
Als Special Guest begleitet PLANNING FOR BURIAL die Tour. Das Projekt von Thom Wasluck bewegt sich zwischen Doom, Slowcore, Ambient und Shoegaze und schafft melancholische Klanglandschaften von beeindruckender Intensität.


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The Ruins Of Beverast sind zurück zum zweiten Teil ihrer "Tempelschlaf" Record Release Tour. Wieder im Gepäck sind die Underground Maniacs von Imha Tarikat. Dieses Mal wird das Lineup durch die englischen Extreme Doom Pioniere Esoteric komplettiert.


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„UNVERKENNBARER SOUND AUS BERLIN"
Im Zuge der Veröffentlichung ihres neuen Songs "Zersplittertes Glas" kündigen DIE VERLIERER eine Tour für Ende 2026 an. Für dieses Konzert gibt es Sozialticket zu einem günstigeren Preis, diese Tickets sind limitiert.
Bitte lasst sie für die Leute, die sie wirklich brauchen! Im Umkehrschluss gibt es Supporter-Tickets, die Ihr erwerben könnt und damit Band und Venue unterstützt.

präsentiert von Bretford

Die Zeit der post-pandemischen Flimmerjahre ist vorbei. Nils Keppel hat Bilanz gezogen und daraus sein kompromisslosestes Werk geschaffen: „Super Sonic Youth“ – ein Debütalbum, das den Geist einer zu schnell gelebten Jugend in supersonic Sound verwandelt.

Zwischen dringlichen Riffs und organischen Drums entfaltet sich ein Sound, der sich den Fängen der Zeit entreißt. „Super Sonic Youth“ ist das Monument einer Generation, die der Katastrophe ins Gesicht lächelt. Es geht um den großen Traum und das kleine bisschen Hedonismus in Endzeiten. Die Jahresabschlussshow wird damit mehr als nur ein Konzert. Sie ist ein verdichteter Moment – ein letzter Blick zurück, bevor alles wieder auf Anfang steht.


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Ein neues Album von The Notwist ist immer ein spannendes Unterfangen. Ihre musikalische Sprache ist ebenso beständig und widerstandsfähig wie die Kontexte für Kreativität unvorhersehbar und im ständigen Wandel begriffen sind.

Für „Planet Zombie“ nutzte das Kern-Trio aus Markus und Micha Acher sowie Cico Beck die vielfältigen Möglichkeiten des gemeinsamen Songwritings, brachte Songs in die Gruppe ein und arrangierte, probte und nahm dieses Material dann live im Studio auf. Das Ergebnis ist ein energiegeladenes Album, ganz im ›Hier und Jetzt‹, mit spektakulären Momenten, in denen man die Magie spürt, die in der Dynamik zwischen den Achers, Beck und den Mitstreitern Theresa Loibl, Max Punktezahl, Karl Ivar Refseth und Andi Haberl brodelt. Stücke wie „Teeth“ eröffnen ruhig, während „X-Ray“ vor kollektiver Energie strotzt. „Propeller“ und „The Turning“ zeigen die melodische und atmosphärische Bandbreite der Platte.

Aufgenommen wurde das Album in nur einer Woche im Import Export, einem gemeinnützigen Kunstraum. Diese Entstehung spiegelt sich im Sound wider: roh, lebendig und offen für Zufälle. Gastbeiträge internationaler Musiker erweitern das Klangbild und unterstreichen den kosmopolitischen Charakter.Ungewöhnlich für The Notwist sind zwei Coverversionen: Neil Youngs „Red Sun“ und „How the Story Ends“ der Folk-Pop-Gruppe Lovers. Sie fügen sich perfekt in die Erzählung des Albums ein, schmiegen sich an wie alte Freunde und zeigen The Notwist als poetische Interpreten.

Neben dem frischen Material von „Planet Zombie“ gibt es heute sicher auch einige Klassiker und weniger Bekanntes aus dem umfangreichen Back-Katalog zu hören.


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So Soon um die Multiinstrumentalisten, Songwriter und Producer David Stöbener und Marco Braun schaffen Musik, die trotz eines impressionistischen Ansatzes im Sounddesign und Storytelling enorme Größe und Kraft entwickelt. Indie Pop und Folk verschmelzen mit Electronica und Postrock zu einem bewegenden Ganzen – sowohl auf den Aufnahmen, als auch in mitreißenden Konzerten mit voller Band.

So Soon sind nicht nur seit ihrer Jugend befreundet, sie machen auch seit Jahren zusammen Musik, haben in ihre Kunst investiert. Und das hört man den Kompositionen, der Produktion und jedem Konzert an: Vielschichtiges Songwriting, präzise Vocals, beeindruckender Sound und enorme Spielqualität verbünden sich zu einem magischen Ganzen. Autobiografische Snapshots, das Aufwachsen in einer Welt, die viel bietet, aber auch viel verlangt, neblige Hoffnung, schwebende Melancholie: Die Themen der Songs.

Songs mit fesselnder Tiefe, beeindruckende Vocals in schwereloser Harmonie, coming of age in reverb. Bereits So Soons Debüt “Whether You Like It Or Not” (erschienen 2024 via Clouds Hill) erzeugte ein enormes Echo und fand den Weg in viele Ohren und Herzen: Tausende Menschen auf den Konzerten, mehr als zwei Millionen Streams, erste Festivalauftritte, Platzierung in großen Playlisten (u.a. bei Fest&Flauschig), Radio und Pressefeatures und eine schnell wachsende Fanbase auf den Socials: Alles nur der Anfang.


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Elder kommen zurück nach Leipzig. Seit fast zwei Jahrzehnten zählt die Band zu den eigenständigsten Formationen im Heavy Psychedelic Rock: schwer, melodisch, progressiv, immer in Bewegung. Aus den frühen Doom- und Stoner-Wurzeln ist längst ein weiter, detailreicher Sound geworden, der Riffs, Krautrock, Prog, schwebende Atmosphären und große Spannungsbögen miteinander verbindet, ohne seine Erdung zu verlieren.

Mit ihrem neuen Album „Through Zero“ führen Elder diesen Weg weiter. Die Platte wurde 2025 in Berlin zwischen Touren aufgenommen und von der Band selbst produziert sowie gemeinsam mit dem langjährigen Weggefährten Richard Behrens gemischt. Der Albumtitel beschreibt einen technischen Begriff aus Musik und Engineering: einen Punkt, der nicht als Ende verstanden wird, sondern als Übergang in einen weiteren, teilweise unsichtbaren Verlauf. Genau so klingt Elder auch 2027: nicht nostalgisch, nicht festgelegt, sondern als Band, die ihre eigene Sprache immer weiter verschiebt.

Als Support sind Temple Fang aus Amsterdam dabei. Die Band hat sich in den letzten Jahren einen Ruf als intensive Live-Band erspielt, deren Konzerte nie bloß abgespielte Albumversionen sind, sondern lange, offene Bewegungen zwischen Heavy Psych, Space Rock, Prog und improvisierter Energie. Mit „Lifted From The Wind“, erschienen 2025 auf Stickman Records, haben Temple Fang ein Album vorgelegt, das sie selbst als ihren eigentlichen Studio-Einstand begreifen: weit, ausufernd, aber deutlich fokussierter als frühere Veröffentlichungen.

Nach Auftritten bei Roadburn, Desertfest, Freak Valley, Sonic Whip und weiteren Festivals sowie ausgedehnten Touraktivitäten 2025/2026 kommen Temple Fang nun mit Elder ins UT Connewitz.


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2011 stand das Detroiter Post-Punk-Quartett Protomartyr aus Detroit das erste Mal gemeinsam im Tonstudio. Das Ergebnis war „No Passion All Technique“ und hat nur vier Stunden und eine Kiste Bier gekostet. Intellektuell, herzzerreißend, lustig – eine zufällige Tour de Force, die auch zu einem unwahrscheinlichen Sammlerstück geworden ist. Der Joker der Gruppe ist der Sänger und Texter Joe Casey, der frei assoziierende Poesie über aufwühlende Musik spannt.


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Nach dem Erfolg ihres letzten Albums „DRÄI“ und unzähligen schweißtreibenden Clubnächten meldet sich das deutsch-luxemburgische Trio Say Yes Dog eindrucksvoll zurück. Pünktlich zur Veröffentlichung ihrer neuen EP im Jahr 2026 bricht die Band im kommenden Herbst zu ihrer großen „SOFT ERROR“ Europa-Tour auf.

Der Titel der Tour und der neuen EP ist Programm: „Soft Error“ zelebriert die Schönheit des Unvollkommenen. Say Yes Dog bleiben ihrem unverkennbaren Sound treu – einer Mischung aus
treibendem Electropop, warmen Analogsynthesizern und Hooklines, die man tagelang nicht aus dem Kopf bekommt. Doch der neue Output zeigt die Band reifer und experimentierfreudiger denn
je. Bekannt für ihre energetischen Live-Shows, versprechen Say Yes Dog für die anstehende Tour ein völlig neues Set-Design. Die Fans dürfen sich auf eine Fusion aus den neuen Stücken der EP und den Klassikern freuen, die die Band zu einer festen Größe in der europäischen Indie-Pop-Szene gemacht haben.

„Wir wollten einen Raum schaffen, in dem man sich in den Beats verlieren kann, während die Texte einen ganz woanders hinführen“, so die Band über den Entstehungsprozess von Soft Error.

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